LA ESQUINA DE PULPIN

La Otra historia de Walt Disney

2011-06-10T19:22:00.002-05:00

Walter Elías Disney, talentoso artista y fundador de uno de los imperios más grandes de Estados Unidos y del mundo, tiene también su historia negra, que dista mucho de la imagen que conocemos de él. Se dice que era muy gruñón y que tenía un mal caracter. Que era incapaz de dibujar a los personajes que lo hicieron rico, sus empleados utilizaban la frase "¡Hombre en el bosque!" -extraída de "Bambi"- para advertir de su llegada. Su furia alcanzaba incluso a Ub Iwerks, creador de Mickey Mouse, al que solía romper sus cuadernos de dibujo para después arrojarlos a la basura.

Otra historia es que se conserva criogenizado bajo la atracción de los Piratas del Caribe, en Disneylandia, pero lo cierto es que más de uno no desearía volver a ver al magnate de los dibujos animados ni en pintura. Su entrañable imagen pública ocultaba un racismo (reflejado subliminalmente en el Pato Donald) y un gran antisemitismo (observado en Los tres cerditos), ni hablar de su oculta inclinación fascista y anticomunista.

Existe una curiosa leyenda acerca de Walt Disney es la de su supuesto origen español. Según esta leyenda, Disney no habría nacido en Chicago, sino en Mojácar (Almería), hijo ilegítimo de un médico y una lavandera. La supuesta madre habría emigrado a Estados Unidos, donde habría dado a su hijo en adopción a la pareja formada por Elias y Flora Disney. Según esto, el verdadero nombre de Disney habría sido José Guirao Zamora. Supuestamente, en los años cuarenta, unos enviados de Disney habrían estado en Mojácar haciendo comprobaciones en los archivos parroquiales de la localidad.

Dicen también que aún muerto, se firmaron algunos contratos y que siguió en la dirección general de su gran compañía. También en la que Walt Disney preparó antes de morir una serie de órdenes que debían ejecutar los directivos tras su fallecimiento para preservar el éxito de la compañía. Su hermano Roy Disney, al heredar la compañía, no tuvo que hacer nada especial puesto que Walt no preparó nada para después de su muerte.

Para terminar diré que la obra de Disney se prosiguió consolidándose en una gran industria que a dado a la luz importantes largometrajes animados. En esta búsqueda por encontrar curiosidades, descubrimos que existen ciertos cuadros de sus películas animadas que muestran intensionalmente o no, imágenes de sexo y sensualidad. Algunos investigadores han llegado a declarar inclusive que existe mucho mensaje subliminal en sus obras, sobre todo antes de la contratación de Pixar Co. como órgano de diseño.

Recomendamos
Mensajes subliminales de Disney

Morocco Topo: Mi gran amigo

2010-10-27T09:56:00.003-05:00

Todos tienen una historia, EL INSPECTOR ARDILLA también; pero como no me gusta hablar de mi mismo, hoy estaré muy locuaz hablando de mi mejor amigo, mi causa, mi escudero y fiel MOROCCO TOPO.Aunque no me guste decirlo, el es como mi sombra, no podría andar solo por ahí. A pesar de ser yo la estrella del programa de dibujos animados, Morocco cumple también un importante rol cuando resolvemos todos los casos que se nos encomiendan.

Mi mentor, William Hanna consulta con su brother Joseph Barbera, buscarme un acompañante para la serie, así como Sherlock Holmes tuvo a su inseparable Watson. Y es así que nace mi pata. Tenía que ser alguien que no me opacara, ya que soy la estrella. Morocco Topo, también es conocido como El Topo de Marruecos -sino fijense en su atuendo-, si lo miran bien se parece a Ugarte, el personaje interpretado por Peter Lorre en la película Casablanca.

Mi jefe es Doble-Q y todas las torpezas que hace Morocco las tengo que pagar delante de él. Casi siempre tengo que enfrentar a El Sonrosado (Yellow Pinkie) que es obviamente, una parodia de Goldfinger y Sidney Greenstreet en El Halcón Maltés. Doble-Q le tiene mucho cariño a mi amigo y me he enterado que ha veces le aconseja que se haga el tonto para que yo me la crea, será cierto eso?

Mi tímorato amigo y a la vez muy sagaz, me acompaña en todas mis misiones, aunque creo que un episodio no participó por estar enfermo. Suele ir vestido con una chaqueta de terciopelo de color azul,y solapas negras y adorna su cabeza con un sombrerito moro o fez de color rojo, con borlón, que va bamboleando de un lado a otro. Como es un tanto cegaton lleva unos generosos anteojos, que en algunas ocasiones ha sustituido por otras de sol un tanto más modernas. Cuando los pierde o no está con ellos, es historia, y siempre se mete en problemas.

Nunca olvidaré aquel episodio llamado "Morocco bufón real" (Jester Minute) que fue emitido por la cadena NBC el primer día de 1966, en donde Morocco se hace pasar como payaso en la corte del rey. Teníamos que resolver el robo de la corona del Rey de parte del Sonrosado, resultando que se trataba tan solo de un trozo de pastel. Ustedes se preguntarán como diablos se me ocurrió decirle a Morocco que haga de bufón con lo triste y apático que es.

Para los que no se acuerdan, mi serie se emitió en la cadena norteamericana NBC desde 1965 hasta 1968, y en todos esos años Morocco me acompañó, apoyándome en resolver los más difíciles casos.

Aunque los topos y las ardillas no se llevan bien...
extraño a mi amigo.
El Inspector Ardilla

Los 46 de Mafalda

2010-10-05T18:38:00.004-05:00

Hoy tendré la misión de cubrir el cumpleaños de una coleguita amiga mia, que al igual que yo, nació el siglo pasado y se podría decir de que casi es de mi edad: MAFALDA. La historieta -junto con la de Condorito- más representativa de Sudamérica para todo el mundo. Ella cumple hoy 46 años de reflexiones y sarcasmos, de preguntas sin respuestas. Así que más tarde le estaré cayendo con mi paisa Moroco, llevándole una sopa caliente, ya sé, le llevaré un chupe de camarones....mejor no!...ella ODIA LA SOPA. Una muñeca Barbie?...creo que tampoco (a su amiga Susana si le gustaría)...ya se me ocurrirá algo por el camino...

Por qué Mafalda?
El nombre se le vino a la cabeza a su autor al ver una película llamada DAR LA CARA, basada en una novela de David Viñas. En ella, había una bebe con el nombre de Mafalda y ese personaje fue musa de inspiración para crear su historieta más famosa.

Fue un 29 de setiembre de 1964, cuando la tira cómica de Mafalda vio por primera vez la luz. El creador fue QUINO. Él nunca se llegó a imaginar que su creación se iba a traducir con el paso de los años, en más de 26 idiomas diferentes, y que en Argentina vendería más de 20 millones de libros relacionados con la famosa muñequita.

Mafalda fue creada, a solicitud de la empresa de electrodomésticos Mansfield, para su campaña publicitaria. Esta nunca llegó a realizarse y Mafalda debió esperar hasta 1964 para protagonizar su tira cómica, que fue publicada inicialmente en «Gregorio», suplemento de humor de la revista Neoplán; más tarde apareció en el semanario Primera Plana, en El Mundo y en Siete Días. Pude indagar de mis informantes que Quino la dejó de publicar diariamente en 1973. De ahí pasaría un tiempo sin que nadie sepa de ella, ya que era intimidado algunas veces.

Y cómo es Quino?
Hace años conocí a Quino, o debería decir Joaquín Salvador Lavado, un gaucho muy chévere a pesar de ser argentino -será porque sus taitas fueron españoles. Él actualmente debe estar bordeando los 78 años y con mucho trabajo. También me enteré que es un hombre leal, fiel a sus principios -Mafalda debe estar muy dichosa- pero cuando se la tiene jurada con alguien.....ya fue, es mas resentido el tío. Pero dentro de lo profesional es un fuera de serie. Hace anotaciones todo el tiempo, es como si siempre estuviera conectado con su creatividad, aunque no lo demuestre y no hable nunca de eso. Por ahí viajando en colectivo escucha cosas y las anota, o en medio de la noche se le ocurre algo y lo apunta con una lapicera de luz que tiene. Y luego hace decenas de bocetos que luego desecha, es de una exigencia casi maniática. Cuando tuvo serios problemas por la presión ocular empezó a dibujar con menos detalles, pero cuando puede le gusta dibujar esos fondos obsesivos que son maravillosos; por ejemplo el mostrador de una cantina en la que encada estante hay una botellita diferente y a cada botellita a lo mejor le pone el nombre de un amigo. O esos diplomas de odontólogos que hay que mirar con la lupa porque de pronto ahí se lee el nombre de su dentista particular, que además es su amiga.

Muchas cosillas se de Mafalda y de su vida íntima (acuérdense que ya tiene 46 años) pero como soy un pulpo bien caballero, y me reservo los comentarios. Lo que si puedo decir es que mi chata es muy reflexiva y de amplio criterio, muy preguntona y muy directa. Así me gustan las hembras, lamentablemente, no pasó nada con ella por ser muy independiente y no le gustaba mi chamba.

Si se dan cuenta, los personajes que salen en Mafalda, cada uno tiene una propia personalidad. Aunque Mafalda aparenta ser una tira más con protagonista infantil, sus contenidos suelen ser más cercanos y a la vez adultos que otras tiras similares. Destaca, por ejemplo, la preocupación de Mafalda por la política mundial, la obsesión de Manolito con el dinero, etc. A pesar de ello, estos personajes aún pueden ser vistos por los lectores como niños reales con padres reales, y no como "adultos en cuerpos de niño".

Aquí tengo un apunte que me lo facilitó Daniel Divinsky, un viejo amigo de Quino: "La tira cómica se dibujó por última vez en 1973; pero Quino volverá a dibujar a su personaje en 1977 por solicitud de Unicef, para la edición internacional de la campaña mundial de la Declaración Universal de los Derechos del Niño y, posteriormente, en 1983 para la campaña de higiene bucal llevada a cabo por odontólogos argentinos de LABSA".

Para cerrar el informe de mi misión, solo diré que fue un gran placer hablar de mi amiga Mafi, de su gran personalidad y de lo profunda que resulta siempre su conversación, lamentablemente que pare siempre cerca del hijo de p...de Manolito que no lo puedo ver ni en pintura. Mafalda tiene la misma vigencia hoy que hace cuarenta y tantos años, sus historias siempre parecen pertenecer al más absoluto presente, lo cual implica una enseñanza especialmente dramática, en el sentido que sus dibujos prueban, de paso, que vivimos en un mundo y en un país en estado de crisis crónica.

D'onofrio: Golosinas de siempre...

2009-03-13T09:09:00.013-05:00

Aquí en Perú tenemos una empresa de golosinas que desde comienzos del siglo pasado tiene vigencia en el gusto de chicos y grandes. Actualmente forma parte de Nestlé S.A., aquella transnacional que barrió con todo en muchos países de latinoamérica.

D'onofrio lanzó una campaña publicitaria muy acertada durante el verano de 1982, yo ya no era un niño sin embargo despertaron en mi mucha curiosiodad los avisos publicitarios en la radio, televisión y en la prensa escrita, se hizo muy popular la frase "Cada vez mas Cerca de tí". Los helados, chocolates y sobre todo la FRUNA, que era y es un caramelo blando con sabor a fruta, durante los ochentas fue el boom de cada fiesta infantil y de los kioskos o cafeterías escolares. Se acuerdan ustedes de aquella frase: "FRUNACATOINGA TOINGA TOINGA..." como dando a entender que el sabor sube y baja, que tiene un ritmo, que existe una eclosión de sabores que alegra y divierte. Muy impactante para el universo infantil en donde las golosinas reinan toda la vida en todos los tiempos y en todo lugar.

Los HELADOS D'ONOFRIO siempre han sido los preferidos desde décadas. Se acuerdan del esquimo, buen humor, pibe, bambino, sandwich -que medía en tiempos atrás mas de 20 cms de largo, 7 cms. de ancho y 4 cms. de altura- el bambino, y muchos que integraron la primera generación de helados personales de D'onofrio. Ahora en la actualidad, mas pequeños y con mucha competencia, siempre están en constante innovación, los deliciosos helados Frío Rico, de D’Onofrio, ofrecen este verano su nueva gama MaxX, un nuevo concepto para los amantes de los helados con mayor valor agregado, que presentan dos deliciosos sabores: Frío Rico MaxX Caramel Maní y Frío Rico MaxX Manzana Crispy. Helados familiares con sabores a los originales chocolates y golosinas como Sublime, Princesa, hasta de gaseosa Inka kola, etc.

También el PANETÓN D'ONOFRIO fue el primer panetón que entró a venderse en el país, a comienzos del siglo veinte, el panetón de caja celeste ya era el engrído de todos los peruanos que adoptaron esta costumbre italiana. Caso a parte también es su CHOCOLATE SUBLIME, con su sabor inconfundible ha sufrido grandes transformaciones y empaques diversos pero siempre manteniendo esa calidad que la conozco desde niño. Es muy diferente en cuanto al sabor, al famoso chocolate suizo, holandés, inglés y al americano. Ese agregado de maní tostado le da un toque muy diferente. D'onofrio ha conseguido robarse el cariño de todos los amantes a las golosinas, en especial los niños.

Pero que hay detrás de ese nombre de marca?

El nombre D'Onofrio viene de un apellido italiano, es el apellido de Pedro D'onofrio, nacido en el 1859 en la ciudad de Sessa Aurunca, Caserta, Italia. Un hombre emprendedor e intrépido que a los 21 años dejó su pueblo para ir a buscar la tierra prometida en Argentina en una época en que Buenos Aires empezaba a surgir y hacía mucha falta de mano de obra.

Hasta que llegó el día en que decidió su futuro: recibió una carta de Buenos Aires de un amigo de la familia, Don Raffaele Cimarelli, que era propietario de un carrito de helados y le ofrecía el traspaso de su negocio. Don Pedro aceptó la oferta, dejó su trabajo en Rosario de Santa Fe y volvió a Buenos Aires. Aprendió allí a preparar helados y compró además el carrito con todo el equipo.La nueva actividad le fue muy favorable.En 1888 Don Pedro toma la determinación de retornar de vuelta a su tierra natal para abrazar a su madre, señora Gesualda. Durante su permanencia en Italia conoce a la señorita Raffaella Di Paolo, muchacha sencilla, decidida y llena de entusiasmo. Contrajeron matrimonio y decidieron volver juntos a la Argentina.

Pero el destino final de los D'Onofrio estaba escrito: Raffaele Cimarelli aquel señor que en Buenos Aires vendió a don Pedro su negocio de helados , los animó a trasladarse a Richmond, donde él se encontraba pues era un lugar con un clima muy favorable para el consumo de sus productos. La familia se reúne con Cimarelli y don Pedro se dedica nuevamente a lo que sería el trabajo de toda la vida: preparar y vender helados. Nace otra hija, Virginia, llamada así por el Estado que les acoge. El tiempo pasaba y el negocio prosperaba. Los D'Onofrio ya eran cinco y había que producir más. Pedro y Raffaella empezaron a pensar dónde poder establecerse para agrandar el negocio. Alguien se encontraba en el Perú, nuevamente era el amigo y tutor don Raffaele Cimarelli que los invitaba a trasladarse a Lima pues tenía un clima excepcional, sin invierno, ideal para el consumo de helados.

Los D'Onofrio llegan a Lima a fines de 1897

Se trajeron de Richmond un carro de madera a tracción humana para el reparto de helados en el que se encontraban pintadas las palabras "Hokey Pokey" que tienen origen en las palabras latinas "hocus-pocus" que son utilizadas como cábala en trucos para distraer al público. Esta carretita fue la famosa Fundadora, piedra angular de una gran industria.

La familia se ubicó primero en la calle Pachacamilla, después en la calle Granados y por último en la esquina de Sandia y Tipuani, en el barrio de Chacarilla donde permaneció hasta 1914 en que se trasladaron al local de la Av. Grau. La figura de don Pedro se hizo amosa, como el toque de corneta que utilizaba para anunciar su paso por las calles limeñas para despertar la curiosidad del vecindario. A la simpatía de su apuesta figura se unía la bondad de su producto, un helado de crema denominado "imperial".

Don Pedro traía nieve de los Andes para la fabricación de sus helados. En 1908 siguiendo un consejo de un ingeniero norteamericano, compró una planta para la fabricación del hielo artificial. Este fue el primer paso que dio para la industrialización de su actividad. El negocio prosperó y aumentaron las carretas que hizo fabricar con diseño propio. Para colaborar con él hizo venir de Italia a su sobrino Domingo y a dos cuñados, Amedeo y Orlando Di Paolo.

Desde la llegada al Perú habían nacido otros hijos: Amelia, Pedro, Luis, Umberto, Yolanda y Clelia. Antonio, el mayor de los varones a los once años de edad había ido a Italia para cursar estudios. En 1911, a los quince años de edad fue llamado de vuelta al Perú: su padre se había dado cuenta que para el desarrollo de su negocio necesitaba formar a un sucesor.

Antonio D'Onofrio Di Paolo, primogénito de los D'Onofrio se hallaba al frente del negocio. Sugirió a su padre que tomara un merecido descanso. Habían transcurrido veintidós años desde su llegada al Perú. Veintidós años de absoluta dedicación a su negocio cuyos frutos, por aquella época, ya empezaban a convertirse en una maravillosa realidad. Pedro y Raffaella resolvieron volver a Italia y Antonio recibió en traspaso la fábrica de helados con once carretas, una por cada hijo que tuvo la pareja. Tres de los menores hijos acompañaron a los esposos a Italia: Luis, Yolanda y Clelia.

Transcurrieron 14 años antes de que don Pedro regresara nuevamente al Perú, tierra por la que sentían un profundo amor. Cuatro años mas tarde en 1937, don Pedro D'Onofrio Di Resta murió a la edad de 78 años, dejando tras de sí una herencia de trabajo a las generaciones que lo siguieron.

Antonio D'Onofrio, sucesor de Pedro D'Onofrio

Habían transcurrido ocho años desde que en 1911 Antonio interrumpió sus estudios en Italia, hasta 1919 en que cambiaron la razón social por la de "Antonio D'Onofrio sucesor de Pedro D'Onofrio”. El deseo de don Pedro de formar al primogénito como su sucesor se transformó en realidad. Un muchacho digno hijo de su padre.

Ya en posesión del negocio Antonio se impuso la tarea de ampliarlo y modernizarlo. Los helados se vendían cinco meses al año; había que extenderlo a una nueva industria que se mantuviera activa en cualquier época el año; creó así una fábrica de chocolates de alta calidad, de la que carecía hasta entonces el Perú.

La primera fábrica de chocolates con equipo industrial adquirido en Europa, fue instalada en el año 1924 en el jirón Cotabambas, adyacente a la planta de hielo y helados. En el 1932 regresó de Italia Umberto D'Onofrio di Paolo, con el título de Ingeniero Agrónomo. Había viajado en 1914 con su hermano Pedro D'Onofrio di Paolo. En 1933 lo hizo Luis D'Onofrio di Paolo, trayendo consigo avanzados estudios y amplia experiencia técnica en la industria dulcera. El aporte de trabajo de los hermanos D'Onofrio permite a la industria crecer y producir además de helados y chocolates: caramelos, galletas, golosinas de todo tipo.

El crecimiento de la industria era tan evidente año tras año que obligó a la empresa a cambiar de local. La nueva sede fue fijada en terrenos del ex fundo Aramburú, sobre un área de 36,000 m2 y con frente a la Av. Venezuela. Era el año 1950. Once años después se verificó el traslado de la planta de helados totalmente modernizada con equipos para la producción de helados tipo "ice cream".

En esos años Antonio ya había realizado un importante acuerdo con la firma Alemagna de Milán, comprando la fórmula para la producción del panetón D'Onofrio y el derecho de utilizar la confección característica del producto Alemagna que simbolizaba con la A el duomo de Milán. D'Onofrio lo hizo con la D. El primer panetón que entró en el Perú, una tradición navideña italiana que el Perú acogió con verdadero entusiasmo. La familia siguió trabajando con esmero introduciendo innovaciones y creando puntos de ventas y confiterías. Un imperio comercial que ahora fue adquirido en el año 1997 por Nestlé Perú y que hoy sigue manteniendo sus actividades en el mismo local de la Avenida Venezuela manteniendo inalterada la tradición de este nombre tan querido y apreciado por todos los peruanos.

Fuente:

Archivos de la Familia D'Onofrio

El Avispón Verde (The Green Hornet)

2009-02-09T17:41:00.007-05:00

Como Batman y la gran mayoría de los Superhéroes el Avispón Verde debuta la dura era de la depresión norteamericana, pero en un medio diferente, la radio. Con un gran suceso “The Green Hornet” debuta el 31 de enero de 1936 convirtiéndose en un hit, el Avispón seria personificado en radio por Al Hodge de 1936 a 1943, Donovan Faust durante 1943, Bob Hall de 1943 a 1946 y Jack McCarthy de 1946 a 1953. Esta audición radial tendría tanto éxito que inspiraría a dos seriales cinematográficos en los años 40’s con el estilo dramático y oscuro que esos tiempos demandaban.

La miniserie de El Avispón Verde (The Green Hornet) fue una de las que más me gustaban cuando estaba chico, sin embargo recuerdo muy pocos episodios y uno de ellos es cuando hacen un crossover con la miniserie de Batman.

El avispón verde es un personaje creado por George W. Trendle y Fran Striker (Creadores también de El llanero solitario) para un serial de radio en 1936. Esta versión televisiva, en concreto, que data de 1966, fue distribuida en forma de película (en tandas de 3 capítulos) por el Mundo tras el éxito de Bruce Lee.

La idea original de El avispón verde es muy sospechosa. A primera vista, si uno ve esta serie y recuerda la serie Batman de 1966, se dará cuenta de que la forma y el desarrollo son exactamente iguales; incluso las geniales cortinillas que separan unas escenas de otras son un calco. Inspirada por el èxito de la serie de Batman en los 60, ABC produjo para televisión El Avispón Verde, basada en la serie radial de 1936 del mismo nombre, e presentó al maestro de artes marciales Bruce Lee al público televisivo.

Esta serie contaba las aventuras Britt Raid, quien heredó el periódico El Centinela Diario, en Washington D.C. A través de este medio, y bajo la identidad secreta “Avispón Verde”, hace cumplir la justicia en las calles oscuras de la ciudad. Algo interesante del personaje es que Britt Raid es el nieto del famoso “Llanero Solitario”, otro personaje famoso de ficción. Pero ahí no acaba la cosa; por enumerar semejanzas entre Batman y El avispón verde, se puede decir que ambos personajes son ricos, ambos carecen de superpoderes, ambos tienen un compañero y ambos usan artilugios para combatir. Si alguien piensa después de ésto que El avispón verde puede ser una copia de Batman, que vuelva a pensárselo, porque el primero data de 1936 y el segundo de 1939. En la serie de 1966 ambos personajes se cruzan en dos capítulos en los que El avispón verde llega a Gotham City.

La serie mostraba al auto del Avispón Verde, la “Belleza Negra”, un Crysler Imperial de 1965 altamente modificado. El tema musical “El vuelo del abejorro” se identificó tanto con este personaje que fue mantenido como tema musical. En la película Kill Bill, de 2003, hay una secuencia que presenta este tema, así como un tributo a la serie (Kato), al presentar docenas de luchadores usando las máscaras de este personaje.

Para junio del 2010 se tiene pensado el estreno de la película basada en esta serie. Hasta donde se sabe ya estan rodando y en donde Stephen Chow quien se encargará de la dirección de la película y además interpretara a Kato, papel que en la serie fue llevado a la vida por Bruce Lee.

Los sorprendentes juegos LEGO

2008-12-26T17:49:00.010-05:00

Al entrar a una tienda de almacenes para comprar un juguete a mi hijo como obsequio de Navidad, pude ver entre toda la juguetería, una enorme sección dedicada a los juguetes para armar marca Lego. Entró en esos momentos en mi una nostalgia de los tiempos cuando era niño y recordé mi primera caja de Lego para armar. Me acuerdo que eran piezas grandes , un tanto toscas pero de increíble precisión al relacionarse unas con otras. Dentro de los juegos de su categoría la marca Lego se distinguía siempre por la calidad de sus productos y por la innovación en sus diseños. Ahora al ver diseños de naves espaciales y androides, todos para armar, veo con asombro como ha evolucionado este tipo de juegos. Justamente esta nota se trata de conocer mejor que hay detrás de esta marca conocida...

LEGO es una empresa de juguetes danesa reconocida principalmente por sus bloques de plástico interconectables. El nombre LEGO fue adoptado por la compañía en 1934, formado por la frase del danés "leg godt", que significa "juega bien". Hasta 1949, LEGO se dedicó casi exclusivamente a producir juguetes de madera. LEGO no fue siempre el sistema de bloques plásticos que es hoy. Sus humildes orígenes surgieron en el taller de Ole Kirk Christiansen, un carpintero pobre de Billund, Dinamarca. Su innovador negocio familiar crecería hasta convertirse en una de las compañías de juguetes más respetadas del mundo.

En 28 de enero 1918, Christiansen abrió un negocio de carpintería en Billund, y se ganó la vida construyendo casas y muebles para granjeros de la región con la ayuda de un pequeño equipo de aprendices. Su taller fue quemado en 1924. Ole Kirk tomó el desastre como la oportunidad de construir un taller mayor, y se dedicó a ampliar su negocio. Intentando encontrar formas de minimizar sus costos de producción, Ole Kirk comenzó a producir versiones miniatura de sus productos como ayuda de diseño. Sus escaleras en miniatura y tablas de planchar fueron las que lo inspiraron a producir juguetes.

No fue hasta 1934 que el nombre LEGO fue acuñado por Christiansen a raíz de la frase danesa leg godt, la cual significa "juega bien". Cuando el plástico alcanzó uso masivo, Ole Kirk se adaptó a los cambios y comenzó a producir juguetes de plástico. Uno de los primeros juguetes modulares producidos por LEGO fue un camión el cual podía ser desarmado y re-ensamblado. No fue hasta 1949 que los bloques de plástico interconectables, los cuales llevaron a la compañía a la fama, fueron desarrollados. Estos "bloques de construcción automáticos", fabricados de acetato de celulosa, fueron desarrollados al estilo de los bloques de madera tradicionales, los cuales podían ser apilados unos sobre otros; el concepto revolucionario, sin embargo, fue el hecho de que los bloques de plástico podían ser "trabados" entre sí. Cada bloque poseía varios botones planos en su cara superior y un fondo ahuecado rectangular. Conectando las caras superior e inferior de dos bloques era posible mantenerlos unidos. En 1953, estos bloques obtuvieron un nuevo nombre: LEGO Mursten o "bloques LEGO".

La utilización de plástico para la fabricación de juguetes no fue bien recibida por vendedores y consumidores de la época. Muchos de los cargamentos de LEGO fueron devueltos, siguiéndoles bajas ventas; se consideraba entonces que los juguetes de plástico no podrían reemplazar a los de madera. No fue hasta 1958 que el diseño de los bloques actuales fue desarrollado. Los bloques fueron mejorados con tubos huecos en su cara inferior. Este cambio permitió mayor apoyo en la base, mejorando ampliamente la habilidad de ligarse y su versatilidad. Ole Kirk Christiansen falleció ese mismo año y Godtfred heredó el liderazgo de la compañía.

1961 y 1962 vieron la llegada de las primeras ruedas LEGO, un agregado que expandió el potencial para construir automóviles, camiones, autobuses y otros vehículos a partir de ladrillos LEGO. En 1963 el acetato de celulosa, el material plástico utilizado para fabricar los ladrillos LEGO, fue abandonado a favor de un material más estable. Los ladrillos de acetato de celulosa poseían problemas de deformación y arqueado; sus sucesores fueron fabricados con acrilonitrilo butadieno estireno, o plástico ABS, el cual es utilizado aún hacia el 2004. El ABS posee un gran número de ventajas sobre el acetato de celulosa: es más resistente al calor, ácidos, sales y otros químicos y no es tóxico. Los ladrillos LEGO fabricados con plástico ABS en 1963 mantienen aún su forma y color 40 años más tarde.

Los juegos "serie experto" fueron presentados en 1975, orientados a aficionados LEGO de mayor edad y más experimentados. Esta línea pronto se convirtió en el juego "constructor experto", lanzado en 1977. Estos juegos técnicos incorporaban partes móviles como engranajes, ruedas dentadas, palancas, ejes y coyunturas universales, los cual permitía la construcción de modelos realistas como automóviles. Finalmente, el mundo LEGO fue reunido en 1978 con la incorporación de las figuras en miniatura LEGO, "minifig", producidas aún en la actualidad. Estas personitas LEGO poseen piernas y brazos articulados y una amable sonrisa. La figura fue utilizada en diversas variedades de juegos LEGO, permitiendo a los consumidores crear intrincadas ciudades con edificios, rutas, vehículos, trenes y barcos en una misma escala y poblarlas con los sonrientes ciudadanos LEGO.

Curiosidades

- Una de las características esenciales de los ladrillos LEGO a través de su historia ha sido que cada una es, ante todo, parte de un sistema. Cada nueva serie y juego que es lanzado es absolutamente compatible con el resto del sistema; las piezas LEGO, sin importar su tamaño, forma o función, encajan con todas las demás piezas LEGO de alguna manera. Los mecanismos de engranajes y motores introducidos en los juegos Technic avanzados, diseñados para adolescentes, pueden ser acoplados a los ladrillos DUPLO diseñados para niños de 3 años de edad sin esfuerzo alguno.

- La producción anual de ladrillos LEGO ronda aproximadamente los 20.000 millones anuales, o cerca de 2,3 millones por hora.

- LEGO Bionicle fue una de las series que reemplazaron el uso tradicional de minifigs y ladrillos por piezas que aumentaban su movilidad.

- Desde el comienzo de la producción de ladrillos de plástico, LEGO ha lanzado varios miles de juegos con distintos motivos, incluyendo el espacio, Bionicle, Exo-Force, vikingos, piratas, castillos medievales, dinosaurios, ciudades, suburbios, destinos vacacionales, el salvaje oeste, el ártico, barcos, automóviles de carrera, trenes, Star Wars, Harry Potter agentes secretos, Indiana Jones, Speed Racer y otros. Nuevas piezas son lanzadas constantemente, aumentando cada vez la versatilidad de los juguetes LEGO.

La Serie Rosa: "Guardad celosamente el secreto"

2008-12-20T15:37:00.004-05:00

En esta oportunidad me place recordar aquellas noches en las que a escondidas prendía el televisor a la media noche para alimentar mi ojo voyeur, viendo: La Serie Rosa. En la oscuridad de la noche y de mi dormitorio, mi televisor y yo todos los domingos a las 11 de la noche entrábamos despues de cruzar el umbral de lo prohibido al expectar una serie que marcó época en mi vida. Fue una serie de capítulos que mostraban cada domingo una historia llena de erotismo y magia que nos movía por dentro y nos llevaba por el mundo de la fantasía.

Esta serie co producción española/francesa reune 28 episodios en torno al erotismo recreado en escenarios clásicos y ornamentados, tanto en la ambientación como en el vestuario. Serie inolvidable con un encanto especial, que en cortos minutos, 26 para ser más precisos, escenificaban situaciones eróticas cargadas de picardía y glamour (ingredientes para mi impresindibles dentro de lo que pueda considerar erótico), en donde la levantada de una falda, el acercamiento de la cámara a un seno o un beso tímido, eran motivos de excitación para más de un televidente incauto.

También ha sido transmitida en otros canales de Europa, Latinoamerica y Estados Unidos, conociéndose como : Erotisches zur Nacht y Softly from Paris (USA) Comenzó a emitirse en el año 1986. Esta serie erótica es una antología de historias libertinas adaptadas de obras literarias desde el siglo XVIII a nuestros días. Fue producida por Pierre Grimblat y Gerson Barraza.

Llega a mi mente, una frase que se decía casi en el epílogo de cda capítulo: "Guardad celosamente el secreto", y era lo que todo televidente ponía en práctica al apagar su aparato de televisor. Pocos comentarios con los amigos te permitía dar esta serie, si eras puber o adolescente lógicamente había algo más que hablar.

Papá lo sabe todo

2008-11-18T15:54:00.004-05:00

Father Knows Best o Papá lo sabe todo fue una de las series familiares que marcaron época en Estados Unidos y fue una de las primeras series televisivas que trataba de mostrar el prototipo de familia americana. La Familia Anderson, que permaneció en pantalla en el top de sintonía entre 1954 y 1963: Mamá Margaret (Jane Wyatt); Papá Jim (Robert Young); Bud (Billy Gray); Kathy. la hija menor (Lauren Chapin) y la hija mayor, Betty (Elinor Donahue). Sin embargo comenzó a emitirse años antes.

La serie comenzó a difundirse el 25 de agosto de 1949, por la Cadena de TV NBC . Situando la locación en la coste oeste del USA, que protagonizó Robert Young interpretando al agente de seguros Jim Anderson. llega a ser emitida hasta la noche del 25 de marzo de 1954.

Si bien es cierto que fue considerada una serie muy optimista sobre el rol de la familia en la sociedad americana, también cayó en no recoger ni reflejar lo que era realmente, ya desde esos tiempos, en los 50's, despues de la post-guerra, a los americanos les costaba muchos llevar una vida tan plenamente como se reflejaba en dicha serie.

En los 6 años que duró su emisión se desarrollaron 205 episodios. En Perú creo que se llegaron a ver solo la tercera parte de los capítulos. Era una serie muy popular durante las tardes. En blanco y negro durante los últimos años de los 60's y primeros de los 70's las familias la apreciaban por America TV Canal 4, y realmente creo que el desenvolvimiento de los personajes encajaba mejor con el estilo de vida de la clase media peruana de aquel entonces.

Los Chupa Chups: Medio siglo de rico sabor

2008-11-06T11:22:00.006-05:00

Se acuerdan de esos chupetes redondos que en la década de los 70's inundaron todas las tiendas de golosinas en el Perú? Esos caramelos con palo redondos que cambiaron la forma de los chupetes caramelos? Antes de ese tiempo los chpetes eran planos y de muchas formas, casi no tenían volumen.

Nació hace cincuenta años como una ingeniosa y práctica solución para evitar que los peques se pringaran las manitas de caramelo. Medio siglo después, el Chupa-Chups -chupachús para sus adeptos españoles- se ha convertido en un fenómeno global. Un éxito empresarial y comercial que ha sabido imponer su magistral sencillez y sobrevivir en medio de la sofisticación y la tecnificación de las golosinas.

Los Chupa Chups fueron los que revolucionaron la venta de chupetes en todo el mundo, los producía una compañía española dedicada a la fabricación y venta de piruletas. Fue fundada por el catalán Enric Bernat en 1958. La compañía pertenece al grupo italo-holandés Perfetti Van Melle desde 2006.

El orígen de los Chupa Chups se produce cuando su futuro fundador y presidente, Enric Bernat idea un sistema por el cual los niños eviten la incomodidad de ensuciarse las manos. -"Sería -recuerda- como tomar un caramelo con tenedor". La propuesta de Enric Bernat es rápidamente recogida, experimentada y, finalmente, producida. Pero no será un tenedor sino un palo de madera el que permita, por fin, tomar, cómodamente, un caramelo, a partir de entonces, un Chupa Chups.Desde la primera fábrica, ubicada en Asturias se produce el lanzamiento del primer caramelo con palo industrializado que ofrece una gama siete sabores distintos. Precio de mercado: 1 peseta. Un precio elevado para los años cincuenta pero sin duda, para alentar la imagen de un caramelo de calidad.

En 1967 se inaugura una nueva fábrica en Sant Esteve de Sesrovires (Barcelona). Y en ese mismo año nace la primera filial extranjera en Perpiñán (Francia). Todo ello supone el inicio de la cuenta atrás para el encuentro de la historia con Chupa Chups, uno de los caramelos más populares y mejor posicionados del mundo.

En 1995 Chupa Chups se convertía en el primer caramelo con palo consumido en el espacio. Personajes como Johan Cruyff, Rivaldo, Mariah Carey, Harrison Ford, Esther Cañadas, Giorgio Armani, han protagonizado campañas y se les ha visto en lugares públicos saboreando Chupa Chups. En julio de 2006, la empresa italo-holandesa Perfetti Van Melle llegaba a un acuerdo con los herederos de Enric Bernat (fallecido en diciembre de 2003), para adquirir la mayoría del capital de la empresa Chupa Chups.

Hoy en día, la producción anual es de unas 17.000 toneladas; la producción diaria, de unos 12 millones de unidades. En su momento, cuando comenzó todo el negocio, necesitaban la creación de un logo que llame la atención y fue diseñado al final por el pintor surrealista Salvador Dalí. La primera publicidad fue el logo con el eslogan «És rodó i dura molt, Chupa Chups», que se traduce del catalán como «Es redondo y dura mucho, Chupa Chups».

Un Chupa-Chups no es otra cosa que una esfera de caramelo elaborado a base de azúcar, agua y glucosa, que se calienta hasta que se evapora el agua, y a la que más tarde se le añade el ácido y el aroma según el sabor. Es decir, la base de 'Chupa-Chups' es común a cualquier caramelo; lo diferente es el aroma y el colorante, que a lo largo de la historia se han llegado a producir más de 127 sabores. Gustos tan dispares como Daikiri, Manzana al horno, Piña Colada e incluso ají.

Una vez que la masa está formada tiene lugar el proceso de homogeneización e introducción en los moldes. Finalmente se inyecta el palillo, se enfría y se envuelve en su caraterístico celofán. Un paso crucial este último, dada la importancia del aspecto visual para la venta del producto. Una golosina de colores atractivos y llamativos siempre despierta el apetito, en especial si se expone en un punto de venta cerca de la caja de los comercios. Unos coloristas expositores que fueron clave en su éxito, junto a la distribución. Comenzó en la España de los sesenta en aquellos Seat 600 con el logo de la marca que llegaban a los más remotos puntos de venta, 300.000 repartidos por todo el país. Se despachaba entonces a una peseta, un precio redondo pero bastante caro para la época.

Su consumo, que dura una media de 10 minutos, se ha relacionado con una estética determinada, con una manera de combatir la ansiedad, engañar las ganas de fumar y evitar picar entre horas.

Charles Chaplin: Algo más sobre Charlot

2008-10-16T08:57:00.007-05:00

El personaje de Charlot ya no necesitaría los payasos de la Keystone; incluso si debía repetir aquí y allá ciertos episodios de sus viejas películas, el trabajo de Chaplin consistía, en parte, en precisarlo, pulirlo, liberarlo de la carga de vulgaridad (y también de los reflejos mecánicos heredados del slapstick) para elevarlo hasta la comicidad más noble. Al mismo tiempo que la profundización en el gag, si intentaba realzar a Charlot, conllevaba una disminución del ritmo (sensible sobre todo en La quimera del oro) los elementos sentimentales, desde el principio siempre presentes, se precisan y llegan hasta el romanticismo melodramático (Luces de la ciudad).

Durante este tiempo, el hombre Chaplin debe capear los primeros temporales de una vida privada que sus dos giras triunfales, en 1921 y 1932 por Europa y más tarde por el resto del mundo contribuyeron a hacer pública. Su primer matrimonio y su primer divorcio (Mildred Harris, 1918, 1920) pasó desapercibido. Pero no ocurriría lo mismo en el segundo (1927), con Lita Grey (casada en 1924) que le interpuso un proceso "escandaloso" haciendo de él el blanco de las ligas puritanas. Además, Chaplin debería afrontar las consecuencias del final del cine mudo, que sobrevino cuando su estilo visual había alcanzado la cumbre. Indiferente, incluso hostil, a la técnica, sólo produjo películas habladas con largos períodos de tiempo entre ellas: Luces de la ciudad es una película sonorizada.

Si el matrimonio de Chaplin con Paulette Goddard (1933-1941) gozó de gran discreción, las películas de este período inquietaron al público: Tiempos modernos atacaba el trabajo en cadena, y El gran dictador anunciada abiertamente como panfleto ántihitleriano, le aportó a Chaplin los ataques de los medios aislacionistas. Durante la guerra, intervendría en favor de la apertura del "segundo frente" y, en 1947, sería acusado por la Comisión de Actividades Antiamericanas de simpatizar con el comunismo.

Simultáneamente, la audacia formal creció en sus películas tras sus vacilaciones ante el cine mudo. En este sentido nos referimos menos a la metáfora del rebaño de Tiempos modernos (el adiós de Charlot), que recuerda a Eisenstein como a la iluminación expresiva de Luces de la ciudad y sobre todo a la franqueza con la que, en El gran dictador, Chaplin resolvía su problema central: hacer pronunciar al protagonista un discurso que trascienda el tiempo y el espacio. En 1942, la joven actriz Joan Barry instigó contra Chaplin un escándalo que concluiría en 1948, con la condena del cineasta a tener que pasar una pensión a un hijo que no era suyo. Entre tanto, Chaplin había encontrado una compañera, quizá largo tiempo buscada en la persona de Oona O'Neill, con la que se casó en 1943, a pesar de la oposición de su padre, el dramaturgo Eugene O'Neill. En Monsieur Verdoux, Chaplin retiraba la máscara de Charlot, podríamos decir, y agredía al público componiendo un personaje inspirado de Landrú, obligado a matar mujeres para alimentar su familia, y sin embargo siempre secretamente dispuesto al amor (éste, en los Chaplin de la madurez, tiene como pilar una especie de sensualidad afectuosa de la que encontramos pocos ejemplos en el cine).

El fracaso de Monsieur Verdoux, espléndida fábula satírica que desemboca en el humor negro, era previsible. Más oscura fue la huida de Chaplin y de toda su familia a Europa, tras el estreno privado de Candilejas (Septiembre 1952), la película que volvía a tratar el tema, bastante convencional, del payaso incapaz ya de hacer reír; ¿fue un alegato?. La gira de presentación fue un éxito, pero al otro lado del Atlántico las hostilidades acumuladas contra Chaplin no ceden. Además, Un rey en Nueva York, rodada en Londres en 1956-57, conllevaba, en nombre del pacifismo una condena a los Estados Unidos que se refería sobre todo a la ignorancia y la estupidez del maccartismo entonces en decadencia.

Habiendo encontrado en Europa la tranquilidad, Chaplin redactó sus memorias (My Autobiography, 1964) de poco interés y añadió a su filmografía La condesa de Hong Kong, obra aún hoy poco conocida, su única película en color, en la que se contentó con una aparición (1967). En 1972, aceptó regresar a esa América a la que había jurado no volver a poner los pies para recibir un Oscar especial en medio del entusiasmo general. Ennoblecido por la Reina de Inglaterra (1975), pasó sus últimos años en uno de los más bellos paisajes de Suiza.

El genio de Chaplin hay que buscarlo primero en su oficio original: la pantomima, que enriqueció y refinó casi excesivamente, y después dominó (cf. su doble papel en El gran dictador). A distancia, ella entra en sus películas mudas en composiciones a veces conflictivas con su sentido del espacio todavía demasiado estrecho, pero pronto más sutil que el de Mack Sennett (relación entre los gestos de personajes diferentes, elección de ángulos, cambios de escala).

Después la filosofía de Charlot, vagabundo famélico, a menudo víctima, a menudo sentimental pero en ningún caso simple, y ligeramente sádico en ciertos momentos, ha sido indebidamente elevada al rango de un humanismo universal (lo que no significa, en absoluto, que la reflexión sobre la condición humana esté ausente). Sus límites están indicados por el famoso gag de Tiempos modernos en donde el "hombrecillo" se encuentra a la cabeza de una manifestación... porque agita el trapo rojo de una interrupción de tráfico. Hoy, tras un eclipse debido a la política malthusiana del mismo Chaplin en cuanto a una nueva aparición de sus películas, al redescubrimiento de Buster Keaton, a la debilidad de los comentarios vacíos que añadió a algunas de sus obras (sobre todo La quimera del oro) y a la cursilería intrínseca de Candilejas, la reedición integral de los largometrajes nos ha recordado la verdadera grandeza, no exenta de amargura pero a menudo dotada de hermosa generosidad, que sigue siendo la de Chaplin.

Curiosidades sobre el actor

- Charles Chaplin fue la persona más conocida del mundo desde 1917 hasta mediados de los años treinta. Este dicho está avalado por dos hechos: la rápida difusión del cinematógrafo en las décadas de los años veinte y treinta y también en el viaje que realizó por países de todo el mundo, donde era recibido por grandes multitudes.

- En castellano, ha quedado la palabra «charlotada» para reflejar una acción grotesca o ridícula y una corrida de toros de tono cómico. Su nombre proviene del torero cómico Carmelo Tusquellas, apodado Charlot porque su traje y estilo evocaban el de Chaplin.

- Se dice que el humor que muestra Chaplin en sus películas es «universal». Para comprobar esto, a finales de los años 90 se realizó un experimento, consistente en proyectar varios de los cortos de Chaplin a distinto público, de distintas culturas, que nunca antes habían visto a Chaplin y, en muchos casos, ni siquiera habían tenido la oportunidad de ver televisión y cine. El experimento dio resultados concluyentes: aunque había culturas donde no entendían lo que veían (no eran capaces de entender las construcciones, vehículos, ropa, protocolos sociales, etc, de la Norteamérica de principios del siglo XX), sí que se divertían y reían con las persecuciones, caídas, tartazos, trucos, timos, etc. protagonizados por Chaplin.

- Como curiosidad cabe destacar que una vez participó en un concurso de imitadores de Charles Chaplin pero no alcanzó ni las finales, aunque leyendas urbanas dicen que quedó tercero o segundo.

- El prestigioso director italiano Pier Paolo Pasolini era admirador de Chaplin y de sus películas. En su película Los cuentos de Canterbury, el personaje de Ninetto Davoli es una especie de recreación del personaje de Chaplin. Una de las hijas de Chaplin, Josephine Chaplin también trabajó en la película, felicitando a Davoli por su excelente homenaje a su padre.

Termino este simbólico homenaje al hombre que cambió la forma de apreciar cine, con una de sus más celebradas frases:

"Algo hay tan evidente como la muerte y es la vida."

Fuente:
Cineguía

El Oso Yogi

2008-09-09T16:08:00.004-05:00

La primera vez que el Oso Yogi (Yogi Bear) apareció fue en 1958 como un personaje secundario en el programa El show de Huckleberry Hound. Debido a la popularidad que obtuvo, hacia el año de 1961 apareció en su propio programa, el cual también incluía segmentos del León Melquíades y Yakky Doodle. Incluso también participó en un musical animado titulado Hey There, It's Yogi Bear! (¡Oigan!, ¡es el oso Yogi!) que se estrenó en 1964.. Este personaje nacido de las canteras de imaginación , arte y diseño de Hanna- Barbera Productions, se supo ganar desde su inicio al publico infantil y al adulto.

Gracias a Yogi, los excursionistas ya no suelen descuidar sus cestas de comida, porque el oso más listo del parque Yellowstone enseguida aprovecha cualquier ocasión para llenarse el estómago gracias a los visitantes. Yogi vive con su buen amigo el oso Bubu (Boo Boo)en el parque nacional más famoso de Estados Unidos, bajo la atenta vigilancia del agente Smith. Yogi se define a si mismo como "el oso más marchoso del lugar" y su risa contagiosa se ha convertido desde que debutó en la tele a mediados de los 60 en su mejor tarjeta de presentación. Yogi representa como nadie el espíritu libre y burlón de los cartoons clásicos, no sólo por sus ingeniosas ideas a la hora de conseguir comida, sino también por su peculiar forma de expresarse, hablando siempre a través de ingeniosos pareados. Para él, la amistad y la libertad son lo más importante de la vida, claro, siempre que no haya una deliciosa tarta por medio...

Personajes

Yogi

Yogi no es un oso conformista, es un optimista y tiene una habilidad especial para robar las canastas de picnic de los visitantes del Parque de Jellystone, donde él vive. Yogi tiene un corazón de oro. Junto con su fiel compinche, Boo Boo, usa su alegre persuasión para dificultarle la vida al Guardabosques.Yogi se le reconoce por las frases, "Hey-Hey-Hey"y "Yo soy más listo que un oso común".

Boo Boo

Boo Boo es el fiel compinche de Yogi, que siempre está dispuesto a participar en sus hazañas y sus planes para robar la próxima canasta con cosas ricas a los desprevenidos visitantes de Jellystone. A diferencia de Yogi, a Boo Boo le gusta obedecer las normas del Guardabosque, pero está muy ocupado ayudando a Yogi a escapar de sus dificultades!Sus frases típicas son, "No creo que al guardabosques le vaya ha gustar." y "Uh-oh, Yogi, aqui viene el guardabosques."

El Guardabosques Smith

El Guardabosques intenta imponer las "normas" que Yogi tan descaradamente ignora. Su misión principal es mantener la calma (y la comida) en Jellystone.Experimenta la frustración ante la interminable cadena de atracos de canastas de picnic perpetrados por Yogi! Y a pesar de que parece admirar el espíritu libre de Yogi, su función de guardabosques requiere que reprima su admiración en favor de perseguirlo por su falta de cooperación y por ser un miembro ingobernable de la comunidad del bosque.Los disgustos del Guardabosques se expresan en su frase mas común: "¡Caramba, ese Yogi lo hizo otra vez!"

Curiosidades

Como la mayoría de los personajes creados por Hanna-Barbera, la peculiaridad y personalidad de Yogi fueron basadas en una celebridad popular de aquellos tiempos. Art Carney, personaje de la serie The Honeymooners, fue la inspiración para Yogi. Incluso, el nombre de "Yogi" fue inspirado en el nombre del beisbolista Yogi Berra.

La mayoría de los capítulos de las series en las que aparerece Yogi se centran en el Jellystone Park, una imitación en caricatura del famoso Parque Nacional de Yellowstone, en Estados Unidos. Yogi, acompañado de su mejor amigo Boo-Boo, protagonizan la mayoría de las veces tratando de robar cestas de comida de los visitantes del parque. En ocasiones, la novia de Yogi, Cindy, aparece dentro de la caricatura desaprobando las acciones cometidas por el oso.

La relación de Yogi con Boo-Boo puede ser comparada con la relación de Don Quijote y Sancho Panza, al ser dos buenos amigos, aventurescos y curiosos, además de que comparten la característica de un líder y un seguidor. Es común escuchar la frase ¡Hey Boo-Boo!, dicha por Yogi cuando quiere hablarle a su amigo.

Las transmisiones de los capítulos del Oso Yogi se efectúan actualmente por el canal de televisión Boomerang. Los derechos de transmisión y de marca registrada de las series y del personaje en sí fueron propiedad en un principio de Hanna-Barbera Productions. Actualmente, Cartoon Network Studios es quien posee los derechos de dicho personaje después de que ésta compañía adquiriera Hanna-Barbera Productions en 2001.

El Fugitivo Richard Kimble

2008-08-12T10:49:00.005-05:00

El Fugitivo (The Fugitive) es una serie de televisión estadounidense que fue ideada por Roy Huggins y emitida entre los años 1963 y 1967, en cuatro temporadas de treinta capítulos cada una. Fue una de la series más populares en todo el mundo, convirtiendose su protagonista David Jansen en una estrella conocida en todo el mundo gracias a su personaje de Richard Kimble. En aquel momento existía una auténtica "fiebre" por los telefilms en general y por el "El Fugitivo" en particular. No fue un echo aislado ya que de esta serie se grabaron 120 capítulos y su protagonista quedó marcado por el resto de sus días como "el doctor Kimble" en su lucha desesperada por encontrar "al manco" de marras.

"La Ley lo determinó así" responde el policía Philip Gerard cuando le preguntan si cree que el fugitivo es culpable; y esa sola convicción, que no es personal sino sistemática y universal, lo impulsa a seguir persiguiendo al ex - convicto hasta el final.

El Dr. Richard Kimble (David Janssen), que de él se trata, fue acusado, juzgado, encarcelado y sentenciado a muerte por un crimen que no cometió: el asesinato de su esposa. Cuando el inspector Gerard (Barry Morse) llevaba a Kimble para ser ejecutado, el tren que lo transportaba descarriló, y el médico logró escapar.

Con la ayuda del destino, este educado pediatra de pueblo se convierte en un maestro del escape, tan hábil para escurrirse de las más diversas trampas como el mago Houdini. Por las siguientes cuatro exitosas temporadas, mientras Gerard lo persigue, Kimble busca al hombre manco que supuestamente asesinó a su mujer.

Con un estilo único en su género, El fugitivo resolvía y renovaba el suspenso a medida que transcurrían los episodios. El capítulo final de este programa, el cual duró dos horas, donde tras años de búsqueda el Dr. Kimble se enteraba que "El Manco" era detenido en una jefatura de policía de Los Ángeles, pero conseguía huirantes de confesar que él fue quién mató a la mujer del fugitivo. Finalmente atrapa al manco. Este episodio fue visto por más gente que cualquier capítulo de otra serie en la historia de la televisión hasta ese momento.

La historia original del prófugo más famoso, que fue llevada al cine en la década del '90 (1993) con Harrison Ford y Tommy Lee Jones en los roles principales.

Reparto
David Janssen
Dr. Richard Kimble
William Conrad
Narrador
Barry Morse
Teniente Philip Gerard
Bill Raisch
Fred Johnson "El Manco"

Ficha técnica

Productores

Quinn Martin / Wilton Schiller / Arthur Weiss / William D. Gordon

Creador

Roy Huggins

Directores

Barry Morse / Lewis Allen / Alexander Singer / William A. Graham

Guionistas

Harry Kronman /Roy Huggins /Philip Saltzman /George Eckstein

Tin tán: Un astro de la comicidad

2008-07-22T10:33:00.005-05:00

Nacido en México D.F., el 19 de Septiembre de 1915, Germán Genaro Cipriano Valdés Castillo (tal su nombre completo), fue el segundo hijo de una familia numerosa, constituída por nueve hermanos, entre ellos Manuel "Loco" Valdés y Ramón, conocido popularmente, casi se diría en el Mundo entero, por su personaje de "Don Ramón", del sketch "El Chavo del 8", del programa "Chespirito". De su madre, Guadalupe Castillo, heredó la chispa y gracia natural, siempre de buen humor.

En 1927 su familia se mudó a Ciudad Juárez, Chihuahua, casi en la frontera con los Estados Unidos. Allí Germán se hizo amigo de unos muchachos del vecindario que hablaban "spanglish" y que se vestían de manera estrafalaria. Todo esto se convirtió en una característica de su espectáculo. Ahí nació su sobrenombre de "Pachuco", con lo era conocido entre sus más allegados.

En 1934, su padre, Rafael Gómez Valdés Angelín, le habló a su hermano Pedro Meneses, dueño de la emisora radial XEJ, para conseguirle un trabajo al joven Germán. En este ámbito comenzó desempeñándose como cadete de mandados varios, hasta que un día, arreglando un micrófono dañado, comenzó a probarlo sin saber que estaba saliendo al aire, haciendo imitaciones, una de las cuales fue de Agustín Lara. El Sr. Meneses lo promovió a locutor.

En 1937 se casó con Magdalena Martínez, con quien tuvo dos hijos. Al año siguiente Meneses creó un personaje llamado "Topillo Tapas", para representar a un mexicano que vive en los Estados Unidos. El intérprete seleccionado para esta creación fue el propio Germán.

En una oportunidad llegó a esta emisora radial una compañía teatral de varieté, con actos de ventriloquía, cuyo líder era Paco Miller (Jorge Maulmer). Este artista, advirtiendo que existía ya una pareja de humoristas llamados Planillas y Topillos, le sugirió a Germán que cambiara de nombre, y le preguntó que le parecía el nombre de "Tin Tán". A Germán no le agradó en un principio, pero prontamente todos lo estaban llamando de ese modo, así que terminó aceptándolo de buen grado.

Poco después, Tin Tán tuvo su programa propio, llamado "Bocadillos de Buen Humor", y más adelante, a raíz del éxito de este espacio, fue contratado para trabajar en "El Patio", uno de los centros nocturnos más importantes del Distrito Federal durante los años '40. Ahí su espectáculo fue visto por René Cardona, director de cine que acto seguido lo invitó a participar en la película "Hotel de Verano" (1943), donde solo tiene una intervención musical y un diálogo de "pachucos". Esto le abrió las puertas a una larga trayectorio en el cine.

Su primer protagónico llegó con "El Hijo Desobediente" (1945), de Humberto Landero; del mismo director, vinieron también "Con la Música por Dentro" (1946), "El Niño Perdido" (1947) y "Músico, Poeta y Loco" (1947). Por aquella época se asoció con Carlos Salazar y Antonio Fuentes, con quienes fundó la empresa "Tin-Tán Films S.R.L."

Debido a las giras y las largas jornadas de filmación, su relación matrimonial se deterioró. En una de estas giras Germán conoció a una bailarina llamada Micaela Vargas (Micky, la Pachuca), con quien se casó en 1948, tras el divorcio de su primera esposa. Con Micaela tendría dos hijos.

En 1948 se inició su asociación con el talentoso director Gilberto Martínez Solares, con el filme "Calabacitas Tiernas", en la que también hace una breve aparición su hermano Ramón Valdés. Martínez Solares fue quien llevó al máximo el estilo humorístico de Tin Tán, con joyas como "Soy Charro de Levita" (1949), "No me Defiendas Compadre" (1949), "Simbad el Mareado" (1950) y "El Rey del Barrio" (1950). Germán filmó también otros directores, como Ismael Rodríguez, Rafael Baledón, José González Prieto, Chano Urueta y René Cardona, dando a luz títulos como "Mátenme, porque me muero" (1951), "Isla de Mujeres" (1952), "Cuando las Mujeres Mandan" (1950), "Mi Campeón" (1951), "También de Dolor se Canta" (1951), cinta esta última en la que compartió cartel con el inmortal Pedro Infante.

Sus películas fueron un suceso en toda Latinoamérica. Las mujeres comenzaron a asediarlo y Tin-Tán comenzó a "faltar" de casa bastante seguido, lo que motivó su segunda separación. En 1953, junto a su socio Marcelo, inauguró un centro nocturno en el Distrito Federal, llamado "El Satélite", donde también actuó y llevó a cabo rutinas musicales y humorísticas.

En 1956 Germán volvió a casarse, por tercera y última vez, con Rosalía Julián (cuya hermana se casó con "Don Ramón"). Tin-Tán tuvo dos hijos más (en total fueron seis). Tras giras por todo el país, el actor volvió la pantalla, con títulos como "Los Tres Mosqueteros y Medio", "Teatro del Crimen", "Escuela para Suegras", "El Campeón Ciclista", "Refifí entre las Mujeres" (todas de 1956).

Sin embargo su estrella no tuvo límites, siendo invitado a trabajar en coproducciones, tales como "Loco Por Ellas" (1956), con Venezuela; "Gregorio y su Ángel" (1966), con Estados Unidos. También proporcionó la voz en español a varios largometrajes de dibujos animados de Walt Disney, como "The Adventures of Ichabod and Mr. Toad" (1949); "The Jungle Book" (El Libro de la Jungla-1967), donde encarnó al Oso Balú; "The Aristocats" (Los Aristogatos-1970), dando voz al Gato O'Malley.

A principios de los años '70 aceptó papeles secundarios, trabajando así en la serie de películas de Chanoc, del Profesor Zovek y del luchador Blue Demon, con quien compartió cartel en "Noche de Muerte" (1973), que fue su última película. A comienzos del 73 padeció una fuerte hepatitis, que derivó en un cáncer estomacal. Debido a un coma hepático, falleció el 29 de junio de ese año en la ciudad de México D.F.

Al morir no dejó fortuna, solo un testamento en el cual cobijaba a su esposa Rosalía y sus hijos Rosalía y Carlos que en ese entonces eran menores de edad.

Su carrera dejó más de 100 películas, 11 discos, dos cortometrajes, dos doblajes para Walt Disney y ningún pemio que le hiciera el reconocimiento a tantos años de dedicación al arte, solo recibió la Medalla Virginia Fábregas por 25 años de actividad profesional otorgada por la Asociación de Actores de México.

Fuentes

"Tin-Tán en Cine Confidencial" (1999) de Edmundo Pérez

"Ni Muy Muy Ni Tan Tan, Simplemente Tin-Tán" de Rosalía Julián

http://www.yomarnathalia.com/

Starsky & Hutch

2008-07-05T15:48:00.005-05:00

Durante los setentas nacieron series policiales en donde las persecuciones en auto, la velocidad, el crimen era lo que vendía más en la televisión norteamericana. La serie que recordaremos en este tunel del tiempo imaginario es una de las más emblemáticas de su género.

Starsky y Hutch (en inglés: Starsky and Hutch) es una serie de televisión estadounidense de los años 1970 que consiste en 92 episodios regulares de 48 minutos y un episodio piloto de 90 minutos de duración, creada por William Blinn y equipo entre el 30 de abril de 1975 y el 15 de mayo de 1979 en la cadena ABC. Fue dirigida por Jack Starrett (bajo el nombre de Claude Ennis Starrett Jr.), quien luego dirigió Los Dukes de Hazzard (1979), una serie de alguna forma similar.

Los protagonistas eran dos policías californianos, el moreno y fornido David Starsky y el rubio Kenneth "Hutch" Hutchinson siendo un tipo de policía más intelectual. Eran conocidos por manejar un veloz y distintivo Ford Torino, pintado de rojo con una larga franja blanca, generalmente conducido por Starsky. Su jefe era el capitán Harold Dobey y su contacto en el "bajo mundo" era Huggy Bear.

En 1977, una preocupación creciente acerca de la violencia en televisión obligó a los escritores a que cortaran escenas de acción a cambio de desarrollos más románticos. Esto contribuyó a que cayera la popularidad de la serie, que dos años después sería cancelada.

Como dato anecdótico el Ford Torino rojo que conducían Starsky y Hutch hizo furor en el mundo levantando una multitud de imitadores que pintaron sus coches igual que el de la serie.

Un cuarto de siglo después de que dejara la televisión, la serie fue la inspiración para la película Starsky & Hutch, realizada en 2004 y protagonizada por Ben Stiller y Owen Wilson.

Reparto:

Paul Michael Glaser: Detective David Michael Starsky
David Soul: Detective Kenneth Hutchinson
Bernie Hamilton: Capitán Harold Dobey
Antonio Fargas: Huggy Bear

Ficha técnica:

País: Estados Unidos
Año: 1975-1979
Género: Acción
Idea original: William Blinn
Producción ejecutiva: Aaron Spelling, Leonard Goldberg
Dirección: Jack Starrett

Duración: 50 minutos.

Producción: ABC

La Pantera Rosa (The Pink panther)

2008-06-24T19:27:00.005-05:00

El nacimiento de la pantera rosa fue casi una casualidad. En la película original titulada La pantera rosa de Blake Edwards, la pantera rosa, en realidad, era un diamante de gran valor y, por extensión, un ladrón de guante blanco que había logrado sustraerlo. Como personaje animado, la propia pantera rosa nace en esa primera película, cuando se recurrió a una animación para ilustrar el título y los créditos iniciales y finales de la película. Edwards encargó al prestigioso animador Friz Freleng (el creador de Bugs Bunny) que crease un dibujo animado y sólo le pidió tres cosas: que resultara graciosa, que fuese de color rosa y que fuese muda.

La pantera rosa se puede definir como un gentleman (caballero con clase) británico, elegante hasta en el último de sus gestos. Es una pantera antropomórfica bastante metódica y muda (aunque en 2 episodios habla), con una capacidad intelectual muy elevada y con un genio bastante alegre y simpático; su aspecto físico es delgado con la situación de que es de color rosa y muda, se mete en algún lío o simplemente realiza tareas bastante comunes pero con un toque cómico singular, lo cual haría recordar por un momento un singular pero poco denotado parecido muy especial al gran maestro de la cinematografía sir Charles Chaplin y al personaje Charlot.

El capítulo piloto titulado The Pink Phink, exhibido en las salas, aún en 1963, ganó el Oscar al Mejor cortometraje de animación en la ceremonia del año siguiente, celebrada en abril de 1964. En principo, no se concibió como una serie, sino que eran cortos destinados a las salas cinematográficas producidos por Mirisch-Geoffrey Productions, DePatie-Freleng Studios y United Artists, creados por los mismos responsables de los créditos de la película original de Edwards: los animadores Friz Freleng (productor de áquellos y diseñador del personaje) y Hawley Pratt (director de los mismos).

A raíz del éxito de los cortos, éstos también fueron difundidos por televisión, dando lugar a una serie de animación. Se trató de lo que se conoce como una serie en sindicación. Estas series son aquellas cuyos derechos han sido adquiridos conjuntamente por una red de emisoras independientes entre ellas, por lo general, pequeñas (aunque, también, puede estar presente, además, una gran cadena). Es una forma de abaratar costos, sin asociarse, los precios son prohibitivos para las pequeñas cadenas.

Dibujos animados creados

La pantera rosa (Pink Panther, 1964). El piloto de la serie The Pink Phink ganó el Oscar.
La pantera rosa (The pink panter show, 1969) de NBC. Aunque la serie dejó de emitirse en 1971, en 1998 (casi tres décadas después) se emitió un especial navideño titulado A Pink Christmas.
La pantera rosa (Pink Panther) Emitidos en ABC entre 1978 y 1979 (en total 36 capítulos).
La pantera rosa. En 1982 se estrenó una nueva serie (en total 32 nuevos episodios) en que los que la pantera rosa ¡habla!, con lo que personaje queda desvirtuado. Le ponen una voz masculina (en el original Matt Frewer), porque el personaje de la pantera rosa se supone que es masculino. Esto se debe a que la palabra panther en inglés carece de la denotación de género que tiene en español.
La pantera rosa y sus hijos (The pink panther and sons, 1984). Spin-off. La descendencia de la pantera rosa la componen tres hijos.
En 1988, Fritz Freleng creó 25 nuevos cortometrajes de La pantera rosa para celebrar sus bodas de plata.
El nuevo show de la pantera rosa (The new show of pink panther) de 1993.

Curiosidades

1) La pantera rosa (el dibujo) cuenta con su propia estrella en las que están impresas sus huellas en el Boulevard de la fama de Hollywood, frente al Teatro Chino. (La estrella le fue concedida en 1999).
2) La cadena Cartoon Network se hizo en 1997 de los derechos de varias de las series y, desde entonces, las está reponiendo, tanto en Estados Unidos, como en otros países en los que tiene presencia.
3) Todos los capítulos de la pantera rosa, contienen la palabra "rosa".

4) Las películas que se hicieron sobre la Pantera Rosa original (piedra preciosa) fueron en total 11 y 8 productores diferentes.

5) Existen juegos de video y juguetes relacionados con el dibujo animado.

6) La música de las películas y de la serie fue compuesta por el famoso músico Henry Mancini.

Simon: El Juego de la memoria

2008-06-13T15:28:00.004-05:00

Quién no se acuerda aquel jueguito que fue todo un suceso en el Perú y en el mundo, llamado Simon? Se vendieron millones de estos en todo el mundo. Era un juego electrónico para desarrollar la memoria desde temprana edad.

Simon es un juego electrónico creado por Milton Bradley en 1978. Tuvo un gran éxito durante los 80. Tiene forma de disco, en una de sus caras se puede ver cuatro cuadrantes, cada uno con un color: verde, rojo, azul y amarillo en su versión original. Su nombre se debe por el conocido juego tradicional del mismo nombre: "Simón dice", de donde se inspira.

El juego de forma aleatoria va iluminando los cuadrantes de colores, y a la vez que se ilumina cada cuadrante emite un sonido propio. Después de esperar, el usuario debe ir introduciendo la secuencia mostrada en el orden correcto, ayudándose de su memoria visual y sonora. Si lo consigue, éste responderá con una secuencia más larga, y así sucesivamente. Si falla, el usuario debe volver a empezar. Los distintos niveles de dificultad van aumentando la velocidad de la secuencia a repetir.

Disfrutaba yo, un día ver jugar a mis primos. Me invitaron a participar de la ronda y desde ahí quedé enganchado al juego. Nunca lo llegué a adquirir pero felizmente en donde iba encontraba uno de esos y me ponía a jugar.

Más de dos décadas después han salido distintas versiones actualizando la electrónica del aparato, con más o mejores efectos visuales y sonoros o añadiendo más colores y sonidos de los cuatro originales.

Los Locos Addams: Una familia peculiar

2008-06-07T11:04:00.009-05:00

Así empezaba la serie: "La nieta, el tío y la abuela, el padre de alta cuna, la bella madre de una familia muy normal. Si van a visitarla no esperen una fiesta así verán a esta familia tan normal. ¡Qué hermosura! ¡Qué dulzura! ¡Qué locura! Si quieren divertirse que al cabo no les cuesta aquí es la casa de esta familia muy normal."

The Addams Family fue una serie de televisión estadounidense conocida en España como La familia Addams y en Hispanoamérica como Los locos Addams.

Esta serie fue creada en 1937 por el dibujante Charles Addams como una tira cómica para el periódico The New Yorker. Sin embargo, en la tira no se especificaba el nombre de la familia ni de ninguno de los personajes. El éxito de esta tira hizo que en 1964 se comenzara a transmitir la serie de televisión por la cadena ABC, titulada "Los Locos Addams", con la dirección de Stanley Z. Cherry y Arthur Hiller. La serie constó de 64 capítulos con 25 min de duración, terminando en 1966. En esta serie participaron los actores John Astin, Carolyn Jones, Jackie Coogan, Ted Cassidy, Blossom Rock y los niños Ken Weatherwax y Lisa Loring.

Esta serie se sitúa en el género comedia, tuvo en emisión solo 2 años 1966-68 y constó de 64 episodios muy bien realizados en blanco y negro. En Perú la veíamos por Panamericana televisión Canal 5.

En principio se nos presentan como una familia tipo: mamá, papá, el nene y la nena; claro la cosa se complica un poquito si a estos 4 integrantes se le agregan 2 tíos, una abuela un mayordomo y un... mmm, este... ¿Cómo decirlo? Una mano con vida propia. Pero todo esto para ellos no es problema, su residencia esta abierta para todo aquel que se anime a entrar.

La familia Addams vive en un gran castillo acompañados por el mencionado tío Lucas, el hermano de Homero, quien tiene como pasatiempos (entre otros) encender una lamparita eléctrica en su boca; otro de los integrantes es Largo (el mayordomo) quien además de cumplir con sus tareas es un excelente pianista. También es muy importante Dedos, la mano encargada de ayudar en todo lo que sus miembros le permitan hacer.

Ocasionalmente viven en el castillo: la abuela de los chicos, que no es mas que la madre de Morticia y es la encargada de realizar ciertos brebajes que terminan siempre causando algún problema y el otro personaje que suele aparecer es el tío Cosa, un tipo petiso cubierto de un largo cabello que le llega hasta el piso.

Los roles de la creación de Charles Addams quedaron a cargo de John Astin como Gomez Addams (en Latinoamérica rebautizado como Homero), Carolyn Jones como Morticia Frump Addams (Morticia), Jackie Coogan como Uncle Fester (el tío Lucas), Tedd Cassidy como Lurch y Thing (Largo y Dedos), Blossom Rock como Grandmama Addams (la abuela ), Lisa Loring como Wednesday Friday Addams (Merlina), Ken Weathervax como Pugsley Addams (Pericles) y Felix Silla como Cousin Itt (el tío Cosa).

El productor ejecutivo fue David Levy, el productor Nat Perrin, el director de fotografia fue Arch R. Dalzell, el director artistico Edward Llou y la famosa música estuvo a cargo de Vic Mizzy. Los guiones y la dirección se fueron alternando entre varias personas.

The Addams Family fue levantada en el año '66 y el éxito que cosecho fue muy bien aprovechado por los estudios Hanna-Barbera que rescató a los personajes y los convirtió en dibujitos animados, haciéndolos compartir el escenario con otras creaciones de la casa, hasta que en el año 1973 consiguen programa propio.

En 1977 se realizó un especial de Halloween en el que se mostraban a los niños crecidos y con hijos y a los adultos ya más mayores. Aunque se utilizó el mismo reparto de la serie original (excepto la abuela), la audiencia fue un fracaso. En 1991 se estrenó la primera película, The Addams Family; en 1993 la segunda parte, Addams Family Values; y la tercera, Addams Family Reunion, en 1998.

Y en 1998 se estrenan "Los Nuevos Locos Addams", con actores distintos a la primera serie de "acción real" (hay que recordar que habían pasado 34 años desde la serie original).

Curiosidades

Carolyn Jones, actriz norteamericana que interpretaba a Morticia Addams murió a los 53 años de edad el 3 de agosto de 1983, víctima de un cáncer al colon.

John Astin, Homero en la serie es actor y director, actualmente tiene 78 años de edad y sigue trabajando.

Lurch y Thing, Largo y dedos son los personajes que le dan el toque gracioso a la serie. Largo, el mayordomo, Ted Cassidy fue desde pequeño el blanco de las bromas de los niños debido a su altura (2 metros 10). Su papel sin maquillaje más notorio fue el de el villano Harvey Logan en Butch cassidy y Sundance Kid (1969). Falleció en 1979 durante una operación al corazón.

El Aventurero Indiana Jones

2008-05-28T08:57:00.008-05:00

Indiana Jones (cuyo nombre completo es Henry Walton Jones Junior) es un personaje ficticio creado por George Lucas. El personaje es el protagonista de su propia serie de películas de aventuras, integrada por las películas:

Raiders of the Lost Ark "Los Cazadores del Arca Perdida" de 1981.

Indiana Jones and the Temple of Doom "Indiana Jones y el templo de la perdición" de 1984.

Indiana Jones and the Last Crusade "Indiana Jones y la última cruzada" de 1989.

Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull "Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal" de 2008.

También conocido como Indy, Indiana Jones es un profesor y un arqueólogo destinado a encontrar reliquias, que tienen un importante valor histórico para la humanidad. En cada una de sus aventuras, generalmente se enfrenta a rivales que buscan la misma reliquia que él, para utilizarla con otras finalidades. De acuerdo con los argumentos de la serie cinematográfica, Indiana fue el descubridor del Arca de la Alianza y el Santo Grial. Sus historias inspiraron para que años más tarde se creara el personaje de Lara Croft en Tomb Raider, también con un éxito descontado.

En 1973, George Lucas decidió crear 2 series de películas basadas en los seriales de los años 1930 y 1940. Ese mismo año, escribió un argumento denominado Las aventuras de Indiana Smith, acerca de un arqueólogo que se ve envuelto en numerosos peligros al buscar reliquias históricas. El segundo argumento fue titulado Star Wars y estaría enfocado en aventuras espaciales. El primer concepto fue examinado por el guionista Philip Kaufman, quien concibió al Arca de la Alianza como el principal elemento argumental de la primera película acerca del aventurero Indiana Smith. Sin embargo, el proyecto decayó cuando Clint Eastwood contrató a Kaufman para dirigir The Outlaw Josey Wales, postergando su ejecución y se dió prioridad al proyecto espacial, siendo mas tarde un éxito sin precedentes.

Curiosidades

Al principio, Lucas pensó en un arqueólogo conocido como Indiana Smith ('Indiana' por el nombre de su pastor alemán y 'Smith' por ser un apellido popular en Estados Unidos). A sugerencia de Spielberg, el apodo cambió a Indiana Jones. Sin embargo, su nombre real fue dado a conocer en la tercera película del personaje, donde Lucas incorporó por primera vez al padre de Indiana, llamado Henry Jones. Debido a lo anterior, Indiana sería sólo el apodo para Henry Walton Jones Junior.

En lo referente a sus rasgos físicos y personalidad, estos aspectos fueron basados en personajes alternativos del cine de aventuras, e interpretados por actores como Errol Flynn y Charlton Heston. También es notoria la influencia directa del personaje Fred C. Dobbs. En cuanto a la indumentaria de Indiana Jones, ésta fue diseñada por el dibujante de historietas Jim Steranko.

Tras realizar una serie de audiciones con tal de encontrar al actor que interpretaría a Indiana Jones, Lucas y Spielberg originalmente optaron por Tom Selleck. A pesar de ello, Selleck tuvo que rechazar el personaje debido a su participación en la serie de televisión Magnum P.I.. Desesperado por el plazo de rodaje de la película, Spielberg propuso finalmente a Harrison Ford —actor previamente elegido por Lucas, para interpretar el personaje de Han Solo en Star Wars.

Raiders of the Lost Ark fue estrenada a mediados de 1981 y nominada a 8 Premios Oscar, entre ellos el de mejor película, seguida por las adaptaciones de 1984, 1989 y 2008.

Como es una constante en las películas de ficción se cometen una serie de incongruencias al escuchar el guión, pueblos, ciudades, historia casi siempre no tienen relación. Se basan parcialmente en algunos datos históricos que al mezclarlos con el guión original no se acercan paranada con la realidad. Tal es el caso de la última película, "Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal" donde supuestamente se realiza en el Perú. En una parte del guión se habla de Pancho Villa, cuando este personaje como sabemos pertenece a la historia de México y no hablaba más que castellano y ni hablar del quechua. Otra incongruencia es presentar a las líneas de Nazca en el Cuzco y no en Nazca. Por otra parte los rusos jamás han invadido ni colonizado el Perú, como aparece en el film.

Existe una abismal diferencia en el costo de la producción de la primera película y la última. Para Raiders of the Lost Ark de 1981 se invirtieron $20.000.000, a diferencia de The Kingdom of the Crystal Skull de 2008 con $185.000.000 de inversión total.

Se han hecho historietas y comics, novelas, productos, muñecos e indimentaria que arrojan año tras año grandes cantidades de dinero. Video juegos, canciones inspiradas en el héroe de sombrero, etc. Existe una gran legión de gente que gusta de estas aventura y sigue con atención a su héroe Indiana Jones.

La Princesa Caballero

2008-05-16T20:19:00.005-05:00

Existen muchas historias hoy, en películas , series o telenovelas, donde el personaje principal trata de aparentar ser del otro sexo. Esta temática ha dado mucho éxito en todos los aspectos. Muchos años atrás, cuando esto no era tan común se crea un dibujo animado, para ser mas específico un anime japonés inspirado en un manga de 1953 muy leído. Mas aún si analizamos bien a la historieta original, es decir el manga, donde se contempla el homosexualismo por vez primera en un comic de manera subliminal según algunos expertos.

Nos referimos a la Princesa Caballero (Ribbon no kishi en japonés y Princess Knight en inglés) que se realizara en 1967 y que constara de un total de 52 episodios. El creador fue Osamu Tezuka para la compañía Mushi Productions, y la música compuesta por Isao Tomita. La dirección corría a cargo de Chikao Katsui y el guión por Maski Tsuji.

La Princesa Caballero fue una serie, a color y bellamente diseñada, acerca de una princesa en un 'reino de relato de hadas', quien pretende ser un hombre por razones políticas. La serie fue ambientada en una época medieval. En esta serie todos los 'buenos' tienen nombres de metales y piedras preciosas, mientras que los 'villanos' tienen nombres de aleaciones baratas o productos sintéticos. Fue traducida al español en México y Argentina, puesta al aire en España en los 80's. Con menos difusión en U.S.A., fue puesta por al aire (localmente) en Minneapolis (KSTP-TV, canal 5) en 1.978, y nuevamente en 1.982-1983. También en Hawaii (KGMB, canal 9), con el nombre 'Checkers & Pogo'. En Venezuela fue puesta al aire por RCTV en la década del 70. Igualmente emitido en Perú por canal 5 Panamericana Televisión por las tardes a finales de los setentas.

La historia se trataba de una princesita que antes de nacer recibe dos corazones (uno masculino y otro femenino) por causa de la travesura de un ángel, el cual es castigado y es enviado a la Tierra para corregir su error. La historia comienza realmente cuando, después de algunos años el ángel con apariencia de duende encuentra a la chica y trata de convencerla en devolver el corazón que le dió. Al nacer su situación es ya de por sí complicada: en el reino rige la ley sálica por lo que el rey hace pasar a su bebita por varón para evitar que nobles inescrupulosos tomen el poder. La princesa crece vistíendose como hombre, pero al llegar a la adolescencia conoce al príncipe de un reino vecino y se enamora de él. Ella y el príncipe deberán luchar contra los malvados que les quieren arrebatar el poder y, después de luchas y desventuras los derrotan y consiguen casarse.

Esta princesa de nombre Zafiro, efectivamente esta disfrazada de hombre porque es la unigénita hija del rey y la reina de Valle Plateado. Lo mas raro es que aparentemente al principio Zafiro no sabe que es mujer ya que fue criada como hombre. Como esto no es bien visto a los ojos de Dios, El le manda a Zafiro un ángel de la guarda que se llama Cachito (en español) y este angelito que habla con los animales y plantas y que parece un duende, debe guiar a Zafiro para convertirla en la niña que es. Los enemigos de Zafiro son su tío el Duque Duro Aluminio y el secuaz de este el Conde Nylon. El hijo de Aluminio es Plástico el cual es un niño tonto y primo de Zafiro. Plástico la verdad no es malo es tan tonto que ni sabe que su papa quiere que el sea el heredero del trono de Valle Plateado por ser el varón. La trama se basa en que sus enemigos tratan de desenmascarar a Zafiro frente a todos es decir hacerles saber que es una niña y no un niño como todos lo creen.

Un aspecto importante es también la relación de Zafiro con el príncipe del pueblo vecino de Valle Dorado, el príncipe Franz del que Zafiro se enamora pero al que no puede revelarle su verdadero sexo por cuestiones de seguridad. Como sea Franz sospecha muchas cosas y al final si lo quieres saber ellos dos se hacen novios. Todo esto hace de la Princesa Caballero un anime único ya que no he visto y no se de otro parecido. La única cosa que le puedo reprochar a este anime es su "machismo" ya que ponen a las mujeres como seres débiles que solo deben saber cocinar, limpiar y vestirse bonito y en eso se basan para convertir a Zafiro en una niña. Zafiro por supuesto demuestra lo contrario ya que es una joven muy audaz y valiente que derrota a cualquier enemigo que se le ponga enfrente por muy grande que sea.

¿Qué hay de nuevo viejo?: Bugs Bunny cumple 70 años

2008-05-02T15:10:00.008-05:00

Como no estar contentos con el cumpleaños de Bugs Bunny, el conejo que ha visto pasar imnumerables generaciones desde que fue creado. Es verdad un placer justo en esta fecha referirme a un personaje animado que gustó mi padre, yo y ahora mis hijos.

Hace exactamente 70 años, Ben Hardaway dibujó un conejo blanco, bromista y provocador, para servirle de antagonista al tartamudo cerdito Porky. Aquel primer prototipo apareció en el cortometraje de animación "Porky's Hare Hunt", proyectado por primera vez el 30 de abril de 1938.

Codirigido por Cal Dalton y Ben 'Bugs' Hardaway, el corto mostraba al sonrosado Porky como un cazador que corría detrás de una alocada presa, más interesada en enloquecer a su perseguidor que en escapar. En siguientes producciones, ese conejo lleno de potencial pasaría por los retoques de los maestros del equipo de animación de la Warner Brothers: Bob Clampett, Tex Avery, Robert McKimson (responsable del diseño definitivo), así como los directores Chuck Jones y Friz Freleng.

El responsable de ponerle una voz y una personalidad fue el ya desaparecido comediante Mel Blanc, conocido como el hombre de las mil voces, quien le aportó al naciente conejo un acento en el que combinaba a partes iguales los modos de hablar de los barrios del Bronx y de Brooklyn, en Nueva York.

De otro lado diremos que parte de la personalidad de Bugs, también tiene modelos fácilmente reconocibles: la forma como el conejo manipula su zanahoria recuerda al puro siempre humeante del memorable Groucho Marx, y su actitud elegante eran calcos de actuaciones de Clark Gable.

El nombre de la que más tarde sería la estrella indiscutible de cortos y películas de Warner Bros., como Looney Tunes y Merrie Melodies, fue puro fruto del azar: fue en su tercer papel, en el corto producido al año siguiente "Hare-um Scare-um", dirigido nuevamente por Dalton y Hardaway, en que el dibujante Gil Turner, escribió "Bugs' Bunny" (el conejito de Bugs) en una hoja de modelos previos, queriendo decir con ello que se trataba del material de Hardaway.

Asimismo, en esta producción, el conejo mostró por primera vez su característico color gris, gracias al rediseño de Charlie Thorson. Este sería el primer papel en el que el conejo mostró sus dotes para el canto, y también el primero en que sucumbió a su incurable debilidad por el travestismo para seducir a su oponente. Por cierto, las primeras traducciones al castellano no le hicieron ningún favor al incorregible Bugs Bunny: lo llamaron el Conejo de la Suerte o Serapio.

Así, con su flamante bautizo y su diseño definitivo, Bugs Bunny apareció en el corto "A Wild Hare", dirigido esta vez por Tex Avery y proyectado al público el 27 de julio de 1940. En este histórico corto, el más famoso conejo de la historia asoma por primera vez de su madriguera para preguntarle al cazador Élmer Gruñón: "¿Qué hay de nuevo, viejo?". Cuando Bugs Bunny finalmente apareció como tal, en 1940, los personajes de la factoría Disney empezaron a temblar. ¡Por fin tenían un rival que amenazaba con destronar la popularidad de Mickey, Goofy, Bambi y los seres animados creados por Walt Disney! Elmer se convirtió en su pareja, en el partner que hacía que el conejo se luciera en la pantalla.

A partir de allí, todo cambió y Bugs Bunny se convirtió en la estrella indiscutida de la Warner. Lleno de los gags hollywoodenses, el famoso conejo llegó a ser tan popular como Mickey. Al igual que otros personajes animados, ganó un Oscar y se adaptó a las tácticas de mercadeo de los años 90, a tal punto que protagonizó (entre comillas por supuesto), uno de los filmes más populares de la década: “Space Jam”, con la participación estelar del basquetbolista Michael Jordan.

Fuente: El Comercio. Perú

Los Supersónicos

2008-04-23T16:01:00.007-05:00

Los Supersónicos ( The Jetsons ) creada en 1963 por la dupla norteamericana Hanna-Barbera que muchos la consideran como la versión futurista de Los Picapiedra, pero en realidad sus personajes y aventuras resultan totalmente distintos. Ambientada en pleno siglo XXI, los protagonistas son George Jetsons y su esposa, Jane, práctica y llena de buenas ideas. Junto a ellos, su hija, una adolescente siempre dispuesta a divertirse llamada Judy, el pequeño Elroy, que se pasa la vida inventando y experimentando con nuevos cachivaches, y la mascota de la familia, Orbity. Los Jetsons viven en una casa llena de curiosos gadgets y toda clase de comodidades, incluyendo a Rosie, un robot-criada que casi forma parte de la familia, todo ello situado en un mundo tecnológicamente muy avanzado.

Esta serie animada de 20 minutos de duración por episodio fue una de las más vistas en su tiempo. El programa nos presenta una familia típica de clase media conformada por Super (el padre), Ultra (la madre), Lucero (hija adolescente), Cometin (el hermanito menor) y Astro (el perro). Las aventuras se desarrolan en el año 2062, un mundo totalmente diferente, ya no existen los autos y los robots son algo común. La familia vive en un edificio llamado Sky Pad junto con aproximadamente 2000 vecinos. Super Sónico trabaja tres horas al día, tres días a la semana en Engranes Júpiter. Su jefe el Señor Júpiter hace su vida imposible en cada oportunidad que se le presenta. La familia Sónico viajan en "Autonave" y van de vacaciones a "Las Venus".

La Competencia en terminos de negocios esta representada por Cogswell Cogs, el dueño, el Señor Cogswell trata de robar todos los secretos industriales propiedad del Señor Júpiter y así sacarlo del negocio.

Esta serie fue estrenada en 1963, un un momento lleno de expectativas. Estados Unidos comenzaba su carrera espacial y la gente veía al espacio mas cerca que nunca y en esa época llegaron los Supersónicos. En los picapiedras el autor nos mostraba como seria el pasado, un mundo donde los animales eran electrodomésticos. Pero en esta historia, creada por el mismo autor (la productora Hanna Barbera) los robots están por todos lados, la gente veía en ella un mundo que realmente podría llegar a ser posible. Incluso algunos aparatos de la serie existen hoy mismo como el video teléfono o las computadoras manejadas con la voz.

La Isla de Gilligan

2008-04-17T15:27:00.012-05:00

Durante la década de los sesentas, apareció en los Estados Unidos un boom televisivo de las emergentes cadenas de televisión. Todas querían ofrecer al público norteamericano una variada programación en donde incluirían programas aptos para toda la familia. Las series cómicas estuvieron de móda por aquellos años como las de acción. Durante finales de los 60's era lógico que la televisión hiciera olvidar por un momento al pueblo norteamericano la Guerra de Vietnam y todo lo que consigo trajo que ya es más que conocido.

Dentro de este selecto grupo de series cómicas está la divertidísima comedia La Isla de Gilligan ( The Gilligan´s Island ) producida en 1964, teniendo 98 episodios. Hace tres años supimos del fallecimiento de Bob Denver, el actor que encarnaba al disparatado y despistado Gilligan en la serie.

"La isla de Gilligan" ("Gilligan's Island) fue emitida por la cadena CBS durante tres temporadas, de 1964 a 1967. Su levantamiento se debió menos a la falta de audiencia (algo que nunca sucedió) que a esotéricas cuestiones de programación que hacen pensar que el secreto para ser ejecutivo de una cadena televisiva durante muchos años reside únicamente en ser capaz de disimular la incompetencia. Con los años y las repeticiones, la serie se convirtió en un clásico en Estados Unidos y en todo el mundo.

La historia de la Isla de Gilligan, comenzaba con un pequeño barco, el SS Minnow, que luego de partir para realizar un viaje que “no duraría más de tres horas”, se perdía a causa de una fuerte tormenta en alta mar, y por la noche llegaba a una desconocida isla en el Pacífico. Al desembarcar, los siete pasajeros descubrieron que el SS Minnow no podría ser reparado, por lo que todos deberían quedar varados en esa pequeña isla.

El concepto básico se puede expresar de modo muy sucinto: las desventuras de siete náufragos, y sus infructuosos intentos de volver a eso que suele llamarse "civilización". Aunque al contrario de los rugbiers uruguayos cuyo avión se estrelló contra los Andes y, para sobrevivir, recayeron en el canibalismo, a los náufragos del Minnow no parecía faltarles nada. Más bien lo contrario: tenían una dieta variada y sana, basada en frutas y pescado; eran lo suficientemente industriosos (gracias al Profesor) como para emplear el bambú para fabricar desde mobiliario hasta un contador Geiger ; y si bien los hombres no se caracterizaban precisamente por ser unos Adonis, había una linda morocha de provincias (Mary-Ann) y una bomba sexual hollywoodense (Ginger). ¿Quién en su sano juicio querría abandonar ese paraíso para volver a las colas en los bancos y oficinas públicas, los impuestos, la comida chatarra, a los discursos de los políticos, al costo de vida, al stress cotidiano, etc.

Un detalle más que daremos es que la actriz que hacía el papel de la dulce Mary Ann, Dawn Wells de 69 años fue sentenciada el pasado 29 de febrero a cinco días de cárcel y una multa de 410,50 dólares tras declararse culpable de un cargo por conducción temeraria y por encontrarsele con marihuana en su coche. Como cambian los tiempos.

Reparto
Bob Denver - Gilligan
Alan Hale Jr. - Jonas "The Skipper" Grumby
Jim Backus - Thurston Howell III
Natalie Schafer - Mrs. Lovey Howell
Tina Louise - Ginger Grant
Russell Johnson - Roy "The Professor" Hinkley Jr.
Dawn Wells - Mary Ann Summers

El Cubo Mágico

2008-04-12T16:19:00.004-05:00

Quién no ha tenido en sus manos alguna vez uno de estos cubitos que nos llenaban de ansiedad cada vez que estábamos a punto de armarlos y nos quedaba alguna parte mínima inconclusa? Muy divertidos y todo un juego educativo bien logrado, que puede usarlo desde un infante hasta un abuelito ocioso. demos la bienvenida a la Esquina de Pulpín al Cubo Mágico.

El cubo de Rubik (o cubo mágico, como se lo conoce en algunos países) es un rompecabezas mecánico inventado por el escultor y profesor de arquitectura húngaro Ernö Rubik en 1974. Se trata de un conocido rompecabezas cuyas caras están divididas en cuadros de un mismo color sólido cada una, los cuales se pueden mover. El objetivo del juego consiste en desarmar la configuración inicial en orden y volverla a armar.

Aquí en el Perú este artefacto tan divertido causó sensación y fue un boom por todos los lados que se le mire, a comienzos de los 80's. Se ha estimado que más de 100 millones de cubos de Rubik o imitaciones han sido resueltos a lo largo del mundo entero. Su mecanismo sencillo sorprende tanto desde el punto de vista mecánico, al estudiar su interior, como por la complejidad de las combinaciones que se consiguen al girar sus caras. El cubo celebró su anversario número 25 en 2005 por lo que una edición especial del mismo salió a la venta en la que la cara blanca fue remplazada por una reflejante en la que se leía "Rubik's Cube 1980-2005".

Muchas soluciones para el cubo de Rubik se han descubierto de manera independiente. El método más popular fue desarrollado por David Singmaster y publicado en el libro "Notas sobre el Cubo Mágico de Rubik" en 1981. Esta solución consiste en resolver el Cubo capa por capa: a la que se llama Superior, se resuelve primero, seguida de la de en medio, y por último la Inferior. Después de cierta práctica es posible resolve el cubo en menos de 1 minuto. Otros métodos son por ejemplo "esquinas primero" y métodos que combinan varios métodos.

Se han llevado a cabo muchas competencias en búsca de la solución más rápida del Cubo de Rubik. El primer torneo mundial lo organizó Guiness de los records, y se llevó a cabo en Munich en 1981. Todos los cubos fueron girados 40 veces y embarrados con gelatina de petróleo. El ganador oficial, con una marca de 38 segundos fue Jury Froeschl, nacido en Munich.
El primer torneo mundial internacional se llevó a cabo en Budapest el 5 de Junio de 1982, y lo ganó Mihn Thai, un estudiante vietnamita de Los Ángeles con un tiempo de 22.95 segundos. Desde 2003, las competencias se determinan por el promedio de tiempo (de 5 intentos); pero el mejor tiempo único de todos también lo registra la World Cube Association, que mantiene el registro de los récords mundiales.En 2004 la WCA hizo obligatorio usar un dispositivo especial llamado Cronómetro Stackmat.

Los actuales récords del mundo los impuso el francés Eduard Chambon , en 2008 con un tiempo promedio de 11.48 segundos y un mejor tiempo de 9.18 segundos el 23 de Febrero de 2008 en el Abierto de Murcia 2008. Es probable que mucha gente haya hecho tiempos mejores, pero no son aceptados si no cumplen con los estándares.

Los dejo con un video sensacional. Una chinita de solo 3 añitos lo arma en tan solo 114 segundos.

Elvis Presley: El Actor

2008-04-08T08:10:00.010-05:00

Elvis Aaron Presley nació en Tupelo, Mississippi, un 8 de enero de 1935. Fue un cantante de rock estadounidense e icono de la música popular del siglo XX. Inspiró a muchos cantantes tanto dentro como fuera del género rock.

Considerado el Rey del Rock and Roll, también protagonizó numerosas películas, muchas de las cuales estuvieron consagradas a sus canciones. A menudo es llamado simplemente Elvis o El Rey. A pesar de su muerte, Elvis sigue vendiendo discos y actualmente ha superado la cifra de los 1000 millones de discos vendidos.

Tras más de 30 años de su partida, este fenómeno musical de gran registro vocal e innovador de coreografías y estilo al cantar que revolucionó a todo el planeta hasta la llegada de los Beatles al mundo musical; es materia de reflexión, no solo por su música sino en lo referente a la actuación.

Sus 33 films, la mayoría exigían al novel actor a estar a la par con las actrices o actores que xonformaban las producciones, y aunque el esfuerzo era mayúsculo no brillaba como debía ser. Sin embargo sus interpretaciones nunca defraudaron a su público, en especial a los jóvenes.

En los años 60 Presley se dedicó a actuar en películas de mediana a baja calidad, rodando tres películas en promedio por año, hasta un total de 31 y dos documentales. Sus actores favoritos a los que admiraba y copiaba fueron James Dean y Marlon Brando. El 27 de agosto de 1965, durante la visita de los Beatles en su casa de Bel-Air, (California), le comentó a John Lennon con respecto a su próxima película: "Seré un chico de campo que conoce chicas y canta canciones. La última vez que nos alejamos de esa fórmula perdimos dinero". Presley admiraba sinceramente a Los Beatles, pero luego al cambiar éstos su imagen a finales de los años sesenta, los acusó de inducir a la juventud a consumir drogas. En 1964 comenzó el descenso en la hegemonía que ostentaba en el mundo del rock, tanto a nivel de ventas como de popularidad.

Filmografía
Hacer click para ver su producción fílmica

Reflexiones sobre sus películas

Cuando el fenómeno Presley estaba ya en su cima, su primer película LOVE ME TENDER (La Mujer Robada-1956) fue un western con solo cuatro canciones y con Presley como co-protagonista. Es una historia que se inicia al final de la Guerra de Secesión y un aire de tragedia sobrevuela todo su transcurso.

La siguiente película, LOVING YOU (La Mujer que Yo Adoro-1957), es casi biográfica, pues se trata de la historia de un cantante sureño y su ascenso. La música es brillante y la presencia de Lizabeth Scott, un bonus.

El tercer film es JAILHOUSE ROCK (Prisionero del Rock And Roll-1957), un film fundamental en la historia del Rock y con una música que llega a la cumbre del estilo.

Siguió KING CREOLE (Melodía Siniestra-1958), basado en una novela de Harold Robibns y dirigido por Michael Curtiz. En el reparto se destacaron Carolyn Jones, Vic Morrow, Dean Jagger y Walter Matthau. Un filme profundo y de verdadera calidad, además de gozar de una riquísima banda sonora.

A continuación la 20th Century Fox lanzó dos filmes: un western, dirigido por Don Siegel, titulado FLAMING STAR (Estrella de Fuego-1960), con Steve Forrest, Dolores del Río, Barbara Eden y John McIntire y que figura entre los mejores del género; y (Corazón Rebelde), dirigido por Philip Dunne, con Hope Lange, Tuesday Weld y John Ireland, una historia adulta y dramática.

El estreno de BLUE HAWAII (Hechizo Hawaiano-1961) batió records de taquilla, a pesar de ser un bello long play filmado con una sola canción irrelevante. Esto reveló que los filmes musicales rendían el triple en taquilla que los dramáticos, aunque todos hacían mucho dinero, de manera que el manager de Presley decidió ir a los números y, consecuentemente, la calidad de sus películas decreció, en beneficio de las recaudaciones de boletería, que seguían siendo altísimas.

Empero, las películas FOLLOW THAT DREAM (Siga ese Ensueño-1962), KID GALAHAD (Kid Galahad-1962) y FUN IN ACAPULCO (Diversión en Acapulco-1963), mantuvieron un apreciable standard de calidad.

Párrafo aparte merece VIVA LAS VEGAS (Amor en las Vegas-1964), film dirigido por George Sidney y co-estelarizado por Ann-Margret, que, merced a sus buenos temas musicales y a una increíble química entre los protagonistas, se convirtió en un enorme éxito en todo el mundo.

Otro filme de interés fue ROUSTABOUT (El Carrousel del Amor-1964), coprotagonizado por Barbara Stanwyck y donde debutaron (sin acreditar) Raquel Welch y Teri Garr. Se trató de un drama ambientado en el mundo de los circos transhumantes.

También hay que mencionar SPEEDWAY (A Todo Escape-1968), intento musical junto a Nancy Sinatra que fue razonablemente exitoso en boleterías.

Todos estos filmes se editaron en betamax, laser disc y VHS y están en catálogo en DVD, aparte de verse en las programaciones de TV satelital paga de todo el mundo y de estar todos disponibles en fílmico, pues se exhiben en festivales y revivals. No todos tienen gran valor artístico, algunos son solo para fans, pero hay que reconocerle la constante popularidad de todo el conjunto y que ninguno perdió dinero en boleterías, lo que nos da una pauta de la inmensa popularidad de las películas de Elvis. Hoy, mientras conmemoramos el trigésimo primero aniversario del fallecimiento de Presley, están ahí para nuestro deleite, al igual que toda su música, pero esa ... es materia de otro artículo.

Fuentes
Elvis: Fenómeno por todas partes. Ed. Cobra 2000
Televicio Webzine
Historia de Hollywood. Ed. Partime 200

La Tortuga D'artagnan

2008-04-05T17:35:00.006-05:00

Este dibujo clásico de la dupla exitosa Hanna- Barbera ingresó a las pantallas de TV de los Estados Unidos en setiembre de 1962, formando parte del programa The New Hanna-Barbera Cartoon Series. El nombre original es Touché Turtle, inspirado en el nombre que se le da al ataque de esgrima.

La Tortuga D´Artagnan es el espadachín más fanfarrón que, junto con su perro, Dum- Dum, rescata sin distinción a la realeza, niños y animales. Dartañan La Tortuga es un pequeño aventurero con un gran corazón y muy valiente. Su meta es liberar al mundo de sucesos malignos, para ello rescata Princesas y Lucha contra los Dragones. Cuando un problema surge podrás escuchar "¡¡¡D´Artagnan al Ataqueeee!!!" levantando su doblada pequeña espada y el volará al rescate. Él siempre está acompañado de su fiel compañero, Dum-Dum, un perro san bernardo.

Tuvo dos años al aire y cada serie duraba alrededor de 5 minutos solamente. Tuvo en total 52 episodios y uno especial.

No fue un animado espectacular, pero era muy divertido. D'artagnan era un antihéroe, todo le pasaba y Dum Dum era la fuerza de choque, pero casi siempre resultaba ileso. Torpe, impetuoso, noble y de buen corazón, esta tortuguita atrapó a muchos niños al televisor durante varios años. Aquí en Peru, Panamericana Televisión comenzó a emitir los dibujos a finales de los 60's en horario vespertino. Actualmente esta serie animada la podemos ver en Boomerang y cartoon Network por cable.

El Genial Charles Chaplin

2008-03-28T16:45:00.009-05:00

Actor director, guionista y músico de origen británico (Londres, 1889-Corsier-sur-Vevey, Suiza, 1977). Autor completo, puede que el primero en la cronología cinematográfica, en todo el sentido de la palabra (él mismo escribió la música de sus películas sonoras), Charles Spencer Chaplin encarnó el cine para millones de personas durante varias generaciones, proyectándose en la personalidad de Charlot. Secreto en muchos aspectos, sin embargo el hombre es inseparable del autor. Proveniente de una familia de music-hall al principio próspera pero que a finales de siglo cayó en la miseria, Chaplin debutó en el teatro a los cinco años y desde muy joven tomó parte en las giras a través de Inglaterra y de Europa antes de embarcarse para los Estados Unidos en 1912 (después de una primera estancia en 1910). Mack Sennett se fijó en él, la Keystone lo contrató (dic. 1913) y debutó allí como intérprete de Henry Pathé Lehrman en enero de 1914. Pronto realizó él mismo sus películas, de una y después dos bobinas a un ritmo frenético, dejando la Keystone por Essanay (1915), ésta por la Mutual (1916) y esta última por la First National (1918). En unos cuantos años su salario aumentó diez veces en proporción a un éxito fulgurante que hizo de él el cómico más popular de los Estados Unidos y más tarde del mundo entero. Cofundador de la United Artists con Griffith, Fairbanks y Mary Pickford (1919), pasó a la realización de largometrajes que necesitaron meses de preparación y que fueron objeto de campañas publicitarias muy bien calculadas al controlar Chaplin completamente producción y distribución. Intentaría, incluso, la producción de películas de otros, con The Seagull de Sternberg (para él fue un fracaso y no la distribuyó jamás).

Durante este tiempo, el hombre Chaplin debe capear los primeros temporales de una vida privada que sus dos giras triunfales, en 1921 y 1932 por Europa y más tarde por el resto del mundo contribuyeron a hacer pública. Su primer matrimonio y su primer divorcio (Mildred Harris, 1918, 1920) pasó desapercibido. Pero no ocurriría lo mismo en el segundo (1927), con Lita Grey (casada en 1924) que le interpuso un proceso "escandaloso" haciendo de él el blanco de las ligas puritanas. Además, Chaplin debería afrontar las consecuencias del final del cine mudo, que sobrevino cuando su estilo visual había alcanzado la cumbre. Indiferente, incluso hostil, a la técnica, sólo produjo películas habladas con largos períodos de tiempo entre ellas: Luces de la ciudad es una película sonorizada. Si el matrimonio de Chaplin con Paulette Goddard (1933-1941) gozó de gran discreción, las películas de este período inquietaron al público: Tiempos modernos atacaba el trabajo en cadena, y El gran dictador anunciada abiertamente como panfleto ántihitleriano, le aportó a Chaplin los ataques de los medios aislacionistas. Durante la guerra, intervendría en favor de la apertura del "segundo frente" y, en 1947, sería acusado por la Comisión de Actividades Antiamericanas de simpatizar con el comunismo.

Sus inicios: La Pantomima

El genio de Chaplin hay que buscarlo primero en su oficio original: la pantomima, que enriqueció y refinó casi excesivamente, y después dominó (cf. su doble papel en El gran dictador). A distancia, ella entra en sus películas mudas en composiciones a veces conflictivas con su sentido del espacio todavía demasiado estrecho, pero pronto más sutil que el de Mack Sennett (relación entre los gestos de personajes diferentes, elección de ángulos, cambios de escala). Después la filosofía de Charlot, vagabundo famélico, a menudo víctima, a menudo sentimental pero en ningún caso simple, y ligeramente sádico en ciertos momentos, ha sido indebidamente elevada al rango de un humanismo universal (lo que no significa, en absoluto, que la reflexión sobre la condición humana esté ausente). Sus límites están indicados por el famoso gag de Tiempos modernos en donde el "hombrecillo" se encuentra a la cabeza de una manifestación... porque agita el trapo rojo de una interrupción de tráfico. Hoy, tras un eclipse debido a la política malthusiana del mismo Chaplin en cuanto a una nueva aparición de sus películas, al redescubrimiento de Buster Keaton, a la debilidad de los comentarios vacíos que añadió a algunas de sus obras (sobre todo La quimera del oro) y a la cursilería intrínseca de Candilejas, la reedición integral de los largometrajes nos ha recordado la verdadera grandeza, no exenta de amargura pero a menudo dotada de hermosa generosidad, que sigue siendo la de Chaplin.

El injusto "Oscar"

Una de las mayores injusticias de la historia de los Oscar es que el genial Charlie Chaplin jamás ganase un Oscar como director o protagonista. En 1971 se le dio un más que merecido Oscar Honorífico “Por el incalculable efecto que ha producido en el arte del siglo XX: El Cine”.

Cabe señalar que Charlot participó en una película que sí ganó un Oscar, su nombre, El circo (The Circus; Estados Unidos, 1928) Premios: Oscar mejor actor, director, guionista y mejor película 1929. Entabló roles con actores como Merna Kennedy y Betty Morrisey. Fue el último film mudo de Chaplin. El vagabundo Charlot al huir de los policías encuentra refugio en un circo, conoce a una muchacha quien trabajosamente quiere ser domadora de caballos. Chaplin la ayuda a lograr su propósito y se ilusiona con la joven pensando que ganó su corazón. Sin embargo, la domadora se siente atraída por un equilibrista. Mientras tanto, le suceden mil y una peripecias.

Chaplin, que por entonces vivía en Europa a dónde se fue por la caza de brujas, volvió por primera vez a Estados Unidos en mucho tiempo, el genio no pudo evitar emocionarse, y al recoger el Oscar dijo: “Este es un momento muy emocionante para mí y las palabras parecen fútiles, tan enclenques… Sólo puedo decir gracias por el honor de haber sido invitado aquí. Sois maravillosos, gente dulce”.

Datos interesantes

* Charles Chaplin fue la persona más conocida del mundo desde 1917 hasta mediados de los años treinta. Este dicho está avalado por dos hechos: la rápida difusión del cinematógrafo en las décadas de los años veinte y treinta y también en el viaje que realizó por países de todo el mundo, donde era recibido por grandes multitudes.

* En español, ha quedado la palabra «charlotada» para reflejar una acción grotesca o ridícula y una corrida de toros de tono cómico. Su nombre proviene del torero cómico Carmelo Tusquellas, apodado Charlot porque su traje y estilo evocaban el de Chaplin.

* Se dice que el humor que muestra Charlot en sus películas es «universal». Para comprobar esto, a finales de los años 90 se realizó un experimento, consistente en proyectar varios de los cortos de Charlot a distinto público, de distintas culturas, que nunca antes habían visto a Charlot y, en muchos casos, ni siquiera habían tenido la oportunidad de ver televisión y cine. El experimento dio resultados concluyentes: aunque había culturas donde no entendían lo que veían (no eran capaces de entender las construcciones, vehículos, ropa, protocolos sociales, etc, de la Norteamérica de principios del siglo XX), sí que se divertían y reían con las persecuciones, caídas, tartazos, trucos, timos, etc. protagonizados por Charlot.

* Candilejas (1952) es la antepenúltima película de Charles Chaplin. El artista británico espacia cada vez más sus proyectos en el tiempo. Pero este film está hecho a conciencia por el cómico. Chaplin sabe jugar perfectamente los tiempos de la comedia y el drama. Todo ello envuelto por unos diálogos tiernos y perfectamente elaboradas. Cabe destacar también la banda sonora de la película, compuesta por el propio Chaplin, y que es uno de los grandes temas de la historia del cine. De hecho, por esta composición, Chaplin ganó el Óscar en 1972 a la mejor musica original 20 años después del estreno de la película.

* Como curiosidad cabe destacar que una vez participó en un concurso de imitadores de Charles Chaplin pero no alcanzó ni las finales, aunque leyendas urbanas dicen que quedó tercero o segundo.

* El prestigioso director italiano Pier Paolo Pasolini era fan de Chaplin y de sus películas. En su película Los cuentos de Canterbury, el personaje de Ninetto Davoli es una especie de recreación del personaje de Charlot. Una de las hijas de Chaplin, Josephine Chaplin también trabajó en la película, felicitando a Davoli por su excelente homenaje a su padre.

Bibliografía

CHAPLIN, Charles, Mi autobiografía. Editorial Debate, 1996
VILARDELL BALASCH, Víctor, Chaplin, el fabricante de sueños, Editorial El Rompecabezas. Colección Sabelotod@s. 2007

Ben Hur (1959)

2008-03-22T17:25:00.008-05:00

Casi es una fija todos los años durante la programación de semana santa, los canales de televisión colocan dentro de su lista de programas, la clásica película BEN HUR.

Ben-Hur es una película de 1959 dirigida por William Wyler para la Metro-Goldwyn-Mayer. Fue la primera película en la historia en recibir 11 Premios de la Academia, número alcanzado más tarde por Titanic y El Señor de los Anillos: El Retorno del Rey. Hay que hacer la salvedad que actualmente se han aumentado las categorías a la hora de premiar y eso es otro atractivo que tiene el clásico Ben Hur en su haber. Se trata de una superproducción que relata la vida de un judío en los años de la predicación de Jesús.

Fue la película más cara en su momento, sólo superada después por Cleopatra pero por ser un completo desastre su organización y duración de rodaje. A pesar del presupuesto enorme de Ben-Hur, en proporción a su versión antigua en blanco y negro (remake de la excelente versión de Fred Niblo de 1925, con Ramón Novarro y Francis Bushman), fue más barata y también más rentable. La antigua costó alrededor de $6.600.000 de la época (década de los 20) y aunque rompió récords de taquilla y estuvo muchos años en cartel, nunca llegó a recuperar todo el dinero invertido.

La producción fue tan complicada y necesitó de tantos recursos humanos y materiales, que se dispararon los costes de una manera desorbitada. $15.000.000 fue el coste final de la película, la más cara por aquel entonces, aunque en el primer año de exhibición en cartelera ingresaron $40.000.000 en taquilla.

Entre los preparativos y el rodaje, la producción de "Ben-Hur" se prolongó durante cinco años. Construir el circo para la carrera de cuádrigas llevó todo un año. Los entrenamientos de los encargados de llevar las cuádrigas abarcaron 4 meses, mientras que el rodaje de la carrera duró 3 meses y dura 20 minutos de secuencia en la película.

Se hicieron más de 100.000 diseños de vestuario, se utilizaron más 8.000 extras y 300 decorados.

La escena en que Judah se reencuentra con Esther, era una parte de la película que el director no sabía como realizar. No tenía muy claro como tratar el tema y pensaba suprimir dicha escena. Sin embargo, un día, hablando con su amigo Miklos (el arreglista musical) le comento su problema, este le dijo que no se preocupase, que el haría una música para la escena, y a partir de ahí, tendría material para trabajar su escena. William Wyler le hizo caso y al final quedó la secuencia que se ve en la película. Lo que no se sabe es que dicha escena le costó a los estudios $5.000 más de presupuesto. Desde ese día, ningún director volvió a preguntarle a Miklos sobre qué hacer o no hacer en una escena...

Tras llevar unas semanas de rodaje, el director William Wyler estaba muy preocupado por la actuación de su actor principal Charlton Heston, que no daba pie con bola porque no se tomaba en serio los rodajes. Ante esta situación, Wyler fue a la caravana y le preguntó a Heston si le pasaba algo que perjudicase a su actuación. Éste, socarronamente, le dijo que él sí actuaba bien, lo que pasa es que Wyler no se daba cuenta. Viendo esto, Wyler le dijo que bien, pero que supiese que en el rodaje y en todos los estudios, solo se hablaba de su patética imagen en los rodajes frente a la impresionante actuación de su compañero de reparto Hugh Griffith. Desde ese día, Wyler no tuvo que volver a la caravana de Heston.

Durante el rodaje, el actor Stephen Boyd que reprentaba a Messala, se encontró con el problema de que en su papel tenía que representar a un hombre que era amigo de Ben-Hur, pero a la vez su principal verdugo. Un hombre que era capaz de querer profundamente, pero también dejar cualquier escrúpulo ante el ejercicio de sus deberes. Wyler, viendo el problema, habló con él para ayudarle con el personaje. Lo curioso fue la idea que le dio: aconsejado por Gore Vidal para desarrollar su personaje, le dijo que debía enfocar su relación hacía Ben-Hur como una relación homosexual. Una relación homosexual pero no física, sino emocional. Admirando y queriendo a Judá desde lo más profundo de su ser pero a la vez escondiendo sus sentimientos y su oscuro deseo. Gracias a este consejo y al buen hacer de Boyd, su actuación fue la más sobresaliente de toda la película. Y por supuesto, Heston jamás se enteró de esto ya que él fue el principal precursor de anular en la película cualquier tipo de relación homosexual entre Judá y Messala.

Comprar los derechos de la novela le supuso a Metro Goldwyn Mayer 600.000 dólares de 1925, así que para volver a llevarla a la pantalla en 1959 no tuvo que desembolsar cantidad alguna ya que los derechos para el cine aún le pertenecían.

Joe Canutt, hijo de Yakima Canutt, dobló a Charlton Heston durante la carrera de cuádrigas sufriendo un percance muy serio en el momento en que la cuádriga de Heston salta por encima de la de otro participante y Joe está a punto de caerse bajo los caballos. Heston quedó tan satisfecho con el trabajo de Joe como doble suyo que ésta no sería la última vez que lo doblase.

Esta película filmada originalmente en el sistema Cinemascope muestra un excelente nivel de calidad cuando es proyectada en salas que cuentan con este sistema, no así en sus versiones DVD o VideoCD aunque existen nuevas versiones en DVD que aprovechan las características del formato de pantalla-amplia (WideScreen) para mostrar las características de dicho método de registro. Muchos sostienen que no tiene el mismo nivel de proyección. Varias de las películas calificadas como las grandes super-producciones utilizaron este método de filmación.

Ben-Hur sin duda cuenta con una de las piezas musicales más impresionantes que se hayan hecho nunca, no sólo por su belleza musical con temas tan impresionantes como el de Judah o el propio Jesucristo, amén de sus imperiales marchas, sino también por la exquisita complejidad de su música a la par que sencilla en cuanto a como resuelve los problemas de unión de uno o varios temas. Su compositor, Miklos Rozsa, posiblemente el mejor compositor de BSO de la historia, sólo igualado por su pupilo John Williams(Star Wars, La lista de Schindler, ET, Indiana Jones, Tiburón...), es capaz de crear una música que llena la pantalla no sólo por su grandiosidad, sino por esa innata virtud que muy pocos compositores tenían de crear en composición los trazos y rasgos más importantes de cada personaje en un tema específico que entre-teje y enlaza con el tema de Jesucristo o el tema de Messala.

Reparto

Charlton Heston / Judah Ben Hur
Jack Hawkins / Quintus Arrius
Haya Harareet / Esther
Stephen Boyd / Messala
Hugh Griffith / Sheik Ilderim
Martha Scott / Miriam
Cathy O'Donnell / Tirzah
Frank Thring / Poncio Pilatos
Claude Heater / Jesús

Premios de la Academia (Oscares)

Oscar a la mejor película — Sam Zimbalist, productor
Oscar a la mejor dirección — William Wyler
Oscar al mejor actor — Charlton Heston
Oscar al mejor actor de reparto — Hugh Griffith
Oscar a la mejor dirección de arte — Edward C. Carfagno, William A. Horning, and Hugh Hunt
Oscar a la mejor fotografía — Robert Surtees
Oscar al mejor diseño de vestuario — Elizabeth Haffenden
Oscar a los mejores efectos visuales — A. Arnold Gillespie (visual), Milo B. Lory (audible), and Robert MacDonald (visual)
Oscar al mejor montaje — John D. Dunning and Ralph E. Winters
Oscar a la mejor banda sonora — Miklós Rózsa
Oscar al mejor sonido — Franklin Milton

Viaje al fondo del Mar

2008-03-14T16:03:00.009-05:00

La serie "Viaje al Fondo del Mar" (Voyage to the Bottom of the Sea) fué realizada por Irwin Allen en 1964 como secuela a la película del mismo nombre que produjo en 1961, protagonizada por Walter Pidgeon y que se basaba en una novela de Theodore Sturgeon. Consta de cuatro temporadas con un total de 110 episodios en color (excepto la primera temporada que fué rodada en blanco y negro, estuvo en antena hasta 1968 cuando fue cancelada.

Irwin Allen se hizo muy popular por sus películas de desastres en los años setenta (La aventura del Poseidón, El coloso en llamas etc...) pero muchas personas recuerdan todavía los buenos ratos que hacían pasar sus series de televisión, especialmente sus "4 grandes": Viaje al fondo del Mar, Perdidos en el Espacio, El Tunel del Tiempo y Tierra de Gigantes.

Finalizando el mes de Diciembre de 1970 comenzó a exhibirse en Perú "Viaje al fondo del mar", Panamericana Televisón la pasaba por las noches los fines de semana. Era una sorprendente mezcla de aventuras y ciencia-ficción que contó con numerosos seguidores entre los mayores y niños de la época. Los pequeños se quedaban ante el televisor con los ojos muy abiertos, y amenudo con un poquito de sobresalto, dispuestos a no perderse ni una sola de las fascinantes aventuras del "Seaview o Neptuno" el fabuloso submarino manejado por el almirante Harriman Nelson y su comandante, Lee Crane.

El "Seaview" no era estrictamente un navío de combate, aunque, como medida de prevención iba armado, incluso con tubos lanza torpedos, ya que la naturaleza de las funciones que realizaba eran de caracter científico, si bien muchas de las misiones y hallazgos técnicos y de las investigaciones que llevaba a cabo por cuenta del Estado revertían en datos de origen estratégico de gran valor militar. Por eso, en muchas ocasiones, era perseguido, obstaculizado e incluso atacado por navíos enemigos. Junto al elemento dramático y a los datos de ciencia-ficció había, en "Viaje al fondo del mar", una buena dosis de suspense, a veces con mostruos y todo, habilmente manejado por una correcta realización. Las difíciles situacionesen las que se veía envuelto el submarino alcanzaron su punto culminate cuando, se producían averías que precisaban reparar sobre la marcha para salvarse de perecer en las misteriosas profundidades del oceáno.

Para la realización de los guiones que compusieron las aventuras del Seaview, la producción contó con un importantísimo grupo de profesionales. Cabe destacar a Don Brinkley, Alan Caillou, Raphael Rayes o William Read Woodfield. Las historias creadas por estos guionistas fueron muchas veces tan absolutamente increíbles, incluso para un producto del género fantástico como el que nos ocupa, que actualmente pueden llegar a provocar la risa del espectador. Sobre todo merecen destacarse la colección de monstruos aparecidos en el transcurso de la serie, hoy en día absolutamente Kistch y que no consiguen impresionar ni a los más pequeños televidentes. Por la serie desfilaron también conocidos personajes del cine y la televisión como Viveca Lindfords, Robert Duvall o Barban Bouchet. Es en este apartado de los actores secundarios, o mejor dicho «estrellas invitadas», donde la serie destacó por la variedad y la calidad ofrecida.

Reparto

Almirante Harriman Nelson
Richard Basehart

Comandante / Capitan Lee Crane
David Hedison

Teniente Comandante Chip Morton
Robert Dowdell

Jefe Curley Jones (1ª temporada)
Henry Kulky

Jefe Francis Ethelbert Sharkey
Terry Becker

Kowalski
Del Monroe

Patterson
Paul Trinka

Riley (2ª Temporada)
Allen Hunt

Sparks
Arch Whiting

La Gata Loca

2008-03-08T17:46:00.010-05:00

La Gata Loca o Krazy Kat es una tira de prensa o tira cómica (comic strip) creada por George Herriman, y que se publicó en periódicos estadounidenses propiedad de William Randolph Heart entre 1910 y 1944. El nombre de la historieta es también el del personaje principal de la tira. En Latinoamerica se ha traducido en ocasiones como La Gata Loca.

Producido por Famous and Paramount Cartoon. En el Perú se transmitía por Canal 2 (la primera señal, no Frecuencia Latina, los sábados al caer la tarde, eso ocurría a mediados de los setentas. Transmitido por PANTEL durantes las tardes de lunes a viernes al comienzo de la década de los ochentas.

Todo comenzó en 1910, cuando George Herriman (1880-1944) dibujó a una gata golpeada por un ladrillo que había lanzado un ratón para llenar el espacio en blanco de la historieta en la que por entonces trabajaba. Eso fue suficiente para que, además de magullada, la víctima quedara flechada por la perversa puntería de su panzón opresor. El idilio continuó durante tres años hasta exigir su propia tira cómica: COCONINO. Se cimentó así uno de los romances más insólitos del mundo del cómic y la animación, dominado por el signo tanático del amor-odio, o, dicho a nuestro modo, del amor cholo. El primer impacto del primer ladrillo en ese inmaculado cerebro felino fue el Bing-Bang, no sólo del árido y surrealista condado de COCO-NINO (supuestamente ubicado en Arizona) y sus excéntricos habitantes, sino también, y sobre todo, de un amor que representa la utopía misma del sadomasoquismo.

Y es que, en realidad, La Gata Loca, traicionando el instinto aventurero de su especie, será de Ignacio hasta la muerte; y cómo no ha de serlo, si cada ataque (cada prueba de amor) la hace literalmente ver estrellas, quitándole en razón lo que gana en afecto. Bondadosa hasta la santidad (o hasta la estupidez), la amorosa e inocente minina será siempre antídoto y ejemplo para contrarrestar las perfidias del malogrado roedor, ambicioso, egoísta, cínico, violento, revoltoso, corrupto, misógino y antisocial. En resumen, un antihéroe de verdad.

Un clásico de la historieta

Considerada como una de las obras maestras de la historieta, empezó a ser producida como dibujo animado a partir de 1916, y se llegaron a realizar muchas películas mudas tomándola como base. Obviamente, la versión que la mayoría conoce es más moderna*, pero mantiene básicamente los cambios con los que el mismo Herriman distinguió al cómic de la serie animada, suavizando principalmente la implícita crítica social, simplificando los diálogos, reduciendo la cantidad de personajes y, oh escándalo, anulando esa ambigüedad sexual que en la historieta tenía La Gata (y que posibilita la indeterminación del género de su nombre en inglés: KRAZY KAT). Una gata entonces definitivamente femenina, sin conflictos de identidad, abocada como siempre a su adorado ratón y al éxtasis de sus ladrillazos, protagonista eterna de una trama simple pero mágica, deliciosamente absurda, mártir de un amor sublimado, reprimido, pero peligrosamente latente en muchos subconscientes.

La productora de esos dibujos se llamaba "king Features", y con cada episodio de La gata loca hacían a continuación otra serie de militares un poco disparatada en la que había un sargento con muy renegón. Se llamaba " Beto El Recluta y Tapón", también por cierto muy chistosa.

Una ración de realidad elevada a la enésima potencia de lo absurdo y de lo divertido, una fábula mestiza dónde nada es gratuito y que puede tambalearte de un extremo al otro. Esta es la excelentísima obra de este castizo autor, que con los años se ha vuelto única e irrepetible. Una lección que abrió camino a generaciones posteriores aunque en su momento fuese básicamente ignorada.

El Spirograph (espirograf)

2008-03-02T11:26:00.006-05:00

Antes de terminar la década de los 60's, apareció en el mercado un juguete que revolucionaría la idea de juguete en nuestro medio. Un juguete era solo para divertir al niño y si tenía algo de educativo era un plus muy inusual. En ese tiempo y por espacio de 10 años, el mercado de juguetes se planteó la necesidad de llevar diversión con educación y fueron desfilando juguetes de variados tipos con el preciado ingrediente educativo muy celebrado por los padres de familia de la época.

Habían muchas empresas que tenían como juguete este tipo muy original de juego, el Spirograph se comercializaba en todas partes del mundo. Entre las firmas que lo hacían estaban Vintage Co. , Kenner's Inc., Denys's Ficher, etc. Un juguete que se haría muy popular entre los niños de la época, un juguete para poder dibujar jugando. Con él, haciamos rodar un círculo interior dentado o exterior sobre otro círculo, que permanece fijo, y colocando un bolígrafo en cualquier punto (agujero) del círculo que rueda, obteníamos bonitos dibujos. ¡Era increible!, con nuetra corta edad y los magnificos dibujos que hacíamos con varios colores o a un sólo color. También existían otras versiones más económicas que se vendían en kioscos y papelerías e iban en una bolsita de plástico o de celofán.

No era necesario saber dibujar para hacerlo, desarrollaba la habilidad con la muñeca y los trazados con lapiceros de colores formaban diseños muy sicodélicos a manera de flores y guardas, muy de moda por aquel entonces. Se siguió vendiendo este juguete hasta los 80's con mucha regularidad. De vez en cuando todavía se ofertan en tiendas de grandes almacenes o tiendas por departamentos, ya que ahora constituye un juego clásico que jamás pasará de moda, creo que Hasbro lo tiene dentro de su línea.

Inclusive hace un mes tuve la oportunidad de ver realizar diseños para joyas usando el spirograph cuando el diseño por computadora no es usado. Una maravilla ver esos dibujos después convertidos en preciosas y finísimas joyas.

La familia Partridge

2008-02-27T15:20:00.010-05:00

Mamá y sus increíbles hijos (The Patridge Family) Producida para la cadena ABC, se emitió de 1970 a 1974 en los Estados Unidos.
En el Perú la vimos algo más tarde, en 1973, y se prolongó su emisión por cuatro temporadas, gozando de gran popularidad.
Nos contaba las peripecias domésticas de la familia Partridge.
Shirley, viuda y madre de cinco hijos , un día sus hijos le piden que les acompañe como vocalista en una grabación de una canción llamada "Think I Love You". Para sorpresa de la familia el tema alcanza un éxito asombroso, consiguiendo venderla a una gran compañía discográfica. Este es el comienzo de una gira musical, que la familia al completo realizará por todos los Estados Unidos en un autobús muy pintoresco y cosechando grandes éxitos.
La canción llega a manos de una discográfica, y resulta un éxito rotundo.

A partir de éste momento la vida de los Partridge cambiará por completo, y llevarán su música por todos los rincones de EEUU, viajando en un psicodélico autobús, y viviendo divertidas peripecias.
La serie fué el trampolín que catapultó a la fama al cantante David Cassidy, (el primogénito Partridge) que se convirtió en un ídolo mundial del pop, aglutinando cantidad de fans por todo el planeta. Las chicas se enamoraron de David Cassidy y los chicos (de su hermana en la serie) Susan Dey.

Esta serie fue muy popular entre el público de habla hispana también. Estuvo cuatro temporadas en nuestras pantallas, lo que le valió también para promocionar la banda sonora de la serie. En esta serie pudimos ver y oir las canciones de esta familia tan peculiar.

Notas:

Jodie Foster, la famosa actriz participa en algunos episodios con tan solo 8 añitos.

Shirley Jones, actriz moderada, adquiere notoriedad y popularidad entre las nuevas generaciones de entonces.

Canal 4 américa televisión emitía la serir todos los domingos por la noche.

Reparto

Shirley Jones
Shirley Partridge

David Cassidy
Keith Partridge

Susan Dey
Laurie Partridge

Danny Bonaduce
Danny Partridge

Brian Forster
Christopher Partridge

Suzanne Crough
Tracy Partridge

Dave Madden
Reuben Kinkaid

Jodie Foster
Julie Lawrence

Meteoro ( Speed Racer)

2008-02-21T15:55:00.009-05:00

Meteoro (Speed Racer), es la adaptación en español del título de la serie de anime sobre carreras automovilísticas Mach Go Go Go, basada en el manga original de Tatsuo Yoshida. La serie fue producida por la firma Tatsunoko Productions y emitida en Japón entre 1967 y 1968, totalizando 52 episodios. Posteriormente se realizarían nuevas versiones de la misma.

Meteoro es un joven corredor de coches de carreras. Conduce su flamante Mach 5, un súper deportivo GT fabricado por su padre con excepcionales características. Su familia esta compuesta por su Padre, su Madre, su hermano mayor "Rex" y otro menor "Chispita". Otros personajes de la serie son su novia Trixie, Su amigo Bujía (mecánico exclusivo del auto) y su mascota Chito un chimpancé que junto a Chispita hacen las gracias de la serie.

Rex, su hermano mayor , se fue del hogar familiar después de mantener una discusión con su padre porque éste cogió un auto que acababa de construir y compitió en una carrera sin su permiso. Rex ganó la carrera, pero perdió el control después de pasar la meta, destrozando el auto por completo. El hermano de Meteoro salió ileso y se acerco a su padre contento por haber ganado, pero éste le recriminó fuertemente por lo que hizo. Rex le dijo que le demostraría lo buen corredor que era y se marchó para nunca volver con su familia. Aunque repetidamente sale en la serie vestido como el corredor X. Un enmascarado que cuando menos se lo esperan se encuentra en la línea de carrera, cada vez que su hermano Meteoro compite. Ni Meteoro, ni su familia saben que el corredor X es en realidad su hermano mayor...!!

En el tiempo que pasaban Meteoro en Perú, canal 5 Panamericana Televisión era el canal que lo pasaba todos los dias de lunes a viernes a las 5 pm. Era como estar también en la competición. Cada vez que llegaba la hora de verla, me sentía el mismo Meteoro corriendo imaginariamente por la pistas de competición. Moría por conducir un coche de niño. Ahora adulto detesto manejar. Cosas de la vida.

Speed Racer: La Película
Una muy buena noticia para los fanáticos de la serie, como yo, ésta será lanzada en una edición para la pantalla grande. Se está pensando para mayo de este 2008 (posiblemente el viernes9) el estreno mundial de Speed Racer: La película, con actores de carne y hueso. Como no podía ser menos, los responsables de esta hazaña son nada más ni nada menos que los creadores de Matrix: Andy y Larry Wachoski.

El elenco:
Christina Ricci … Trixie / Emile Hirsch … Meteoro / Matthew Fox … Racer X o El Corredor enmascarado / John Goodman … Papá de Meteoro / Susan Sarandon … Mamá de Meteoro / Kick Gurry … Bujia / Paul Litowsky...Chispita

El Chavo del 8

2008-02-13T20:23:00.008-05:00

El "Chavo del Ocho," un indefenso huerfanito de una vecindad mexicana que catapultó al actor Roberto Gómez Bolaños a la fama en toda América Latina. Gómez Bolaños también conquistó a varias generaciones no sólo con el "Chavo" sino también con "El Chapulín Colorado," un héroe vestido de insecto que según el autor es el que más se parece a él porque enfrenta las situaciones pero con mucho miedo, entre otros personajes.

Este programa adulto-infantil fue siguiendo el humor clásico al estilo Laurel y Hardy o quizás al más reciente estilo del comico norteamericano Mel Brooks. Bolaños está inspirado en ese tipo de humor. Aquel que casi no necesita de guión para hacer reir.

Esta famosa comedia de situaciones mexicana de televisión que también se volvió un éxito a lo largo y ancho de toda América Latina, y parte de Europa y Asia. El programa se ha doblado a 50 idiomas comenzó en 1971, después de que el protagonista del programa, "El Chavo" (forma corta de "chaval", el término mexicano para "chamo", "chico" o "jovencito"), apareció junto con otro personaje, "La Chilindrina", en un cortometraje durante otro programa de televisión popular en México. Este programa televisivo era producido y dirigido por Enrique Segoviano. Para 1973 el programa se convirtió en serie semanal, la cual fue cancelada en 1980. Desde ese año y hasta 1992 hubo sketches del programa en la serie Chespirito y desde 2006 está emitiéndose la serie animada.

En un principio, el programa televisivo se dirigía a un público maduro, pero resultó extremadamente exitoso con los niños mexicanos; entonces se decidió redirigir el programa a los niños. El Chavo del Ocho se llamó así porque el programa se transmitía en el Canal Ocho de México (XHTIM Canal 8, propiedad de Televisión Independiente de México, del grupo ALFA de Monterrey, Nuevo León, México) que posteriormente compraría Telesistema Mexicano (hoy Televisa) para ser transmitido por el Canal de las Estrellas; tiempo después, el canal 8 se mudó al canal 9 (hoy Galavisión México), cuando entró al aire el canal 7 (hoy Azteca 7). Finalmente, para evitar este malentendido del nombre "del ocho", y su referencia a la antigua compañía televisora (canal 8), se decidió que el chavo viviría en el departamento número 8. Generalmente se cree que el personaje vive en el barril, sin embargo existe al menos un capítulo en donde el Chavo menciona que vive en el departamento ocho (este lugar nunca es mostrado en el programa).

El Chavo del Ocho es la historia de un niño mexicano (El Chavo) que vive en una vecindad de la Ciudad de México dentro de un barril situado en el patio de la vecindad . El programa explora, de manera cómica, los problemas que muchos niños de la calle experimentan a diario como el hambre, la tristeza y el no tener a alguien que cuide de ellos; el argumento pasa por una serie de enredos y confusiones en que participan los personajes que creó el escritor Gómez Bolaños .

Personajes

1) El Chavo del Ocho

Interpretado por el mismo Gómez Bolaños, es un huérfano de ocho años y el principal personaje de la serie. "Chavo" significa ‘niño’ en el argot mexicano. Su nombre verdadero es desconocido (aunque, en algunos episodios se llama a sí mismo Chente (Vicente), por un amigo que murió en el orfanato donde fue abandonado). Es muy entusiasta, creativo y bienintencionado, aunque también muy inocente, razón por la cual otros niños se aprovechan de él. No es muy brillante (lo cual Roberto Gómez Bolaños sugirió en el lanzamiento de la serie animada puede ser causa de la malnutrición), y es un tanto torpe, a menudo golpeando a Quico, don Ramón, o al Señor Barriga con pelotas, zapatos, martillos, ladrillos, sillas u otros objetos, pero como él mismo dice, lo hace "sin querer queriendo". El Chavo llego a la vecindad cuando tenía cuatro años y pasa la mayor parte de su tiempo escondido en su barril. Le gustan mucho las tortas de jamón. Sus frases son: "es que no me tienen paciencia", "eso, eso","bueno, pero no se enoje", "fue sin querer queriendo". Le da la garrotera cuando tiene miedo, pero se quita con un poco de agua.

2) Quico

Federico Matalascayando Corcuera, interpretado por Carlos Villagrán (escrito oficialmente como Quico en la serie animada) es un niño de 9 años un poco malcriado y sobreprotegido. Es el hijo de doña Florinda (y de un difunto capitán de barco llamado Federico que reportan murió cuando su navío fue tragado por una ballena, como Jonás; razón por la que Quico suele decir que su papá descansa en pez)

3) Profesor Jirafales

Inocencio Jirafales interpretado por Rubén Aguirre es el maestro de la escuela. Es tan altamente educado, como ingenuo, muy altanero y creído. Lleva una relación amorosa absurdamente inocente con doña Florinda, a quien suele ir a ver siempre con un ramo de flores y ésta, cortésmente, siempre le invita "una tacita de café". Siempre lleva traje completo. Enseña con toda su paciencia a los niños.

4) La Chilindrina

Interpretada por María Antonieta de las Nieves es la pecosa, inteligente, y traviesa hija de don Ramón; y su biscabuelita, "doña Nieves", quien cuida de la Chilindrina cuando don Ramón no está. La Chilindrina tiene una personalidad de mandato y liderazgo hacia sus amigos y parece ser la más inteligente del grupo. Usa coletas (siempre desniveladas), lentes y vestiditos infantiles (el más común es uno verde con chaquetilla roja) Su nombre viene de un pan mexicano típico rociado con semillas de ajonjolí (sésamo) por encima, que recuerdan a sus pecas.

5) Doña Clotilde

Interpretada por Angelines Fernández es a quien los niños llamaban "La Bruja del 71" por su excentricidad y su perro apodado Satanás, este apodo llega a tal punto que en muchas ocasiones el Chavo, Quico y a veces la Chilindrina creen que en verdad lo es. Nacida en Campeche, es una mujer retirada enamorada de don Ramón al grado de perseguirlo todo el tiempo, llevándole pasteles y comida como agasajo.

6) Godínez

Interpretado por Horacio Gómez Bolaños es un niño que viste overol y gorra de béisbol. Normalmente se mantiene solo y trata de esquivar las preguntas en la escuela, para así poder concentrarse en dibujar y tocar instrumentos musicales. Godínez es su apellido y su nombre de pila es desconocido. Parece un estudiante capaz pero es totalmente desinteresado. Las apariciones de Godínez son muy raras, pero muy graciosas. Horacio dirigió el programa durante un tiempo, junto con su hermano Roberto.

7) Doña Florinda

Florinda Corcuera y Villalpando Viuda de Matalascayando, interpretada por Florinda Meza. Doña Florinda vive en el dep. #14 con su hijo Quico,es conocida como "La SuperVillana de la Vecindad y de la Chusma" y es viuda. Viste camisero rosa, delantal o mandil amarillo con bolsas estampadas, tubos en el cabello y tacones altos. Es una mujer entrando a la etapa de madurez, es delgada y de mediana estatura, siempre con tubos en su cabello rubio. Su intención es arreglarse el cabello, pero con sus deberes diarios nunca puede hacerlo (sólo en contados capítulos), y ésta nunca se ha visto arreglada, por eso recibe el nombre de "Vieja Chancluda", en especial por la Chilindrina, en la serie animada la voz no es parecida y muy poderosa.
Es una persona a la que le gusta el orden, la limpieza y la disciplina. Es una señora sin mucha paciencia y mal genio, capaz de mutarse en dulzura y serenidad ante las linduras de su hijo Quico o la presencia del profesor Jirafales. Dice que es superior a sus vecinos, por eso tanto Quico como ella les suelen llamar "Chusma". Sus frases típicas son ¡No te juntes con esta chusma!, y la próxima vez vaya a... a su abuela, ¡Qué milagro que viene por acá!, ¿Pero no gusta pasar a tomar una tacita de café? , ¡Lo único que me faltaba!".

8) Don Ramón

Interpretado por Ramón Valdés, "Don Ramón" es un viudo desempleado. El mayor interés de don Ramón parece ser vivir una vida sin complicaciones, pero en la vecindad esto parece ser imposible. Constantemente es reprochado por el alquiler (no ha pagado la renta en 14 meses, un número que se mantiene constante ya que el señor Barriga le perdona meses de renta en varios episodios). Su hija, la Chilindrina, es un perpetuo dolor de cabeza y su vecina doña Florinda responde con cualquier imposición sobre su estilo de vida con una cachetada. Aunque algo nervioso y temperamental, don Ramón trata de mantener una actitud alegre y logra (apenas) ganarse la vida haciendo trabajos eventuales.

9) El señor Barriga

Zenón Barriga y Pesado, interpretado por Edgar Vivar, es el terrateniente de la vecindad; y Ñoño, su hijo. El Señor Barriga rara vez tiene éxito en cobrarle la renta a don Ramón y es bienvenido cada vez que llega a la vecindad con una patada, tropezón, trompada o golpe con un objeto lanzado por el Chavo. Su apellido es una referencia a su obesidad. Su nombre en la serie en realidad es Senon Barriga y Pesado, de la cual los niños cuando se enteran no hacen si no burlarse de él.

10) Ñoño

Febronio Barriga Gordorritúa, interpretado también por Edgar Vivar. Ñoño es buen estudiante y tiene buen corazón, pero como la mayoría de los niños, es ingenuo. Sustituyó a Quico en años posteriores, en situaciones similares a las del personaje ausente. Siempre con overoles que se destacan por los colores brillantes, combinado con camisas de cuello que termina como en tipo encaje, donde la mayoría de las veces luce un moño rojo el cual destaca por tamaño; trata de acompañar su vestimenta con zapatos blancos al igual que sus calcetas. Su frase típica es ¡Míralo eh!, ¡míralo eh!.

11) Doña Nieves

Interpretada también por María Antonieta de las Nieves. Es la "bizcabuela" de la Chilindrina y la abuela de don Ramón. Es idéntica a su "bizcanieta", y llama a su nieto "Monchito". Curiosamente, este personaje apareció junto al de don Ramón en solamente dos capítulos: "El álbum de fotos" (1978) y "El regreso de don Ramón" (1981). Sustituyó a don Ramón en varios de los episodios donde ya no aparecía éste último.

12) La Popis

Interpretada por Florinda Meza. Es sobrina de doña Florinda y por lo tanto prima de Quico y siempre lleva a todos lados a su muñeca Serafina. Es menos envidiosa que su primo pero nunca regala paletas o dulces y en varios capítulos cuando el profesor pasa lista ella es la primera. Sus frases típicas son ¡acusalo con tu mamá! (o con tu papá en caso de la Chilindrina y Ñoño) ¡fue Serafina! (cuando hace algo malo y quiere safarse del problema echandole la culpa a su muñeca). En algunos episodios parece estar enamorada de Ñoño. En la serie animada (al menos 1º temporada) sustituye a la Chilindrina.

Notas y curiosidades

Ramón Valdés vuelve al programa en 1981, regresando a su personaje de don Ramón en El Chavo y de Super Sam en El Chapulín Colorado. Cuando él volvió, los personajes de Jaimito el cartero y doña Nieves desaparecieron, al igual que el restorán de doña Florinda. Entonces, se volvieron a grabar viejos capítulos de la serie. Sin embargo, ese mismo año don Ramón se retira del programa nuevamente. Para justificar su salida, la Chilindrina le comenta a doña Florinda que "se fue al extranjero, y no va a volver hasta que sea millonario", dando a entender que él nunca volvería. En 1982, Jaimito volvería a tomar el lugar de don Ramón, esta vez adquiriendo mucha de su personalidad y mudándose a la vecindad.

Gomez Bolaños ha establecido batallas legales con los antiguos actores del Chavo del Ocho para evitar que usen los personajes del programa sin su consentimiento. Ésta es una de las razones por las que Villagrán se mudó a Argentina, donde puede usar el nombre de su personaje ya que Gomez Bolaños no tiene derechos de autor en ese país.

En el único capítulo en que Doña Florinda no le pega una cachetada a Don Ramon es en el capitulo "La marca del Chavo del 8" ya que el Chavo le pega a Quico con una regadera y cuando Doña Florinda le va a pegar la cachetada Don Ramón le dce a doña Florinda "Dejeme demostrarle que yo no le pege" y mostrandole la regadera le dice: "Mire la marca del Chavo"

El tema musical de esta serie se llama "The elephants never forgets" de Jean Jacques Perry y esta basado en una obra de Beethoven, llamada "La marcha turca hacia las ruinas de Atenas"

La serie tuvo alrededor de 420 episodios, todos de 30 minutos, incluídos los comerciales.

El Primer programa fue se transmitió un 2o de junio de 1971. Aquí se lo mostramos en video:

Viviana: 1978

2008-02-07T18:34:00.000-05:00

Colorina fue la telenovela que le dió fama y popularidad a Lucía Mendez en 1980, pero la que le dió la oportunidad de interpretar un protagónico fue nada menos que la telenovela Viviana, que junto con un joven Hector Bonilla dieron forma a este culebrón azteca en el año 1978.

La telenovela se hizo famosa por las candentes escenas de amor, bastante atrevidas para la época. Ese final, en que Viviana se queda con el antagónico en vez del protagonista, fue exigido por el propio público. Me acuerdo que la pasaban en América TV. de lunes a viernes a las 9 pm. Aquí en Perú todos los hogares se prendían del televisor a esa hora. Yo de vez en cuando la miraba, las tareas escolares me lo impedían.

Hagamos un esfuerzo, y hablemos del trama de Viviana, es una historia un poco inverosimil pero que tratándose de novela, todo vale. Jorge Armando (Bonilla) pasa unas vacaciones en un pueblito de pescadores donde conoce a la bella Viviana. Se enamora, se casan, pero luego él regresa a la capital dejando atrás a su esposa. Tras unos meses, Viviana decide viajar en busca de su esposo, sin saber que él se ha enredado sentimentalmente con Gloria , hija de su jefe. La llegada de Viviana, puede arruinar los planes de Jorge quien está a punto de casarse con Gloria. Para ocultarla, le consigue alojo en una residencial donde la visita de vez en cuando, contándole mil mentiras. La dueña de la casa de huéspedes es una mujer amargada, que una vez regentó un burdel. Hace amistad con Viviana, esperando poder explotarla como prostituta. La embarazada Viviana descubre la traición de Jorge Armando que se ha casado con Gloria y también los siniestros planes de su nueva amiga. Logra huir y encuentra trabajo en casa del médico Julio que la apoya y se interesa en ella. Jorge Armando, harto de los desplantes de Gloria, intenta reconquistar a Viviana con nuevas mentiras, pero le sale al paso un formidable rival, su propio suegro.

Viviana fue una telenovela insólita para su época pues trataba de una joven ingenua en una casa de citas. Sin duda la belleza de Lucía fue esencial para sostener esta trama en la que la música fue un fuerte cómplice emotivo para que los espectadores nos involucráramos con el conflicto de Viviana. Nunca olvidaremos los ojos de Gloria-Maricruz Olivier, el torso desnudo de la Mendez, la simpatía de Sara García y Eduardo Alcaraz, la maldad de la Encinas. Por sobre todo, el cuadro de Viviana-abuela de doña Beatriz y la elegancia de Isabela Corona. La última actuación de Emma Roldán, y los ojos de miel de Lucía, siempre Lucía.

El tema musical de la telenovela fue muy popular, sobretodo el interpretado por la misma Lucía Mendez. Viviana fue la segunda telenovela en Mexico en tener soundtrack grabado especificamente para la telenovela por la misma Lucia Mendez, ella cantaba el tema de la telenovela y el disco contenia la musica de fondo creada especialmente para cada personaje de la telenovela. En ese tiempo todavía una suspiraba, al ver a dos personas del sexo opuesto corriendo en la orilla de la playa y estrechándose en un abrazo que termina con un apasionado beso. Eso ahora resulta hasta cómico y cursi. Los tiempos han cambiado no es así? Sabía usted que: La actríz pensada para esta telenovela fue la argentina Christian Bach y que por compromisos contraidos no pudo aceptarla. Esto esta registrado en una entrevista que le hacen a la Bach en Febrero de 1983 en la revista Cosmopolitan.

Ese mismo 1978, gracias al éxito de la telenovela, Lucía Mendez filma la producción méxico-americana The Children of Sanchez. Ahora a Lucía la tenemos interpretando a una tía en la nueva producción de Televisa Amor sin maquillaje celebrando los 50 años de sendos culebrones. Luce diferente, la cirugía plástica le ha cambiado totalmente las facciones.

Reparto principal

Lucía Méndez .... Viviana Lozano Héctor Bonilla .... Jorge Armando Moncada Juan Ferrara .... Julio Montesinos Maricruz Olivier .... Gloria Carlos Cámara .... Don Jesus Isabela Corona .... Consuelo.

Reparto secundario

Claudio Brook .... Don Anselmo Adriana Roel .... Delia Luisa Huertas .... Eloisa María Fernanda .... Mari Loli Moreno German Robles .... Manuel Rosa María Moreno .... Beatriz de los Reyes viuda de Cabrera Emma Roldán .... Matilde Lily Inclán .... Matilde Miguel Córcega .... Don Gerardo Aparisio Javier Marc .... El Gordo Raquel Olmedo .... Sonia Sara García .... Doña Angustias Rubio Montesinos Miguel Palmer .... Jaime Ordones Tamara Garina .... Vera Beatriz Aguirre .... Luz María.

Inés Rodena (historia original) Luis Reyes de la Maza (adaptación)

Dirigida por Dimitrius Sarrás.

Producida por Televisa SA.

Guardianes del Espacio

2008-02-04T17:23:00.001-05:00

Hace unos días por el cable tuve la oportunidad de volver a ver la serie animada "Los Guardianes del Espacio" y entró en mi la nostalgia de volverla a ver ahora a todo color y ya bien mayorcito.

Esta serie fue creada por el productor y muy versatil Gerry Anderson, inventor de la supermarionation -animación de marionetas- en series como Stingray y Joe 90. Thunderbirds, Guardianes del espacio, cuenta una historia futurista. Estamos en el siglo XXI y Jeff Tracy, un ex-astronauta, amasa una gran fortuna y decide que debe usarla en beneficio de otros. Por eso crea Rescate Internacional, un servicio de emergencia equipado con vehículos que actúan en situaciones críticas tanto en tierra y mar como en el aire o el espacio.

En un mundo no muy lejano, los gobiernos del mundo cuentan con una inestimable ayuda para mantener la paz y el orden y para efectuar las misiones de rescate más peligrosas. Se trata de "Rescate Internacional", el equipo creado por Jeff Tracy que tiene su cuartel general en la secreta Tracy Island y sus cinco hijos varones, dedicados en cuerpo y alma a su misión, forman un equipo invencible, dotados de los más sofisticados modernos vehículos y armamento.

Piloteando el Thunderbird 1 se encuentra Scott. Virgil está a los mandos del Thunderbird 2, una especie de gigantesca nave de transporte. Alan pilotea el Thunderbird 3, Gordon el 4, un vehículo acuático conocido también como el Aquanáutico. Finalmente tenemos a John, que estaba desplazado en el Thunderbird 5, la estación espacial que hace las veces de satélite que pone en contacto al equipo con las señales de socorro que puedan llegar de cualquier lugar de la Tierra.

Anderson, creador e impulsor de otras series del mismo estilo como "Supercar" o "Capitán Escarlata" la produjo en 1964 −una adaptación de un viejo radioteatro norteamericano, pero llevado al futuro que iba en las tardes por Canal 5, los domingos, después de las películas− Guardianes del Espacio fue uno de los espectáculos televisivos más originales de la década de los sesenta, incorporando un nuevo sistema de producción de series de ciencia ficción, el de las "Supermarionetas".

Estas marionetas lo único que les faltaban era pensar por si mismas. Existía un gran grupo humano encargado de darles animación. Era tanta la pericia que estos muñequitos podían tomar café o fumarse un cigarrillo. Se veían tambien los hilos que le daban el movimiento, ahora en estos tiempos, con la ayuda del proceso digital los borrarían. Para tener mas de 40 años de creada esta serie sigue siendo vista en muchos países y tiene una gran legión de seguidores, uno de ellos soy yo.

"Guardianes del Espacio" siempre fue propalada por Canal 7 , despues de algunos años la vimos tambien los sábados por la mañana poe canal 4 America TV y su tema musical fue grabado por el legendario grupo de rock instrumental británico "The Shadows".

Recordemos a los Guardianes del Espacio...

El Globo Rojo: El inseparable amigo

2008-01-31T11:50:00.000-05:00

Ciertamente un globo simboliza la alegría, en especial si pertenece a un niño. La otra noche escuché después de muchos tiempo una canción muy antigua, cuando era niño. El Globo Rojo se llamaba y la interpretaban a comienzos de los setenta Los Tíos Queridos. Este tema trajo también a mi mente una película que vi de niño. Un film francés del mismo nombre que resultó una obra de arte para mí en aquel entonces y que ahora después de tantos años que la he vuelto a ver cala en mí mucha ternura y dice mucho de la sensibilidad del director de aquel mediometraje de tan solamente 36 minutos de duración.

Esta película data de 1956. Ganó un oscar por Mejor Guión Original, categoría infantil . Trata de un niño solitario encuentra un globo rojo... ¿o quizá es al revés? Y ambos, el niño y el globo mágico, vagan por las calles de París. Allí donde va el chico, el globo no anda detrás. Y cuando el pequeño se mete en problemas, el globo acude al rescate. Un poético mediometraje (protagonizado por el propio hijo del director; un niño de 4 años de edad), sin apenas diálogos, que fue sorprendentemente galardonado con el Oscar al mejor guión original. La Dirección y el guión estubo a cargo de Albert Lamorisse, su hijo Pascal Lamorisse es el protagonista. Además participan Sabine Lamorisse, Michel Pezin, Georges Sellier, Wladimir Popof, René Marion, Paul Perey.

La excelente música a cargo de Maurice Le Roux, que conjuga muy bien con las callees angostas y cielo gris de Paris. Hace que la película encierre al espectador en un mundo de romance e inocencia en cada acorde. Al igual, la fotografía de Edmond Séchan cumple similar rol en el film, llevandonos a vernos en el niño a nosotros mismos.

En el film se pone de manifiesto la simbiosis perfecta existente entre el niño y su juguete. El juguete para el infante es su verdadero amigo, más aún cuando se trata de un niño que está en la primera infancia como el protagonista de la película. “El globo rojo” es un mediometraje tan simple como aleccionador. Una propuesta sacada directamente del neorrealismo inyectándole una sobredosis de cine fantástico y mudo. Por algo “Milagro en Milán” era tan sorprendentemente buena. Porque “El globo rojo” es parte de su herencia y alargada sombra. Un ejemplo de cine sencillo y admirable.

Lo que más sorprende de este cortometraje es comprobar como un simple globo es capaz de ser un actor más con su propia personalidad y características. No se si el Oscar que se llevó fue merecido, pero el niño Pascal (en una increible interpretación) pasa por todos los estados anímicos posibles en la media hora que dura el filme; es como si el globo fuera una metáfora de la propia vida del niño. No deja de ser un relato infantil, pero lo veo de adulto y es capaz de dejarme al concluir su visionado, una sensación de buen rollo similar al que me dejaron otras películas como, por ejemplo, Amelie (también francesa).

A continuación la película íntegra en 4 capítulos...

Plaza Sésamo

2008-01-29T10:13:00.000-05:00

Esta serie/programa infantil cada vez que la veo de adulto me hace retroceder en el tiempo y encontrarme conmigo mismo en los setentas, ya casi un adolescente. Veía a mi hermano menor como sentado frente al televisor aprendía divirtiéndose a toneladas. Algunos personajes apracecían también en Los Muppets y me divertían mucho.

En una televisión en pañales, Plaza Sésamo llenaba un gran espacio dentro del público infantil ,en sus inicios. No había televisión por cable y era una muy buena alternativa. Ahora a Dios gracias existen programas que hacen que los chicos aprendan divirtiéndose como lo hacía y lo hace hasta ahora después de casi 40 años Plaza Sésamo.

Sesame Street conocida como Barrio Sésamo en España, y Plaza Sésamo en toda Latinoamérica es una serie de televisión educativa estadounidense dirigida a los niños en edad preescolar y pionera en el estándar educativo de la televisión contemporánea, combinando la educación y el entretenimiento. Sesame Street es muy conocida por sus personajes, Los Muppets en Latinoamérica, marionetas creadas por Jim Henson. Su primera emisión en los Estados Unidos fue el 10 de noviembre de 1969 por la cadena pública NET (actual PBS), llegando a un total 4.134 episodios en su temporada 37, conviertiéndolo en el programa para niños más duradero de toda la historia de la televisión.

Dicho programa usa una mezcla de títeres, animación y acción que enseñan a los niños pequeños lectura y aritmética básicas, colores, letras, números o los días de la semana. También incluye secciones que se centran en habilidades básicas, como el cruzar la calle con seguridad, la importancia de la higiene básica, etc. Muchas de las secciones del programa son parodias o copias de otros programas televisivos convencionales. Se incluyen a lo largo del programa diversos elementos de humor menos infantil para animar a los adultos a ver el programa con los niños, haciéndolo así apto para todas la edades.

Es un programa activamente multicultural e intenta incluir roles y personajes de todo tipo, incluyendo discapacitados, jóvenes y mayores y personas de diversas razas. Mientras algunas de las marionetas se asemejan a las personas, otras son animales o "monstruos" de tamaños y colores arbitrarios. El programa anima a los niños a darse cuenta de que hay gente de todas las formas, tamaños y colores y que no hay un 'tipo' físico mejor que otro. Cada uno de los títeres fue creado para representar una etapa o elemento específico de la niñez temprana, y los guiones escritos para que los personajes reflejen el desarrollo de un niño de determinada edad. Esto ayuda al programa a cubrir no solamente los objetivos de aprendizaje de diferentes niveles madurativos, sino también las preocupaciones, miedos e intereses de niños y niñas de diferentes edades.

La versión que vemos casi en toda latinoamérica es la versión mexicana, por razones de idioma y costumbres es la más facil de adaptarse. En México el programa inició en 1972, adaptando la calle de la versión estadounidense a una vecindad que se acoplaba mejor al contexto mexicano, y que fue llamada Plaza Sésamo. Después de más de 30 años, el programa se sigue transmitiendo con gran éxito por el mismo canal, pues desde sus inicios se ha transmitido por Canal 5 de Televisa con el nombre de Plaza Sésamo para posteriormente ser retransmitido por toda Latinoamérica en canales nacionales, regionales y de cable (Discovery Kids), con tal éxito que inclusive ha llegado a los Estados Unidos trasmitiéndose por estaciones de PBS (realizadora de la versión original) en la ciudades en que hay mayor cantidad de habitantes de habla hispana. En tiempos recientes fue tal el impacto de este programa que se creó en la Ciudad de Monterrey en México el parque temático de Plaza Sésamo.

Entre los personajes (títeres) más resaltantes setá Abelardo, Pancho Contreras, Lola, Archibaldo, Beto y Enrique, La Rana René, Elmo, Lucas, etc

La siguiente es una secuencia del programa de Plaza Sésamo que apareció antes en los Muppets. Recordar es volver a vivir.... Con ustedes, "Manamaná", que ha tenido muchas versiones después, aquí está la original...

Aeropuerto. Suspenso a bordo

2008-01-23T16:57:00.000-05:00

Aeropuerto (Airport) es una película de 1970. Aunque su argumento es complejo, y con mas de dos horas de duración. Aeropuerto fue la iniciadora del género de cine de desastres, estableciendo muchas las convenciones usadas por las películas de este género. La película se centra en los responsables de un aeropuerto, que tratan de mantenerlo abierto durante una tormenta de nieve, mientras un suicida armado con una bomba intenta hacer estallar un Boeing 707 en pleno vuelo. Se trata de una adaptación cinematográfica realizada por George Seaton de la novela homónima de Arthur Hailey, dirigida por el mismo Seaton y por Henry Hathaway y rodada en cinta de 70 milímetros por Ernest Laszlo. Fue la última película a la que Alfred Newman puso música antes de su muerte.

Era la época en que se juntaban un buen número de actores y donde se desarrollaban pequeñas historias paralelas en cada uno de los personajes. La mayoría de ellos eran muy famosos y los productores sabían que jalaban la atención del espectador.

Aeropuerto ganó un Oscar a la mejor actriz de reparto (Helen Hayes), y obtuvo nueve otras nominaciones: mejor película, mejor actriz de reparto (Maureen Stapleton), mejor dirección artística, mejor fotografía, mejor guión adaptado, mejor música, mejor montaje, mejor sonido, y mejor vestuario. La película obtuvo unos ingresos de más de cien millones de dólares en taquilla.

Se hicieron después 4 películas más sobre el mismo tema, donde fueron desfilando comnotados actores entre ellos están Alain Delon y Charlston Heston.

Reparto

Burt Lancaster como Mel Bakersfeld, director del aeropuerto
Dean Martin como Vernon Demarest, capitán del vuelo Trans-Global dos
Jean Seberg como Tanya Livingston, relaciones públicas de Trans-Global
Jacqueline Bisset como Gwen Meighen, azafata de cabina del Trans-Global dos
George Kennedy como Joe Patroni, jefe de mecánicos de la TWA
Helen Hayes como Mrs. Quonsett, pasajera
Van Heflin como D. O. Guerrero, antiguo contratista en bancarrota
Maureen Stapleton como la señora Inez Guerrero
Barry Nelson como el piloto Anson Harris del Trans-Global dos
Dana Wynter como Cindy Bakersfeld, esposa de Mel Bakersfeld
Lloyd Nolan como Standish, jefe de mercancías del Aeropuerto Internacional Lincoln
Barbara Hale como Sarah Demarest (hermana de Mel Bakersfeld, esposa de Vernon Demarest)
Gary Collins como Cy Jordan, segundo oficial/ingeniero jefe del Trans-Global dos

La Mujer Maravilla: Una mujer de maravilla

2008-01-17T12:23:00.000-05:00

La Mujer Maravilla (Wonder Woman en inglés) es una superheroína de DC Comics que aparece en historietas, dibujos animados y películas. Fue creada por William Moulton Marston, su primera aparición fue en la revista All Star Comics N° 8 (diciembre de 1941). Es una de las primeras superheroínas y podría decirse que es la más popular en su género.

La Mujer Maravilla es la Princesa Diana de Temiscira de las amazonas. Tomó su nombre de la diosa de la caza.
Fue formada en un principio por su madre en una figura de arcilla. Se le concedió vida por la súplica de su madre (Hipólita) a la diosa Afrodita. Concebida de este modo por gracia de una diosa, Diana creció siendo la más bella amazona de la Isla Paraíso, con la sabiduría de Atenea, tan fuerte como Hércules y más ágil y veloz que Hermes. Contrariando los deseos de su madre, con un disfraz logró escabullirse y ganar la competencia para elegir la amazona más poderosa, la que debía partir de la Isla para auxiliar a los mortales en su lucha contra el nazismo.

Con posterioridad, y como consecuencia de la saga Crisis en Tierras Infinitas (Crisis on Infinite Earths), su origen fue revisado por George Pérez. Otros autores que han realizado grandes aportes a la historia de Wonder Woman son: Mike Deodato Jr, en la saga titulada "El torneo"; Phil Jiménez, quien con la historia "La bruja y la guerrera" narró una saga épica donde Diana reúne a un ejército de heroínas para luchar contra la hechicera Circe; y, más recientemente, Greg Rucka, quien ha creado una de las mejores sagas actuales del personaje (con la que Planeta DeAgostini comenzó la publicación en España de los cómics del personaje) en la que cobran protagonismo los personajes secundarios que rodean a Diana.

Sus poderes incluyen el poder de vuelo, y un nivel de superfuerza similar al de Superman, es vulnerable pero es considerada a un nivel de diosa por el resto de los superhéroes, ya que no envejece, es inmortal posee una belleza extraordinaria y tiene la habilidad de aparecer con el atuendo de acuerdo a las necesidades, desde patinadora, nadadora, enfermera y vaquera.

Además de ser la embajadora de las amazonas hacia el resto del mundo, la Mujer Maravilla posee estupendas habilidades y dones superhumanos, concedidos a ella por los dioses griegos en su victoria. Entre ellos se incluyen un lazo mágico que obliga a decir la verdad y el cual es indestructible, su tiara que sirve como bumerang y unos brazaletes reflejantes de un metal oriundo de la Isla Paraíso llamado "feminum" a prueba de todo tipo de rayos, balas y otros proyectiles, además de que ella siempre prefiere fomentar la paz en lugar de la guerra y utilizar su persuasión que su superfuerza para someter a los malechores.
La Mujer Maravilla tiene dos debilidades: pierde sus poderes cuando es atada con su propio lazo mágico, y también si un hombre une sus brazaletes de modo que la dejan inmovilizada como si se tratara de unas esposas.
Ella también es miembro de la Liga de la Justicia y es considerada (en algunas versiones del Universo DC) la líder y más poderoso miembro de ésta luego de la muerte de Superman y hasta su regreso.

Más allá de sus cómics, ella es también conocida por una popular serie de televisión que estaba protagonizada por Linda Carter y fue filmada entre 1975 y 1979.

La exitosa serie televisiva con Lynda Carter comenzó con un programa piloto basado en los cómics de la guerra y refiere los orígenes de la Mujer Maravilla a la Isla Paraíso, ubicada en medio del Triángulo de las Bermudas por más de dos mil años sin aparecer en ningún mapa, ha estado habitada solo por Amazonas, mujeres que huían del machismo del Mundo Antiguo, y que han hallado en ese aislamiento los secretos de la Inmortalidad y el Poder. Pero en 1942, el malherido mayor Steve Trevor, piloto estadounidense que acababa de abatir en combate a un avión nazi, se estrella en esa misma isla. Por medio de él, las Amazonas se enteran que el mundo exterior está en guerra contra el Fascismo, que planea esclavizar a toda la humanidad. La reina amazona Hipólita decide enviar a la más poderosa guerrera que ayude a los Aliados a derrotar al Tercer Reich, que parece una re-edición de ese Imperio Romano del que una vez huyó su pueblo. La elegida resultará ser la bella princesa Diana, quien irá armada de potentes artilugios mágicos. Una vez en los Estados Unidos, deja a Steve en un hospital y casi inmediatamente comienza su lucha contra espías y saboteadores alemanes, que planean el bombardeo de Washington. Ahora, las fuerzas de la Tiranía y el Terror tienen una poderosa enemiga, quien lucha por la Libertad y la Democracia: ¡La Mujer Maravilla!

Curiosamente en la serie televisiva, aparece un poder adicional en la Mujer Maravilla: la habilidad de imitar voces; y el famoso "giro de trompo" al momento de sus "transformaciones" fue considerado como "demasiado simplón". Posteriormente, en las siguientes entregas, su súper-ventriloquia desaparecería, y sus "vueltas estilo balet" serán acompañadas por unos efectistas destellos y truenos, por idea de la propia Linda Carter. Y adoptará una segunda identidad como la militar Diana Prince (con anteojos gruesos y peinado conservador), siendo esta la encubierta nueva secretaria de Steve.

La Mujer Maravilla también apareció en las series de dibujos animados Los Superamigos, en los 70 y 80, y Liga de la Justicia y Liga de la Justicia Ilimitada en la década actual.

Para terminar diremos que se está gestando desde hace meses la filmación de la película La Liga de la Justicia, en donde la Mujer Maravilla todavía no tiene actriz que la personifique, entre muchas candidatas estarían, Liv Tyler, Sandra Bullock, Monica Bellucci, Catherine Zeta-Jones y Jennifer Connelly, pero la que más cerca está de serlo es la actriz norteamericana Jessica Biel.

Marco: "No te vayas mamá..."

2008-01-15T17:23:00.000-05:00

Este es un dibujo animado que se convirtió en un emblema de la época y significó practicamente una serie animada que acaparó la atención de chicos y grandes.

Marco (3,000 leguas en busca de mamá) se realizó basada en los primeros capítulos de la novela "Corazón, diario de un niño" .

Es una familia italiana, Marco es un niño de unos 12 años de Génova, norte de Italia. En su casa se vive en una situación de penuria económica; pero él es feliz con su familia y levantándose muy temprano para ayudar a su madre antes de ir al colegio. La historia se basa en Marco que vive con su papá Pietro, su mamá Anna y su hermano Toño pero el papá de Marco es doctor para gente pobre y debe pagar deudas y su mamá se debe de ir a la Argentina a trabajar para pagar las deudas. Por un tiempo se dejo de saber noticias de su mamá y Marco decide ir a la Argentina en busca de su mamá.

El choque resulta muy fuerte para el muchacho que no quiere quedarse sin su madre y decide entrar de polizón en un barco. Es descubierto y entregado a su padre; pero este, viendo su gran determinación, le da permiso para realizar el viaje hasta América.
La travesía transcurre sin incidentes y Marco gana algo de dinero trabajando; pero al llegar a Buenos Aires comienza los problemas propios de una persona salida de la seguridad familiar para entrar en una gran urbe como la porteña. Tampoco cruzar La Pampa resulta fácil por las largas distancia, el ser descubierto cuando iba de polizón en un tren, las enfermedades que sufre... Pero en todo momento los argentinos que va encontrando lo ayudan en la medida de sus posibilidas y consigue llegar a Tucumán donde está su madre.

Marco es un melodrama infantil, los capítulos y las canciones para muchos eran ventanas para la reflexión y para esperanza. Para otros sin embargo, esta serie fue un homenaje a lo lacónico y melancólico.

La novela de Marco muestra con crudeza, pero con un final esperanzador, el drama de la emigración italiana al final del siglo XX, tras las dos guerras mundiales. En aquellos momentos Italia vivió una época de crisis que se prolongó hasta los años 60, especialmente en las zonas del sur y de Sicilia. La carestía constante obligó a muchas personas a buscar trabajo en el industrializado Norte (especialmente Milán) y en otros países como Estados Unidos o Argentina.

Al igual que Heidi producida dos años antes, Marco fue una de las series del World Masterpiece Theater más populares y conocidas en Latinoamérica.
Nippon Animation llevó esta historia a la pantalla grande en el año 1999 en una producción cinematográfica.

Ficha Técnica

Nombre original
Haha wo Tazunete Sanzan Ri (3,000 leguas en busca de mamá)
Idea original
Basado en dos capítulos del libro "Corazón, diario de un niño" de Edmundo de Amicis
Serie de TV
52 episodios de 25 minutos
Año de producción
1976
Director
Isao Takahata
Guión
Kazuo Fukizawa
Diseño
Yoichi Otabe
Director artístico
Takashi Mukuo
Animación
Yoichi Otabe
Música
Koichi Sakata
Producción
Nippon Animation, Fuji TV

Pepe Ludmir: El Señor del Cine

2008-01-12T10:58:00.000-05:00

Siempre que tengo que referirme a un personaje o artista del pasado, siempre todo me lleva a recordar los inicios de Panamericana Televisión con casi 50 años trabajando por las comunicaciones en el Perú. Nadie puede negar que los personajes más queridos y recordados de la pantalla chica nacieron en esta televisora: Pablo de Madalengoitia, Kiko Ledgard, Pepe Ludmir, El tío Johnny, Augusto Ferrando, Humberto Martínez Morosini, Queca Herrero, Norma Belgrano y una interminable lista de cómicos que nos hicieron reír desde la época de El Tornillo hasta Risas y salsa.

El protagonista de la presente nota, es sin lugar a dudas el personaje del ambiente televisivo que más hizo carrera dentro y fuera de nuestra patria y fue conocido más en el mundo en aquel entonces: Don Pepe Ludmir.

Pepe Ludmir fue el hombre que más a conocido Cine de la televisón peruana y por largos años fue la imagen del Oscar en toda Latinoamérica.

Desde muy muchacho, el joven periodista limeño trabajó para una revista de orientación izquierdista , para luego escribir en el decano de la información escrita del país, El Comercio. Era los inicios de los años 50's. Se dice que la pasión por el cine nació de su amor por el futbol y por idolatrar a los grandes jugadores de aquella época. Victoriano de nacimiento, fue hincha hasta el día que nos dejó del Club Alianza Lima.

Después pasó a trabajar para Radio Panamericana, donde se iniciaba el contacto con el cine, arte que despertaba en él grandes pasiones. Es aquí donde con su programa Charlas de Cine. Su programa, como muchos recordarán, terminaban con un simpático "chau" a su mujer y, años más tarde, para su hija Sharon.

"Así como Sin querer queriendo", así como dice el Chavo del Ocho (personaje que también entrevistó) Pepe Ludmir tuvo la oportunidad de animar un evento que produce Guido Monteverde (crítico de espectáculos) y se convirtió en el primer animador/presentador internacional del medio. Ello le fascilitó su trabajo mas adelante como entrevistador de estrellas.

Finalizando la década, la televisón entra al país y es la oportunidad para Ludmir, no había en el país un personaje que sepa mas de espectáculos y conociera mas sobre la farándula extranjera que él. Fue contratdo por Canal 13, en aquellos días Panamericana Televisión. Tenía que cubrir información sobre Hollywood y similares y eso lo hizo muy feliz. Se sentía como pez en el agua, y encima le pagaban por ello. Por aquellos años viaja anualmente a Hollywood para asistir a la entrega del Oscar. Es ya un rejugado cazador de estrellas, a quienes entrevista con mucha habilidad y una buena dosis de humor. Sería muy aburrido poner en este artículo la lista de las personalidades que Pepe Ludmir presentó o entrevistó. lo cierto es que marcó un hito en la televisión nacional y extranjera en este rubro de las comunicaciones. Tanto así que hasta ahora no existe la persona que lo haya podido superar.

Panamericana se transformó en canal 5 y es donde Ludmir formó parte de aquel grupazo de personajes que dió impulso a la televisión que empezaba a crecer. Trabajó al lado de Mannie Rey, y Jenny Vasquez Solís, en Cincovisión. También participó en programas concurso como "Triangulo" al lado de Norma Belgrano y de Humberto Martinez Morosini. Participó en exclusiva en el programa de nombre "Peru"que se transmitía los sábados de 1 pm. a 8 pm., siendo el más largo en duración hasta ahora.

Con el paso de los años deviene en productor y director de radio y televisión. En noviembre de 1973, año en que celebra 25 años en los menjurges de las comunicaciones, lo encuentra al frente de 24 Horas, un programa al que buscó darle un formato distinto al que se transmitía, con el mismo título, en otros países: la informalidad. Poco después viajaba a los Estados Unidos, instalándose definitivamente en California, los Angeles.

Recordamos al hombre, buen profesional, padre muy amoroso y esposo considerado. Soportando su asma, hipertensión arterial, y obesidad, hicieron que su salud se viniera a menos y se alejó de nosotros durante febrero de 1996. Una joya más que la televisión peruana tuvo alguna vez.

NINO: Las Cosas Simples de la Vida

2008-01-09T16:50:00.000-05:00

Nino: Las cosas simples de la Vida, es una de las telenovelas que quedan en el buen recuerdo de la gente que la vió atrapada todos los dias al aparato de televisión. Era la historia de la gente de barrio, gente de clase media baja. Cada uno de los personajes de la telenovela encerraba un universo muy rico en explotar y se interrelacionaba muy bien con el resto de los personajes.

Enzo Viena es el actor que da vida al bonachón Nino, él y su familia son inmigrantes italianos que llegan a probar fortuna a la capital de Argentina. Se encuentra con un grupo humano muy heterogéneo que convive con él ganándose el cariño de todos por su buen caracter y don de gente.

"Nino", emitida en 1971, fue un culebrón distribuido en toda Latinoamérica, y tuvo después una versión cinematográfica y otra teatral, posteriores al éxito televisivo de 1972. Fue una producción de Panamericana Televisón de Perú y Argentina. La mayoría de actores eran argentinos, seguidos de consagrados actores peruanos que dieron el toque magistral a la producción. Hasta ese entonces Enzo Viena no era tan conocido, despues de Nino fue muy famoso. Lamentablemente en los últimos días de su vida, Viena no se encontraba en una buena situación de salud y económica. Lo último que se levió realizar en Perú fue en"Mil oficios".

La emisión en Perú era por canal 5 (Telecentro de aquel entonces) todas las noches a las 8 pm. Grandes y chicos nos poníamos románticos con las ocurrencias del popular Nino. Fiel a su costumbre, Panamericana TV alarga y alarga la telenovela "Nino", resintiéndose la calidad y gastando episodio tras episodio en nimiedades-tengo la imágen borrosa de una fiesta en casa de Bianca que duró tres capítulos. En la boda-por fín-de Natalia con Renato, Nino y Bianca se quedan solos en el jardín y se besan apasionadamente. El beso, cuya duración y pasión sonrojaron a no pocas abuelas (el noticiero Panamericano lo cronometró debidamente) fue la comidilla de los días posteriores...

La trama es una historia de amor, simple, barrial. Siendo muy niño, Nino (Enzo Viena) llega a vivir a la Argentina desde Italia acompañado de su tío Ángelo. Crece en un barrio humilde tan común como cualquiera en otro país. Ya adulto y viviendo en un hogar que depende de una pequeña carnicería, Nino se enamora de su vecina Natalia (María Aurelia Bisutti), pero ella tiene grandes aspiraciones y su sueño es conquistar a su jefe, el de la joyería donde ella trabaja.

Nino cuenta sus penas de amor a doña Santa y a su mejor amiga, Bianca (Gloria María Ureta), una hermosa joven lisiada y ambos terminan enamorándose. Natalia consigue finalmente su objetivo y se casa con su patrón, pero pasado un tiempo descubre que su único amor fue y será siempre Nino, y vuelve para buscarlo pero ya es demasiado tarde: Nino está muy enamorado de Bianca y es maravillosamente correspondido. Bianca que es una joven de hermosos sentimientos se sacrifica y da otra oportunidad a Natalia intentando unirlos, pero Nino ha decidido firmemente que la madre de sus hijos debe ser Bianca y se queda finalmente con ella.

Esta telenovela fue escrita por los brasileños Geraldo Vietri y Walter Negrao y en 265 capítulos logró tal impacto en los distintos países latinoamericanos donde se exhibió que en Nueva York pasó a ser la primera producción de habla española que se transmitía en su idioma original por un canal norteamericano de habla inglesa, según informa una de las tantas reseñas de la telenovela.

Entre los protagonistas de este culebrón está la reconocida actuación de la primera actriz Elvira Travesí, radicada actualmente el España al lado de sus hijas también actrices. Gloria Maria Ureta, Bianca en la novela también es una de ellas. Por otro lado el actor argentino Osvaldo Cattone, luego del éxito de la novela vino al Perú y desde entonces está con nosotros. Ha desarrollado un estilo de teatro muy ameno y con clase desde entonces, montando obras de gran renombre y teneiendo un reconocido éxito en Perú.

Ficha Técnica

Nombre: "Nino... las cosas simples de la vida" Escritores: Geraldo Vietri y Walter Negrao Director: Martín Cloutet Productores: José E. Crousillat y Alberto Terry (1971, Panamericana Televisión, Perú y Saci, Argentina) Elenco: Enzo Viena, Gloria María Ureta, Elvira Travesi, Fernando Gassols, Carlos Muñoz, Agustín Alvarez, Tito Alonso, Hugo Ares, Tencha Bauzá, María Aurelia Bisutti, Roberto Bonet, Celia Cadaval, Eloísa Cañizares, Osvaldo Cattone, Stella Maris Closas, Emilio Comte, Noemí del Castillo, Cristina del Valle, Elda Dessel, Roberto Escalada, Alberto Fernández de Rosa, María Rosa Gallo, Maurice Jouvet,Liria Marín, Graciela Martinelli, José Luis Mazza, Pepita Muñoz, Arturo Puig y Alita Román entre otros.

Coches protagonistas de series de TV.

2008-01-03T10:23:00.000-05:00

El automóvil ha sido parte esencial de las series urbanas desde los comienzos de la Historia de la Televisión. Ver cualquier serie policial, desde THE UNTOUCHABLES (Los Intocables) hasta HAWAII 5-0 (Hawaii 5-0) equivalía también a dar por aceptada su preponderancia en la vida (o la muerte) de policías, hampones, testigos, civiles, etc.

Un automóvil deportivo era el medio de locomoción de agentes secretos como el Nro. 6 (Patrick McGoohan) de THE PRISONER (El Prisionero-1967/1968) o de investigadores tropicales, como MAGNUM P.I. (Magnum-1980/1988) o MIAMI VICE (División Miami).

Los típicos titanes con cilindros que la industria norteamericana lanzó a partir de los años '60, fueron moneda corriente en la locomoción de los principales detectives de la policía, tales como Telly Savalas en KOJAK (Kojak-1973/1978), STARSKY AND HUTCH (Los Aventureros-1975/1979), CANNON (Cannon-1971/1976) y una larga lista.

Algunos oficiales de la ley tenían autos europeos, y recordamos a los Bodie y Doyle de THE PROFFESIONALS (Los Profesionales-1977-1983). Otros, directamente, vivían en casas rodantes, como el detective encarnado por James Garner en THE ROCKFOLD FILES o Archivo Confidencial (1974/1980). Eventualmente, un grupo policial o para-policial se movilizaba en camionetas, como las Van de S.W.A.T. (S.W.A.T.-1975/1976) y THE A TEAM (BRIGADA "A"-1983/1987).

A medida que aumentaba la excentricidad del agente de la Ley y el Orden, también lo hacía la del automóvil. Así recordamos el Buick mod. 61 del investigador de seguros de SHANNON (1961/1962), el Peugeot del Teniente Peter Falk en COLUMBO (Columbo), el Chrysler Imperial mod. 66 de THE GREEN HORNET (El Avispón Verde-1966/1967) y el Ford Lincoln del Dúo Dinámico en BATMAN (Batman-1964/1966).

Las series policiales ambientadas en los locos años de la Prohibición, como THE LAWLESS YEARS (La Era Siniestra-1959/1961) o THE ROARING 20's (1960/1962) tenían el atractivo de mostrar coches de época (los cuales podían transportar a oficiales de la Ley o bien a gangsters que disparan sus ametralladoras a por las ventanillas). La lista de automotores en series es tan extensa como los recuerdos de los televidentes, pero la que sigue es una breve lista de series en las que estos formaron nudo central de la trama.

Ni hablar de las persecuciones entre carros, sobre todo en las series policiales, donde el director de la misma, daba rienda suelta a un sin número de maniobras acrobáticas y efectos especiales que hacían del espectador un protagonista más.

A continuación algunas series de antaño donde los coches eran las estrellas:
HIGHWAY PATROL (Patrulla de Caminos-1955/1959)
CANNONBALL (Los Camioneros-1958)
MY MOTHER THE CAR (Mi Mamá es un Auto-1965/1966)
MOVIN' ON (Los Camioneros-1974/1976)
KNIGHT RIDER (El Auto Fantástico-1982/1986)
HERBIE, THE LOVE BUG (Cupido Motorizado-1982)
HARDCASTLE AND McCORMICK (El Auto Rojo-1983/1986)
AUTOMAN (Automan -1983/1984)

Quédate con el más popular de todos: El Auto fantástico

Los Años Maravillosos

2007-12-31T12:22:00.000-05:00

Existen series de televisión que se hacen parte tuya, que te identificas con ella, que te hacen sentir el protagonista o que te invitan a reflexionar. Una de esas series que marcó un precedente en la televisión mundial es The Wonder Years.

The Wonder Years, también conocida como Los años maravillosos, Aquellos maravillosos años en España o Kevin, creciendo con amor en Argentina , fue una serie de televisión creada por Carol Black y Neal Marlens. Estuvo seis temporadas en antena, en la cadena estadounidense de televisión ABC, de 1988 a 1993.

Los años maravillosos lidiaba con los problemas sociales y acontecimientos históricos de los años 1960s y principios de los 1970s, vistos a través del personaje principal, Kevin Arnold,quien también afrontaba conflictos sociales de adolescentes (principalmente con su mejor amigo Paul, y Winnie Cooper, en quien estaba interesado sentimentalmente) problemas familiares y otros temas.

La nostalgia es su principal virtud, ya que está narrada con voz en off del mismo Kevin cuando viejo (y que me recuerda la gran película Cuenta Conmigo). Todas esas cosas estúpidas por las que todos alguna vez pasamos están relatadas con acertivo humor. Y aunque suene cliché, es imposible no sentirse identificado con Kevin.

Siempre me pareció una serie genial, donde se ponía en vitrina, la vida e intimidades de una familia promedio de cualquier parte del mundo. Hoy que la vuelvo a ver, con muchos años, experiencias y conocimientos que no tenía la primera vez, descubro la enorme calidad de la serie, la producción es impecable, los diálogos, doblaje y actuaciones perfectas. pero quizá lo que estoy reedescubrindo con mas gusto es la excelente forma en que la serie está musicalizada.

Mientras las historias se desarrollaban, la historia era narrada por un Kevin más viejo y sabio (cuya voz es la de Daniel Stern) que describía lo que estaba pasando y lo que había aprendido de sus experiencias. En Argentina se televisó con un doblaje al español que aún hoy es recordado por quienes seguían la serie a comienzos de los '90. Dicho doblaje es sumamente buscado -esto puede chequearse muy fácilmente recorriendo un par de foros- para ser descargado de internet por quienes desean volver a ver aquella maravillosa serie.

El tema musical de la serie fue la versión de Joe Cocker de la canción de los Beatles "With a Little Help from My Friends". La canción fue incluida, junto con otras en la banda sonora del programa y que hiciera famoso a Cocker en el Festival de Woodstock.

Reparto

Kevin "Kev" Arnold (Fred Savage)- (nacido en 1976) Un adolescente norteamericano medio que asiste a una escuela secundaria (luego a la preparatoria) mientras está creciendo, a finales de los 1960s y principios de los 1970s. (115 episodios, 1988-1993)

Gwendolyne "Winnie" Cooper (Danica McKellar)- Principal interés amoroso de Kevin. Aunque Kevin en algunos capítulos al conocer a alguna otra se podía interesar. Vive en la misma calle que Kevin. El primer beso de ambos y la muerte del hermano mayor de Winnie en Vietnam fueron muy importantes en el episodio piloto. (80 episodios, 1988-1993)

Paul Pfeiffer (Josh Saviano)- El mejor amigo de toda la vida de Kevin. Es un excelente estudiante, extremadamente inteligente. En el episodio final se revela que irá a Harvard a estudiar la universidad. Es alérgico a todo. (91 episodios, 1988-1993) Se dijo equívocadamente que se convirtió en el cantante Marilyn Mason.

John "Jack" Arnold- (Dan Lauria) El padre de Kevin, un veterano de la Guerra de Corea. En el programa es un padre muy cerrado y serio. Originalmente trabajó en NORCOM, una enorme corporación, como Gerente de Distribución y luego como Gerente Regional, odiaba tener superiores, por lo que más tarde iniciaría su propio negocio construyendo y vendiendo muebles hechos a mano. (93 episodios, 1988-1993)

Norma Arnold (Alley Mills)- La madre de Kevin, pocas veces sale de casa. Es muy amigable y se podría decir la que tiene mas espiritu en la casa. Conoció a Jack en los primeros semestres de la universidad. Cuando él se graduó, ella se mudó al otro lado del país con él y no concluyó la universidad. (91 episodios, 1988-1993)

Karen Arnold (Olivia d'Abo)- La hippie hermana mayor de Kevin. Eventualmente se casa y se va a vivir a Alaska. Su única aparición en la temporada final es en el último episodio. (53 episodios, 1988-1993)

Wayne Arnold (Jason Hervey)- El hermano mayor de Kevin, quien disfruta torturando físicamente a Kevin y Paul. Es el hermano tarado que si alguien se levanta diría "¿Me Puedo Comer Eso? Se hace cargo del negocio de los muebles cuando Jack Arnold muere, durante el epílogo del futuro en el último episodio. (96 episodios, 1988-1993)

Pixie y Dixie vs. Jinks

2007-12-27T12:24:00.000-05:00

Pixie y Dixie son los personajes de la historieta de Hanna-Barbera, este par de ratones y su eterno enemigo el gato Jinks contribuyeron substancialmente a la popularidad de El Show Huckleberry Hound, a partir del 1958 hasta 1962. Pixie y Dixie son una encantadora variación del perpetuo tema de la persecución entre el gato y el ratón. Puede ser considerado como una parte importante de los dibujos animados, esto debido a que fue parte del primer show de animacion en tener exito en la television.

Los ratones con acento sureño presentan la continua lucha de intentar ser más hábiles que el gato Sr. Jinks (con acento andaluz... ¡¡¡MALDITOS ROEDORES!!!) , que en ingles original era ("I hate meices to pieces!!!"), quien, incidentalmente, odia a los ratones.

Canal 4 América Televisión en Perú pasaba esta serie de dibujos animados los sábados por la mañana a finales de la década de los sesenta. Felizmente la televisión por cable permite hasta ahora poder disfrutar de estos divertidos dibujos animados.

Se duración por capítulos era muy corta, bordeaba los 5 a 10 minutos por episodio. Era parte de otro dibujo animado: El Show de Huckleberry Hound (HH) que debutó el 2 de octubre de 1958 y estaba compuesto por tres segmentos, el propio HH, el Oso Yogi (que tiempo despues tendría su propia serie), y Pixie & Dixie, el cual contaba las historias de 2 ratones (cuyos nombres daban el titulo al segmento), y un gato llamado Mr. Jinks, que les hacia la vida imposible.

William Hanna y Joseph Barbera tomo la idea de Tom & Jerry, que habia sido un gran exito cuando ellos dirigian en MGM, con la diferencia de que en P&D eran 2 ratones, y el T&J era solo uno, y ocasionalmente aparecia un pequeño ratón acompañando a Jerry.

Muy entretenida, muy sana que a diferencia de la versión original en inglés, el doblaje realizado por mejicanos le agregaron un plus. El gato Jinks tiene acento español-andaluz, y los ratoncitos Pixie y Dixie "hablaban" con acento cubano y mejicano, que los hacían inconfundibles en la caricatura animada. El doblaje en castellano se hizo en México con las actrices Amparito Garrido* (Pixie), con acento mexicano y Carmita Arenas* (Dixie) con voz cubana. En tanto el gato Jinks fue doblado por el actor español Florencio Castelló (el mismo actor que interpretaba al personaje apodado "el curro" en la serie cubana"Trespatines") , quien le dio una especial personalidad al personaje (Odio a eto´s marditos roedores), convirtiéndose en el protagonista de la historia, donde siempre salía mal parado, pero se daba ciertas licencia, por ejemplo conversar con el televidente.

Feliz Navidad para Todos!

2007-12-24T19:00:00.000-05:00

Desde hace 2007 celebramos año tras año este gran acontecimiento que es el nacimiento de Jesucristo. Seamos creyentes o no, la Navidad encierra un lindo misterio y hace que los seres humanos enlacemos nuestros corazones y compartamos el amor de infinitas maneras. La Navidad es diferente para cada uno. Te dejamos con algunos temas que hablan de la Navidad, cada uno en su estilo, en su tiempo y en su espacio.
La Esquina de Pulpín te desea lo mejor en estas fechas llenas de unión y amor. Que el próximo año colme tus anhelos.....

Las Canciones más vendidas de la Historia

2007-12-21T15:31:00.000-05:00

Canciones que nos invitan a bailar, otras a recordar un bello momento. Todas estas canciones tienen algo en común. Fueron hechas para nunca ser olvidadas y tienen en su haber la distinción de ser las canciones más vendidas de la historia:

Macarena es una canción del dúo Los del Río, sobre una mujer del mismo nombre de vida desenfadada y con una moralidad peculiar.Tuvo mucho éxito entre 1995 y 1997, aunque fue editada sobre 1993 en su versión original. Posteriormente, fue reeditada por una multinacional discográfica y lanzada al mercado mundial, obteniendo tal éxito que se prolongó durante años.

Llegó a estar durante tiempos récord en las listas de éxitos como número 1. Se escuchó en la final de la Superbowl norteamericana y fue utilizada como música de campaña electoral por el Partido Demócrata, obteniendo Bill Clinton la reelección como Presidente de Estados Unidos.

"We Are the World" es una canción escrita por Michael Jackson y Lionel Richie en 1985, producida por Quincy Jones y grabada por un gran grupo de músicos famosos formado especialmente para la ocasión que se denominó USA for Africa (United Support of Artists for Africa). La grabación de la canción se realizó el 28 de enero de 1985 y publicada el 7 de marzo del mismo año por el sello Columbia Records. Los beneficios obtenidos por la canción fueron donados a una campaña humanitaria para intentar acabar con la tremenda hambruna en Etiopía.

Aserejé es la canción más conocida del grupo musical pop español Las Ketchup. Fue conocida en todo el mundo.El estribillo es la primera estrofa del “Rapper's Delight" grabado por Sugarhill Gang en 1979, “traducido” fonéticamente al español. De aquí nace la historia incierta de que era un tema satánico.

Toda esa invención de que era satánica surgió en un periódico en Chihuaha y por lo mismo hubo estaciones de radio que prohibieron la transmisión de la canción, explicando sus razones:
"A la redacción de un conocido periódico Mexicano llegaron inquietudes en el sentido de que al desarticular el título de la canción, "Aserejé", se desprende la letra "A" (cuyo significado es uno), continúa la palabra ser (de ser) y las últimas tres letras forman la palabra eje, (sin hache), es decir, "un ser hereje".El primer párrafo de la canción inicia de la siguiente manera; "Mira lo que se avecina, a la vuelta de la esquina viene Diego rumbeando..." Aquí, según los críticos, no aparece nada extraño, salvo el nombre Diego, que se interpreta como un mensajero, y la palabra "rumbeando", de rumbo o rondando. Y continúa:"Con la Luna en las pupilas y en su traje agua marina van restos de contrabando..."

Caribe, fue un tema que rompió todos los records de venta en 1985 y gran parte de 1986. Fue una canción compuesta por Willy Chirino e interpretado sesacionalmente por la Dama del Caribe Angela Carrasco. Este tema muy amplio en duración mostraba a manera de medley un sin numero de temas propios de iberoamérica.

La Lambada es tanto una canción como un estilo de baile erótico de algunas zonas del Norte de Brasil. Conocida como "La Lambada" en portugués ("latigazo"), en francés ("coup de fouet"). Es una mezcla de carimbó, reggae, salsa y merengue. Esta canción cantada en portugués, fue un éxito musical llevado a la cima de las mediciones internacionales, a fines de los años 80, por el grupo "Kaoma", quienes plagiarón la canción "Llorando se fue" del grupo boliviano Los Kjarkas. El video de la Lambada, que popularizó este baile en todo el mundo, se filmó en un chiringuito de la isla de Tagomago, en el noreste de la isla Ibiza.

Existe además una lista de temas que sonaron más y por lo consiguiente se vendieron más copias rompiendo todos los records de ventas en el mundo. Esto en la segunda mitad del pasado siglo XX:

1. YESTERDAY The Beatles
2. (I CAN'T GET NO) SATISFACTION The Rolling Stones
3. SMELLS LIKE TEEN SPIRIT Nirvana
4. LIKE A VIRGIN Madonna
5. BILLIE JEAN Michael Jackson
6. I WANT TO HOLD YOUR HAND The Beatles
7. RESPECT Aretha Franklin
8. ONE U2
9. I WANT YOU BACK Jackson Five
10. I WANT IT THAT WAY Backstreet Boys

NOTA: Para ver y escuchar los clips, tienes primero que anular el video de la página que se encuentra en la columna lateral del blog.

Infierno en la Torre: Cine Catástrofe

2007-12-19T18:31:00.000-05:00

The Towering Inferno, en latinoamérica Infierno en la torre, es una película de 1974 basada en las novelas The Tower (La torre) de Richard Martin Stern y The Glass Inferno (El infierno de cristal) de Thomas N. Scortia y Frank M. Robinson. Probablemente la mejor de las películas de catástrofe. Ganó tres Oscar y fue nominada a cinco más.

El edificio más alto del mundo acaba de ser construido en San Francisco, y se organiza una fiesta con numerosos invitados en la sala de baile situada en la planta más alta del edificio. Antes de la celebración, el promotor del rascacielos (William Holden) se entera de que su yerno (Richard Chamberlain) ha introducido modificaciones en los detalles técnicos del edificio, con el propósito de emplear materiales de menor calidad. La fiesta ya ha comenzado, cuando saltan chispas en la instalación eléctrica de uno de los pisos, y se origina un incendio que se propaga rápidamente a los pisos sueriores. En un edificio tan alto los bomberos no pueden controlar un fuego de esa magnitud, por lo que intentan evacuar a los invitados de la fiesta de todas las maneras posibles. El jefe de bomberos (Steve McQueen) dirige las operaciones y está en contacto con el arquitecto del edificio (Paul Newman), quien le explica las características del rascacielos. Ante una situación cada vez más desesperada, el arquitecto tiene una idea que tal vez resulte.

Aparte de la espectacularidad de algunas escenas y el suspense que provoca en el espectador, el filme brindó la oportunidad de ver tras un largo paréntesis a viejas estrellas como Fred Astaire, famoso en los años 30 y 50 del siglo XX, o Jennifer Jones. William Holden hizo también en ésta película una de sus últimas apariciones cinematográficas.

Aquí en el Perú se estrenó en junio de 1975, fue un gran suceso, los cines de Lima se abarrotaron de gente. Eran tiempos que ese tipo de película llenaban salas enteras y la reventa ilegal de entradas era un gran negocio. Era la moda en realizar films de temas catastróficos, Tiburón y Terremoto eran también buenos ejemplos de este tipo de cine. Como género, el cine catástrofe es uno de los más despreciados. No es difícil comprender el por qué; se trata de un género que se basa en los efectos especiales y, mientras tarda en llegar la gran secuencia de FX hay un enorme y largo relleno de drama de stock protagonizado por estereotipos.

El director de esta película fue Irwin Allen. Él era un productor y director que había obtenido un modesto éxito con Viaje al Fondo del Mar (1961), la que luego terminaría por adaptarla como serie de TV, y comenzaría una larga trayectoria como productor televisivo. De esa epoca datan la series Viaje al Fondo del Mar (1964 - 1968), Perdidos en el Espacio (1965 - 1968), El Tunel del Tiempo (1966 - 1967) y Tierra de Gigantes (1967 - 1970). La series de Allen se basaban en ciencia ficción, y terminaban por ser flagrantes copias de otros clásicos (20.000 Leguas de Viaje Submarino, Robinson Crusoe, La Máquina del Tiempo o Los Viajes de Gulliver), con presupuestos mínimos, conceptos científicos atroces y guiones terribles. El éxito de Allen se basaba en la fascinación del público por la idea que él vendía, pero con el tiempo ni los ratings ni los ejecutivos de los canales terminaban por soportar los bajos niveles de calidad de sus productos. Decidido a dar el gran paso, Allen regresaría al cine; casualmente el éxito de Airport (1970) le daría la señal de que el público gustaba del cine catástrofe, y se lanzaría con La Aventura del Poseidón (1972) en el género.

Con Infierno en la Torre, es la segunda incursión de Allen en el género. Y posiblemente sea la mejor de las películas de desastres de los 70. La génesis del proyecto fue algo curiosa; con el cine catástrofe en boga, la Warner adquirió los derechos de la novela The Tower, para descubrir que 8 semanas después Allen había comprado para la Fox la opción sobre el libro The Glass Inferno. En The Tower, un terrorista suicida detona una bomba en la base de un edificio mientras una fiesta VIP se desarrolla en el penthouse del mismo y los invitados quedan atrapados. Mientras, en The Glass Inferno la baja calidad de los materiales de construcción es alertada por el arquitecto del edificio mientras un incendio comienza a devorar el rascacielos. Como las tramas eran parecidas, la Warner y la Fox se aliaron y pusieron a Allen a cargo del proyecto. Allen trajo al guionista Stirling Silliphant (premiado por la academia por el libreto de In The Heat of The Night), que se puso a mezclar historias y personajes de las dos novelas, amén de aportar ideas originales.

Infierno en la Torre es larga, excesiva y pretensiosa como todas las películas de cine catastrofe. Dura dos horas y media que, a pesar de un buen ritmo, terminan por sentirse. El film realiza unas cuantas cosas bien: no hay demasiadas historias - al contrario de las interminables parejas de viejitos enamorados, esposos engañados, ladrones, suicidas, etc. que suele ofrecer el cine de aeropuertos -; a los pocos minutos de iniciada la película ya estamos involucrados con el siniestro; la evolución del mismo tiene cierta tensión; hay algunas muertes sorpresivas y espectaculares; hay unas cuantas buenas actuaciones; y no satura demasiado al espectador con ridículeces. El problema es que en su fase intermedia, cae en todos los clisés y las fallas que se le atribuyen al cine catástrofe. Cuando la Sra. Mueller baja a rescatar a la madre sorda y sus hijos, uno se agarra la cabeza. Es una escena terriblemente mala, predecible, absurda, seguida de la clásica prueba muscular del género - donde una escalera o puente se desmorona y todos los actores pasan de un modo interminable por dicho obstáculo -. Pero después retoma bastante bien el ritmo y se deja ver.

Actores:
John Guillermin
William Holden
Faye Dunaway
Robert Wagner
Fred Astaire
Susan Blakely
Steve McQueen
Paul Newman
Richard Chamberlain
Jennifer Jones
Robert Vaughn

Hechizada: La Brujita encantadora

2007-12-13T17:03:00.000-05:00

Desde que apareció la televisón, ésta nos cambió la vida. Nos abrió nuevos mundos y nos hizo soñar. Los protagonistas de los programas se convirtieron en nuestros ídolos; a quien no le gustó parecerse a Lee Mayors o a Linda Evans. La mujeres se enamoraron de El Santo y los hombres de Hechizada. Los niños como nosotros gozamos de los Picapiedra y todos los dibujos de Hanna Barbera.

Hechizada, fue una de las series con mayor éxito en la segunda mitad de los años sesenta. La mayoría de chicos de la época se enamoraron de Samantha, una bellísima bruja que hacía las delicias de grandes y pequeños.Las mujeres envidiaban su vestidos, nuestra bruja siempre iba a la moda, y la facilidad que tenia para hacer las tareas domésticas con solo un movimiento de nariz.

La serie está basada en una película de los años 40, protagonizada por Veronica Lake y Frederic March y de la cual hubo una nueva versión en los cincuenta llamada "Me enamoré de una bruja", cuyos protagonistas eran James Stewart y Kim Novak.

Samantha, la bruja protagonista se casa con Darrin, un publicista de Nueva York. Ella se propone dejar para siempre sus habilidades mágicas para vivir una vida como los mortales con su marido. Sin embargo normalidad es lo que falta habitualmente en casa del matrimonio Stephens, ya que la madre de Samantha hace que la vida en esa casa sea de lo más agitada.Por otro lado la galeria de personajes se completaba con Endora, la madre de Samantha siempre enfrentada a Darrin. También recordamos con un especial cariño a Tabitha y su peculiar movimiento de nariz cuando queria hacer brujeria, la Tía Clara, Maurice el padre, el Dr. Bombay y sus espectaculares apariciones, a Larry el jefe de Darrin y muchos otros como la vecina metiche , la sra. Gladys Kravitz y su esposo.

Ustedes sabían que para la filmación de los capítulos de la serie en donde la hija de ambos, Tabitha o Tábatha, aparecía, se requirió la presencia de dos gemelas, las hermanas Murphy?. Erin y Diane fueron las encargadas de darle vida a la niña. Claro que al crecer estas dos gotas de agua, ya no se parecían tanto y la chicoca Diane se retiro, dejándole el papel a su hermana.Después del brillo ni una obtuvo un rol importante. Erin sólo logró una continuación de la serie, que se llamaba Tabitha, durante el año 1978, sin mayor resonancia. Actualmente aparece en algunos clubes realizando shows y encuentros de amantes de la serie.Una curiosidad, estas chiquitas compartían el día de cumpleaños con la hija real de Elizabeth Montgomery.

El 24 de junio del año 2005 se estrena en los cines “Bewitched”, con los actuación de Nicole Kidman (Isabel/Samantha), Will Ferrell, Shirley MacLaine, Michael Caine y Jason Schwartzman. Bajo la dirección de Nora Ephron, la película entrega una versión adaptada, actualizada y romántica de la clásica serie de televisión de los 60s.

Reparto:

Elizabeth Montgomery: Samantha Stephens
Agnes Moorehead: Endora
Dick York: Darrin Stephens (1964-1969)
Dick Sargent: Darrin Stephens (1969-1972)
David White: Larry Tate
Alice Pearce: Gladys Kravitz (1964-1966)
Sandra Gould: Gladys Kravitz (1966-1971)
George Tobias: Abner Kravitz (1964-1971)
Erin Murphy: Tabitha Stephens (1966-1972)
Diane Murphy: Tabitha Stephens (1966-1968)
Greg Lawrence y David Lawrence: Adam Stephens (1969-1972)
Marion Lorne: Tía Clara (1964-1968)
Irene Vernon: Louise Tate (1964-1966)
Kasey Rogers: Louise Tate (1966-1972)

Dragon Ball: Las Esferas del Dragón

2007-12-10T11:27:00.001-05:00

Nunca penso su creador Akira Toriyama, el éxito rotundo que daría a la postre su historieta. Dragon Ball (Doragon Bōru) , es un manga creado por el japonés Toriyama y fue publicado en la revista semanal Shōnen Jump entre 1984 y 1995 y se editó en 42 Tankōbon, fue adaptado en 3 series de anime (Dragon Ball, Dragon Ball Z y Dragon Ball GT) y varias películas.

Dragon Ball es un manga muy largo, con una historia que se trama en dos grandes bloques: El correspondiente a la niñez de Son Goku (tomos 1 al 14), y el que cuenta sus aventuras ya adulto (tomos 14 a 42), 85 tomos en la edición de México (32 correspondientes a Dragon Ball y 53 a Dragon Ball Z), 211 números de manga en España; 519 capítulos de manga y 508 capítulos de anime en total.

El manga fue adaptado en su totalidad al anime por Toei Animation. Los primeros 194 capítulos fueron adaptados usando el mismo nombre en 153 episodios, sumándole además 4 películas. A partir del capitulo 195 del manga su adaptación al anime fue llamada Dragon Ball Z y fueron adaptados 291 episodios, completando las historia del manga. También fueron creados dos especiales para televisión que ampliaban la historia más 13 películas y 1 OVA. Después del final de Dragon Ball Z, Toei creó con ayuda de Akira Toriyama una continuación llamada Dragon Ball GT que consiste en 64 episodios de televisión que no están basados en el manga y un especial de televisión.

Existen 4 películas basadas en la primera serie, las primeras son una trilogía que cuenta una historia alternativa a la original, la cuarta película fue creada para el décimo aniversario del anime. Aparte de estas cuatro películas animadas existe un live-action chino llamado Xīn qī lóngzhū Shénlóng de chuánshuō ( Nuevo Dragon Ball: La leyenda de Shenlong) Fue realizada con bajo costo y poasó desapercibida. Para algunos críticos sólo fue un bodrio más.

Aunque la serie animada fue hecha para un público joven y adulto -pero no así para niños- fueron censuradas algunas escenas en la versión doblada al castellano en México. Esto se hizo en razón al contenido erótico y violento de algunas de sus escenas. Aquí algunos ejemplos:

1) El maestro Roshi le pide a Bulma que le enseñe los calzones, y ésta se levanta el vestido sin saber que no las llevaba puestas. Se le ve el trasero. Sin embargo, esta escena no fue censurada de ninguna de las dos películas en las que se relata esta escena: La leyenda del Dragón Shenlong y El Camino hacia el Más fuerte.

2) El maestro Roshi le pide a Oolong (que se hace pasar por Bulma) que le deje verle los pechos y éste se ofrece a algo más. En la traducción sólo le pide "un beso". Tampoco se censuró en La Leyenda del Dragón Shenlong.

3) Krilin se tira una flatulencia.

La censura continuó en Dragon Ball Z. En España, la única cadena que censuró los capítulos más de lo que estaban fue Antena 3, llegando a casos en los que un capítulo pasaba a durar 13 minutos (por los casi 20 que duran normalmente). Este último caso se dio durante la emisión del capítulo 79, en el que Freezer atraviesa a Krilín.

La música de Dragon Ball es muy variada, aunque la cantidad de Openings y Endings no es numerosa como otras series, sin embargo ha logrado una gran popularidad entre los fans.
El fonema de la letra doblada en México de sus canciones está basada en la letra real en japonés. Muchas de sus primeras sílabas en las estrofas empiezan sonando igual a lo cantado en japonés. En el opening de la saga z la parte "cha la head cha la" es cantada igual en ambos idiomas y quiere decir "ven aquí dragon ven aquí".

Después de la finalización definitiva Dragon Ball, comenzaron a circular en Internet varios videos que supuestamente eran una continuación de Dragon Ball GT, llamado Dragon Ball AF. En realidad era un fanart dibujado con un estilo similar a los dibujos de Akira Toriyama . En el se mostraban cosas tan raras como Gokú Super Saiyajin 5, Broly Super Saiyajin 4, o la fusión de Piccolo con Vegeta: Picceta, también la fusión de Trunks y Vegeta: Vegetunks, e incluso también estaba Gohan Super Saiyajin 4, Pan Super Saiyajin y Vegeta Super Saiyajin 3. Vegeta podía transformase también en Super Saiyajin 4 de forma voluntaria.
Debe de estar claro el hecho de que no son dibujos hechos por Akira Toriyama, sólo un dibujo creado por un fan de la serie; y que la saga de Dragon Ball (solamente en el anime) terminó con DBGT de forma definitiva. Sin embargo las imágenes de películas y vídeos de Dragon Ball, modificados con programas especializados en edición de vídeo; logrando que la mayoría de los fanáticos se confundieran.

La Película Live-action 2008

Los estudios 20th Century Fox eligieron a los actores Justin Chatwin (Traffic, War of the worlds) y James Marsters (Smallville, Without a trace) para interpretar a Gokú y Piccolo respectivamente en la adaptación cinematográfica de Dragon Ball Z. Es más, Chatwin ya entrena para las escenas de acción con la compañía 87 Eleven. La historia está basada en el manga de Akira Toriyama y trata sobre un guerrero poderoso que protege a la Tierra de las fuerzas malignas. Stephen Chow producirá el filme y James Wong dirigirá y escribirá el guión. El rodaje comenzará a fines de este año y la película se estrenará a nivel mundial en abril del 2009.

Se afirma que ya ha habido una audición para el personaje de Bulma, y se rumorea que la actriz mexicana de 21 años Camila Sodi (poco conocida a nivel mundial, pero si en su país de origen) está relacionada con dicha audición. Por otro lado la actriz coreano-norteamericana Jamie Chung será la que interprete a la mujer de Gokú, Milk o Chichi.

La Nueva Trova: 35 años de Sensibilidad

2007-12-05T16:59:00.000-05:00

Se conmemora el 35 aniversario del nacimiento del movimiento musical conocido como Nueva Trova, en Cuba y en el Mundo. Ya han pasado 35 años de los primeros acordes y letras que decían mucho y que sensibilizaban al escucha y que hasta ahora tiene vigencia.

Surgido en la década del 60, el movimiento de la Nueva Trova reunió a un grupo de jóvenes cantautores comprometidos con la revolución que impusieron una nueva estética en la música cubana. Ahora ya lejos de aquellos momentos y más reposados en su pensar, todavía estoa cantautores congregan a miles y miles en cada presentación que hacen.

La Nueva Trova Cubana puede relacionarse con los otros movimientos de Nueva Canción que aparecieron también en esa época. La Nueva Canción es un tipo específico de canción de autor en el que se parte del folclore popular del lugar de donde es natural el artista, para crear composiciones nuevas fusionándolo con otros géneros musicales. El término Nueva implica no sólo innovación en lo musical, sino también un compromiso social, que será lo que distinga la Nueva Canción de la Canción Moderna. La Nueva Canción estará muy relacionada con los movimientos políticos revolucionarios, izquierdistas y nacionalistas que estaban teniendo un gran auge en aquellos momentos.

Me acuerdo que en el tiempo en que era alcande de la ciudad de Lima, el Dr. Alfonso Barrantes Lingan, de inclinación socialista, se realizó en diferentes escenarios de la capital una serie de presentaciones de los famasos de la Trova, como Silvio Rodríguez, Pablo Milanés, León Gieco, Mercedes Sosa y demás. Fue la primera y única vez que se presentaron tantos exponentes del rico cantar en una sola temporada. Sucedió en los ochentas.

Rodríguez, Milanés, Noel Nicola, Vicente Feliú y Amaury Pérez, figuran entre los fundadores del movimiento que alcanzó mayor celebridad fuera de las fronteras cubanas. Es menester nuestro rendirle tributo a estos caballeros por su trayectoria y talento.

El Show de Benny Hill

2007-12-03T18:22:00.000-05:00

Se acuerdan de ese gordito picarón que salía siempre corriendo detrás de una hermosa chica rápidamente y al compás de una canción muy graciosa? Ese era Benny Hill en el clásico final de su programa.

Alfred Hawthorn Hill (n. Southampton, Inglaterra, 21 de enero de 1924 – m. Teddington, Inglaterra, 20 de abril de 1992), más conocido como Benny Hill, fue un prolífico cómico británico. Uno de los más universalmente reconocidos cómicos gracias a su programa de televisión El Show de Benny Hill.

Su abuelo fue quien lo introdujo en el mundo del espectáculo y el teatro. Inspirado por los cómicos del music hall, pensó en darle su toque al negocio del escenario. Cambió su nombre por Benny Hill, haciendo un pequeño homenaje a su cómico favorito Jack Benny.

En 1969 su show fue trasladado de la BBC a la Thames Television, donde permaneció hasta 1989. Ben Elton criticó al show de Benny Hill de sexista, al igual que otros famosos cómicos de los 80 . Según su biógrafo Mark Lewisohn, “en Gran Bretaña, Benny Hill es tabú.” Su show se repite raramente en televisión, por satélite o cable, si bien se ha emitido recientemente en el canal de cable de la BBC América. Aquí en Perú se transmitía por ATV Canal 9 todos los domingos por la noche, hacía finales de los ochenta. Yakety Sax, es la canción conocida como la canción del Show de Benny Hill, compuesta por Ronnie Aldrich. En estos tiempos es muy dificil volverlo a ver porque es considerado muy "machista" y denigrante de la mujer.

Amy Mulcair, directora de publicidad de la señal de la BBC, admitió que aunque el programa cómico sigue siendo muy popular en Estados Unidos, da una imagen diferente a la que la BBC quiere dar de Gran Bretaña. "Me temo que Benny Hill refleja a una Inglaterra anticuada y nuestro trabajo es mostrar a un país más moderno y de avanzada", explicó.

Benny Hill murió el 20 de abril de 1992, solo, en su casa de 7 Fairwater, camino de Twickenham, Teddington, a la edad de 68 años de una trombosis coronaria. El 24 de abril, los vecinos llamaron a la policía, que encontró, entonces, el cadáver sentado en su butaca delante de la televisión.

Ficha Técnica

Reparto
Benny Hill, Jack Wright, Bob Todd, Henry McGee
Título original
The Benny Hill Show
Nacionalidad
Reino Unido
Género
Comedia
Año
1969
Director
John Robins, David Bell, Keith Beckett
Guión
Benny Hill
Música
Ronnie Aldrich, Benny Hill
Producción
Thames Television

El Pájaro Loco

2007-12-01T15:20:00.000-05:00

Sorprendentemente esta serie tiene mas de 50 años y sin embargo aún sigue vigente apareciendo cada cierto tiempo en la TV. Se trata de uno de los cláiscos de la televisión. En ella nos narraban las aventuras de este simpático pájaro carpintero que se pasaba el día haciendo travesuras.

Le dicen Loquillo, pero su verdadero nombre es Woody Woodpecker o Pájaro Loco y posee, posiblemente, la risa más famosa en la historia de los dibujos animados: su inconfundible ¡ejejejeje!. Un pájaro que, como siempre, de pie es muy rápido, imprevisible, estrepitosamente divertido y extremadamente identificable.

Producido por Walter Lantz y distribuido por Universal Studios, Loquillo apareció a finales de la década de 1930 y apareció regularmente hasta 1972, cuando Lanz cerró su estudio. Las repeticiones continúan al día de hoy, y el personaje ha aparecido en varias producciones especiales, entre ellas ¿Quién engañó a Roger Rabbit?. Es una de las estrellas del cine de animación que tiene una estrella propia en el Hollywood Walk of Fame.

En cada episodio, los más pequeños podrán disfrutar con las nuevas y locas aventuras del alegre pájaro carpintero, creado por Lanz hace más de 60 años, a quien se le ocurrió este personaje durante su viaje de luna de miel. Un día mientras llovía, escuchó un insistente pájaro carpintero que no dejaba de taladrar su techo. Le pareció tan molesto que pensó que un dibujo así podría dar la lata a sus otros personajes. La serie comprendía episodios de media hora que presentaba cortos no solo de Woody Woodpecker El Pájaro Loco, sino también de Andy Panda, Chilly Willy, Inspector Willoughby (El Bigote que Investiga), Wally Walrus (Pepe Morsa) y muchos más.

Cabe señalar que este famoso personaje ha sido protagonistas de 197 cortos y 350 películas de dibujos animados. En 1978, La Academia otorgó a Walter Lanz un Oscar honorario por su contribución al cine animado y por el Pájaro Loco. Él después falleció en 1994.

El Pájaro Loco (era un pájaro carpintero) fue un personaje revoltoso y alocado. El carácter del Pájaro, fue considerado en EE.UU. como el más políticamente incorrecto y audaz de su tiempo. En una época cuando las historietas intentaban promover un mensaje positivo o educativo. El Pájaro Loco rompía tabúes; en sus historietas había insinuación sexual y un consumo desenfrenado de tabaco y alcohol.

Las Bandas Sonoras: Alma de las Películas

2007-11-28T12:41:00.000-05:00

"La música es una herramienta necesaria en la ejecución de cualquier film y las películas no sólo se ven, también hay que escucharlas". Se ha comprobado que una película por mejor hecha que esté siempre deberá de tener su banda sonora, su soundtrack para estar completa. Se realizado una serie de estudios y ensayos en los que una escena de una pelicula de terror x se le ha reemplazado el tema musical o efecto sonoro por otro que llame a lo cómico. El resultado es sorprendente, una misma escena terrorífica puede resultar hasta cómica con solo el cambio de cortina musical.

Técnicamente banda sonora es toda la parte sonora y resultado de la edición de diferentes pistas de sonido, ya sea palabras, sonidos y música de una obra o que la acompaña en paralelo. Normalmente, en cambio, y con algunas raras excepciones, el término alude solamente a la música de un film o a la comercialización de los temas musicales de una obra como videojuegos, programas de televisión y radio. Desde un punto de vista musical, se entiende como banda sonora original aquella música tanto vocal como instrumental compuesta expresamente para una película, cumpliendo como función la de potenciar aquellas emociones que las imágenes por sí solas no son capaces de expresar. Compositores famosos de bandas sonoras son algunos nombres como Ennio Morricone (El bueno, el feo y el malo, La misión) o John Williams (Tiburón, La guerra de las galaxias o Indiana Jones).

La banda sonora de una película en su sentido más físico puede ser de dos tipos: magnética u óptica. En el primer caso, una o varias bandas de grabación magnética discurren por los bordes de la tira de película. Al ser leídas estas líneas por un aparato en sincronía con la proyección, se generan los sonidos de una manera parecida a como lo haría un lector de cassettes. En el caso de las bandas sonoras ópticas, se trata de zonas de oscuridad y luz en uno o dos lados de la cinta del film. Las distintas intensidades de luz, se convierten luego en impulsos eléctricos creando el conjunto de la banda sonora.
También se utilizan, aunque no tan frecuentemente aún, sistemas de sonido digital, basados en puntos sobre la película que se convierten por diversos métodos, algunos todavía experimentales, en sonido.

De esta manera, y con predominantes de la música y el sonido, las grandes compañías del cine se lanzarón a una producción desenfrenada de películas con canciones, musicales completamente e incluso con baile o sólo de baile. El público se volvía loco por la novedad. Era el music hall para todos, el teatro de variedades para el universo entero...

El hecho de que el cine, prácticamente desde sus comienzos, fuera acompañado por música (pianistas, orquesta o Wurlitzers), significó con la llegada del sonido en todo un problema y luego en uno de los aportes más completos a la estética del cine. Las primeras películas sonoras siempre tenían la música en forma de obertura, canciones y alguna que otra música saliendo de lugares verosímiles (radios, orquestas, etc.). La gran pregunta era: ¿De dónde sale la música, como se van a creer una película donde la música no sale de ninguna parte? Por esto, si una escena romántica necesitaba música de violín, se realizaba la escena en un parque, para que al principio apareciera el violinista en una toma. Este hecho, para algunos caprichoso, duró hasta entrados los años '40, cuando Hitchcock, dirigiendo Bote Salvavidas, decidió no utilizar música porque: ¿De dónde podría provenir ésta en medio del mar? A lo que David Raksin, el compositor, le respondió: ¿De dónde vienen las cámaras?

La música en el cine comienza realmente con la obra de aquellos europeos exiliados que llegan a Estados Unidos buscando trabajo, y lo consiguen en el naciente cine sonoro. Korngold, Steiner, Waxman, Tiomkin son nombres recordados por toda la historia del cine.

Aunque desde los años 60 la música del cine comenzó a funcionar como un fin comercial para vender discos (especialmente tras el éxito de los Beatles), la mayoría de los filmes no dejaron de tener bandas sonoras "incidentales" que fueran complemento a la acción dramática. Así lo hicieron compositores que habían alcanzado sus obras maestras en los años anteriores, ahora realizando aportes interesantes, pero quizás menos valorados. Este es el caso de Bernstein, Raksin y sobre todo Bernard Herrmann, probablemente el gran genio de la música cinematrográfica.

En los últimos 30 años algunos compositores de renombre le han dado nuevas valoraciones por parte del público a las bandas sonoras (como John Williams, Jerry Goldsmith, Hans Zimmer, James Newton Howard, Danny Elfman, James Horner o Ennio Morricone) y algunos discos aún siguen vendiéndose por millones (como El Rey escorpión y la canción de "I Stand Alone" de Godsmack).

La evolución constante de la ingeniería acústica hace que cada día los músicos se exijan más a sí mismos y a los productores. Ya no basta con la “música de pantalla”, ahora los realizadores cuentan con las posibilidades del estéreo para resolver la ubicación de un personaje en "off" (su voz o sus ruidos pueden sonar a la derecha, izquierda, o detrás de¡ espectador), sin necesidad de cambiar la posición de la cámara. Como ejemplo de las posibilidades del Dolby podemos citar la secuencia del ataque de los helicópteros sobre la aldea vietnamita de “Apocalypse now” (1977), de FF Coppola, la famosa "Cabalgata de Walkyrias", que sonaba como música diegética en el canal de sonido-on (pantalla), iba pasando paulatinamente a todos los canales de la sala conforme iban sucediéndose las explosiones. La excelente mezcla posibilitaba que los ruidos del "napalm", de los helicópteros y de los disparos, fueran justificando el “crescendo” dimensional hasta que se convertía en música "on" y "off" al mismo tiempo.

Existe una muy buena página para que explores este mundo fascinante de la música para péliculas , así también un listado detallado de los mejores soundtracks de todos los tiempos. El sitio se llama Cuando Calienta el Blog.

Pasolini: El Cineasta olvidado

2007-11-23T19:47:00.000-05:00

Pier Paolo Pasolini nació en Bolonia el 5 de marzo de 1922 , ciudad de tradición política izquierdista. Era hijo de un soldado que se hizo famoso por salvar la vida de Benito Mussolini. Pasolini empezó a escribir poemas a los siete años de edad y publicó por primera vez a los 19 mientras se encontraba estudiando en la Universidad de Bolonia. Fue reclutado durante la Segunda Guerra Mundial; capturado por alemanes, logró escapar. Luego de la guerra, se unió al Partido Comunista Italiano en Ferrara pero se fue dos años después .

Pasolini fue escritor, poeta y director de cine. En este artículo nos referiremos al Pasolini cineasta. Como director (se inició en 1961) ha creado una suerte de segundo Neorrealismo, explorando los aspectos de la vida cotidiana, en un tono cercano al de la commedia dell'arte, centrando su mirada en los personajes marginales, la delincuencia y la pobreza que arrastra Italia desde la posguerra, y estableciendo un estilo narrativo y visual en el que priman el patetismo y la ironia sobre el humor grueso y a veces sórdido de sus historias. Debuta en 1961 con una película en clave neorrelista pero que abarca mucho más y sorprende a la crítica: Accattone, en la que inicia su relación personal y profesional con uno de sus actores fetiche (Franco Citti). Despues hizo El Evangelio según San Mateo (muy criticada), Mamma Roma, Pajaritos y pajarracos , Edipo Rey, Teorema, Pocilga (una de sus obras mas crudas y controversial) , El Decamerón, Los Cuentos de Canterbury, Las mil y una noches, etc.

Me acuerdo ahora que su película "Decamerón" , la suspendió el ministerio del interior del Gobierno militar, por atrevida y atentar contra la moral y buenas costumbres. Dos camiones (los caimanes)repletos de policías llegaron al cine Roma de Lima, rodearon la manzana y sacaron de las orejas a los mañosos.

La carrera del cineasta se trunca cuando, en 1975, se estrena en los cines un film que convulsiona a toda la sociedad italiana y hace que el autor sea objeto de multitud de amenazas de muerte y presiones incluso políticas: Salò o los 120 días de Sodoma, en la que Pier Paolo adopta un tono autocrítico hacia algunos pasajes de su obra anterior y en la que adapta al Marqués de Sade con toda crudeza y con la mayor libertad con la que un creador se haya dotado a sí mismo nunca, desdibujando los límites convencionales y cinematográficos que encierran el erotismo, pornografía, expresión, sadismo, provocación y degradación humanas. No apta para todos los estómagos, la cinta hipnotiza a cualquier cinéfilo avezado y sin prejuicios, que entienda realmente el universo de Pasolini y los contornos (o aristas) de su lenguaje, y la película rebosa calidad artística.

A Pasolini -por si alguien tiene duda- lo mataron, como a Lorca, por homosexual y comunista. Su muerte fue un alivio para las altas esferas italianas, que "sin buscarlo" se quitaron de un plumazo el incómodo peso de un artista inconformista que nunca tuvo pelos en la lengua para hablar de la libertad sexual, para arremeter contra la iglesia o criticar el sistema político de su país y jamás ocultó su condición de homosexual, marxista y -a pesar de todo- católico.

Pasolini fue apaleado como un perro el 1 de noviembre de 1975. Esa tarde tenía una cita en la estación Termini con unas personas que tenían que devolverle parte de la película de su último filme Saló, robada en Cinecittá. Cuando al día siguiente se conoció la noticia del fallecimiento, pocos creyeron en la primera y única versión de los hechos. La justicia condenó al entonces menor de edad Pino Pelosi, a quien el cineasta supuestamente habría recogido para tener relaciones sexuales. Tres décadas después, el caso ha sido abierto y todo apunta a que el asesinato fue urdido por la extrema derecha.

Desconozco si alguien lloró su muerte -seguro que pocos-. Hoy, sin embargo, Italia se ve obligada a rendir tributo a este artista incomprendido y nada valorado. En el 30 aniversario de su desaparición, Gianni Borgna, asesor cultural del ayuntamiento de Roma, asegura que "fue una encerrona premeditada para eliminar una voz incómoda". Puede que su figura fuera incómoda, ahora lo que incomoda es reconocer que con el silencio a lo largo de treinta años, todos han sido culpables también de un asesinato cultural. Pocos ciclos de cine se han hecho en torno a la filmografía de Pasolini, en las facultades de Comunicación Audiovisual se estudian de pasada sus películas y los festivales de cine que han hecho retrospectiva de su obra, se pueden contar con los dedos de una mano.

Dick Tracy : Incorruptible

2007-11-20T15:12:00.000-05:00

Dick Tracy es un personaje de cómic muy popular en la cultura pop americana. Apareció por primera vez el 4 de octubre de 1931 en forma de plancha dominical distribuida por el Chicago Tribune New York News Syndicate. Creado por Chester Gould, el personaje se tenía que decir, en un principio, como “Plainclothes Tracy” (Tracy, vestido de paisano). Una decisión del Syndicate le dio el nombre actual. A principios de los años treinta, cuando el gangsterismo ocupa las portadas de todos los periódicos norteamericanos, Dick Tracy se hace policía a causa del asesinato del padre de su eterna prometida, Tess Trueheart, y su rapto. Entonces, el inspector pone toda su convicción en la lucha contra el crimen, dispuesto a utilizar los medios más implacables y refinados.

Chester Gould realizó una serie desmarcándose de las propuestas de Harold Foster, el autor de Tarzán. Desarrolló un estilo detallista, pero no en función de un mayor naturalismo, sino a través de cierta abstracción icónica de los personajes, es decir, de una mayor simplificación. El ambiente de las historias se construye a base de fuertes contrastes de blanco y negro, una variedad de puntos de vista muy elevada y se respalda en los diálogos y en una línea argumentativa firme y segura. Dick Tracy continúa a manos de Chester Gould hasta su cierre el 1972. Actualmente sigue publicándose.

Aparte de los comics, tuvimos la suerte de ver a este personaje junto con sus amigos y enemigos, a través de dibujos animados, durante los sesentas. Después el mismo productor de Batman para TV, realizó una serie con estereotipo muy parecido a la serie del encapuchado, pero sin éxito. Y no es hasta 1990 que es llevada a la pantalla grande, con la interpretación del actor Warren Beatty acompañado de grandes actores, entre ellos Al Pacino.

Personajes como el del detective Dick Tracy nos recuerda la actividad de las personas al lado de la justicia. Un ejemplo es cuando Dick Tracy, descubre en uno de sus "comics", que el criminal asesinó a la víctima con "una bala de hielo", mientras la policía creía que la víctima había muerto de un ataque cardíaco. Aunque podemos decir que la intuición le sirvió al detective para desarrollar una visión sobre la investigación que trataba, esta escena de "la bala dehielo" no es real.

La Pandilla Basura: La Asquerosidad en Stickers

2007-11-17T11:07:00.000-05:00

La Pandilla o Familia Basura (The Garbaje Pail Kids) se creó por una compañía americana llamada The Topps Chewing Gum Company, desde 1987, eran unos stickers, mas de 600 en total que comenzaron a venderse como "pan caliente " en puestos de periódicos y librerías, esto hasta 1989. El albúm de figuritas fue por el año 1992, viendo el éxito obtenido en la venta de stickers, Editorial Navarrette edita el album con cromos bien logrados (208 figuritas) que eran autoadhesivos y a full color.

Las tarjetas eran pintadas en un tamaño de 5 pulgadas de ancho por 7 de largo, el doble del tamaño al que serían publicadas. Las técnicas más usadas eran la pintura de acrílico y aerógrafo y jamás podían ser firmadas, debido a una restricción de la compañía. Ésta, además, se quedó en su poder con casi todos los originales. De hecho, las únicas pinturas recuperadas fueron aquellas que debían ser corregidas y sólo así los autores pudieron mantener en sus manos algunos bocetos y pruebas de color. De cada tarjeta se publicaban dos con distintos nombres –así, por ejemplo, la tarjeta 164 de la serie 4 se llama Teddy Bear en la lista A, y en la B se le llamó Salvatore Dolly- estrategia que además de original le aseguró a la TOPPS una ganancia calculada de aproximadamente 64 millones de dólares (recuento hecho cuando la serie apenas iba como a la mitad así que saquen sus cuentas). Los artistas ocasionalmente proponían los nombres, pero era la compañía la que al final decidía cuáles se quedaban.

El reverso de las tarjetas incluía chistes y pasatiempos con los sucios personajes de las series, y piezas que daban forma a un rompecabezas de los personajes más populares.La serie se volvió un éxito inesperado para la TOPPS. La doble parodia –por un lado, la burla de los archifamosos CPK y por otro el juego con nombres propios; además del uso de un humor escatológico y gore pasaron la prueba del público gringo. Algunas dulcerías de la época reportaban ventas estratosféricas en la etapa de mayor éxito de las Garbage. Algunas llegaban a vender la friolera de 500 sobres por día. El precio era de 50 centavos de dólar y el paquetito contenía 5 tarjetas y un chicle rosa con sabor a polvo y cartón duro.

Me acuerdo que mis sobrinos juntaban esa basurita. El truco de la venta masiva era la prohibición. Hubo una gran requiza en colegios en todo el páís. Se decía que fomentaba la rebeldía y el tener apego a realizar actos que se alejaban de la moral, el civismo y las buenas costumbres. En los niños era divertido, no así en los mayores, padres y educadores. En realidad tenían razón. Ese album no llenaba nada, era una oda a la asquerosidad. Hago mención de eso porque desde ese tiempo que los chicos se divierten viendo o escuchando escenas groseras, tanto en películas como hasta en dibujos animados.

Está muy de moda oir pedos y eruptos en los comics o series de televisión. Si bien es cierto, son actos biológicos e inevitables, no deben ser puestos en vitrina para crear según sus creadores, risa o entretenimiento. Pienso que hay otros recursos.

Los cromos de The Garbage Pail Kids eran muy chocantes, fue la primera vez que se realizó este tipo de colecciones. Hasta me acuerdo que hicieron una película...que asco...!para rematar, hay tambien calcomanías y videojuegos.

Todavía existen en el mundo clubs de fans, admiradores y seguidores de estos mounstritos de la cochinada. Ahora ya mayor y con hijos, no permitiría ni siquiera por juego a mis hijos que tuvieran en sus manos tremenda basura impresa.

La Familia Ingalls: La Casita de la Pradera

2007-11-14T14:48:00.000-05:00

Aunque ahora mas que nunca ya no se observa familias como los Ingalls, que siempre están juntos en las buenas y en las malas (todavía mas en EEUU) es grato ver como se desenvolvía la vida familar en el año de 1878 en el oeste norteamericano.

El gestor de esto es Michael Landon, el joven actor de la serie de TV Bonanza. La idea de Michael Landon de producir un programa donde toda la moral cristiana, los valores familiares, la solidaridad, el esfuerzo y la abnegación se concentraran en una pequeña casa en la pradera, le valió el éxito por diez años consecutivos en todo el Perú. Debemos sumar también los siguientes años en que la serie fue emitida en todos los países del mundo en lo que ya parece una éxito eterno. En nuestra patria se trasmitía desde 1977 por Panamericana Televisión . Fue estrenada en los Estados Unidos por la NBC en 1974 y duró hasta 1983, realmente una serie muy prolija en capítulos.

Basada en los libros autobiográficos de la escritora estadounidense Laura Ingalls Wilder, "la Casa de la pradera", nos contaba las penurias y alegrías de la familia "Ingalls",y los demás habitantes de un pequeño pueblo ficticio llamado "Walnut Grove". Narrada por la hija mediana del matrimonio, Laura, era una recreación de la forma de vida de los primeros pobladores fronterizos. La serie comenzaba, con el padre de familia, Charles, trasladando a su familia desde Wisconsin a las tierras de Minnesotta, donde se afincan en un pequeño pueblo.Una vez que los Ingalls se acomodan en su nueva casa, Charles, con su mujer Caroline, y las tres hijas, Mary, Laura y Carrie, comienzan ilusionados una nueva vida que suponen les resultará más ventajosa. Pero no pasará micho tiempo antes de que aprendan que la vida en la frontera es dura y complicada.
Con poco dinero, Charles se ve obligado a aceptar cualquier trabajo a cambio de consiguer materiales para mantener su pequeña granja. Poco a poco se van integrando a la vida del pueblo, tratando de llevarse bien con todo el mundo, incluso con los Oleson y su repelente hija Nelly.
La serie, producida, escrita, dirigida e interpetada por Michael Landon, era una exaltación de los valores cristianos familiares, abnegación y solidaridad. Ese aire almibarado y sensiblero, conquistó millones de seguidores en todo el mundo, y Melissa Gilbert fué nominada al Grammy por su interpretación de Laura.

La vida de los Ingalls estuvo plagada de sacrificios, pobreza, mudanzas forzadas, desastres naturales y desgracias personales, sobre todo gracias a la sufrida Mary, con su ceguera y la muerte de su hijo. Pero ante cada conflicto la familia se reponía con mayores fuerzas y no faltaron las alegrías, como las aportadas por los maridos de las chicas, Adam y Almanzo.

Atrapante y lacrimógena, inocente pero conservadora, es indiscutible el lugar que se ganó en el corazón de los televidentes de todo el mundo. Verla por primera vez es descubrir la serie de TV familiar por excelencia, revivirla es quedar atrapados una vez más por el encanto y la ingenuidad de un clásico eterno.

Reparto
Melissa Gilbert ....Laura Elizabeth Ingalls Wilder
Michael Landon ... Charles Philip Ingalls
Karen Grassle .... Caroline Quiner Holbrook Ingalls
Lindsay Greenbush ...Carrie Ingalls
Scottie MacGregor ....Harriet Oleson
Richard Bull .... Nelson "Nels" Oleson
Jonathan Gilbert .... Willie Oleson
Melissa Sue Anderson ....Mary Ingalls Kendall
Kevin Hagen ...Dr. Hiram Baker
Allison Amgrim.....Nelly Oleson

Colorina: La historia de una Cabaretera

2007-11-11T11:17:00.000-05:00

Me acuerdo que todo el Perú y América hispanohablante se preguntaba -¿Quién es el hijo de la Colorina? todos estabamos al tanto sobre la vida de una cabaretera que para proteger a su bebé, lo crió junto con otros dos niños. Lucía ha tenido muchos galanes en su carrera, pero la pareja que hizo con Enrique Alvarez Félix en "Colorina" era de antología. Ambos se acoplaron tan bien en pantalla que el fenómeno no ha vuelto a repetirse. Basta recordar los intercambios de miradas, de esas frases que compartían, cargadas de amor, reproche y deseo. Por algo la telenovela despertó el interés del país entero durante meses. América televisón la pasaba de lunes a viernes a las 9 de la noche, desde mediados de 1980. En muchos países como el mismo Mexico, la tuvieron que emitir casi a la media noche, por las escenas ha veces subidas de tono.

Es muy dificil resumir en unas líneas toda una novela, pero trataré. Gustavo Adolfo Almazan es un millonario reprimido. Está casado con la enfermiza Alba, y su vida es manejada por su autocrática madre, Ana Mana María. Una noche su infame cuñado Iván trae a dos cabareteras borrachas a la Mansión Almazán y comienzan una juerga. Ahí, Gustavo Adolfo conoce a Fernanda, alias La Colorina con la que sostendrá un apasionado romance. Ana María desea un nieto, y le paga a Colorina para que tenga un hijo con Gustavo Adolfo y se lo entregue a Alba. Aunque inicialmente, Fernanda acepta el plan, cambia de idea cuando nace su hijo. Fernanda y el bebé regresan a su antigua vecindad. Allí encuentra a un antiguo amigo, a quien su esposa acaba de abandonar dejándole dos niños pequeños.Colorina reúne a los niños y huye a Monterrey donde comienza una nueva vida. 20 años más tarde, Fernanda es una respetable matrona y la dueña de una prospera boutique. Sus trillizos son jóvenes sanos y buenos mozos que estudian carreras profesionales. Es ese el momento en que la ex Colorina escoge para regresar a México y presentar a sus hijos a los Almazán para ver si pueden reconocer al hijo de Gustavo Adolfo entre ellos.

El Tema de la telenovela me acuerdo que lo interpretaba Camilo Sesto y fue un buen plus que tuvo este culebrón mejicano. La actuación de Lucía Mendez y de Enrique Alvarez Feliz no me convenció del todo, pero no dejan mal parado al reparto completo.

Después de casi dos décadas Mexico realiza un cover de la misma con el nombre de "Salomé", mejor producción y adaptada a los tiempos actuales con una insuperable interpretación de la actriz Edith Gonzales.

Ficha Técnica

Telenovela: "Colorina"
Escritor: Arturo Moya Grau
Adaptación: Carlos Romero
Directores: Dimitrio Sarrás y Noé Alcántara
Productor: Valentín Pimstein (Televisa, México, 1980)
Elenco: Lucía Méndez, Enrique Alvarez Félix, Julissa, José Alonso, María Teresa Rivas, Luis Bayardo, María Rubio, Guillermo Capetillo, Juan Antonio Edwards, José Elías Moreno, Armando Calvo, María Sorté, Fernando Larrañaga, Salvador Pineda, Alberto Insua, Liliana Abud, Elizabeth Dupeyrón, Yuri, Alba Nydia Díaz, Beatriz Aguirre, Juan Luis Galiardo, Roxana Saucedo, Marina Dorell, Héctor Ortega, Alma Delfina, Arturo Lorca, Christian Bach, Enrique Gilabert, Elsa Cárdenas, Patricia Ancira, Roberto Ballesteros, Enrique Beraza, Alejandro Tommasi, Oscar Bonfiglio, Ricardo Cortés, Marichu de Labra y Debbie D'Green entre otros.
Tema musical: "Colorina" interpretado por Camilo Sesto

La Música Disco (2º Parte)

2007-11-08T16:57:00.000-05:00

La música Dance nace gracias a la evolución del sonido negro americano el Rhythm & Blues y el Soul. Uno de los artistas que contribuyó al desarrollo del dance fue sin duda James Brown. Películas como "Fiebre del Sábado noche" o "Por fin es Viernes" nos mostraron por primera vez una discoteca o una cabina de disc-jockey. A finales de los años 70 la Psicodelia y el Funky se adueñaron de las pistas de baile. Artistas como Earth, Wind & Fire, The Jacksons, Donna Summer y muchos otros llenaban las discotecas de todo el mundo con su música. Por otra parte, desde Alemania, cuatro universitarios llamados Kraftwerk creaban las bases de lo que sería el sonido Techno, llegando incluso a fabricarse sus propios instrumentos. A principios de los 80, gracias a la labor de gente como Sugarhill Gang y Afrika Bambaataa, el Rap se convirtió en estandarte de la juventud. El fenómeno del Breakdance fue sin duda lo que propició la fusión entre el Rap y los sintetizadores, creando así un sonido más comercial que se podía "pinchar" en cualquier sesión. Paralelamente a este hecho, productores como Bobby O' y Patrick Cowley transformaron el sonido Disco en High Energy, acelerando así el ritmo de la música de baile. Por su parte, los músicos que tomaron el camino de Kraftwerk crearon un sonido llamado Techno Pop. Este nuevo estilo combinaba las letras románticas con el sintetizador y el resultado fue muy positivo. Formaciones como Yazzo o Depeche Mode se convirtieron en ídolos para la juventud, gracias al buen hacer de uno de los mejores músicos de los 80, Vince Clarke.

En 1983 desde Italia se creo un nuevo estilo: el Italo-Disco, también conocido como Spaghetti. Las bases de esta nueva creación fueron el High Energy y el Techno Pop. Durante cuatro años el Spaghetti llenó las pistas de países como Alemania, Holanda o España. Dos de los artistas más importantes dentro del Italo-Disco son Ryan París, que con su "Dolce Vita" vendió en España 500.000 copias y Den Harrow, que se mantuvo durante varios años como máximo exponente de este estilo. En Estados Unidos, Madonna se convirtió en "Reina del Pop", haciendo extensivo su éxito al resto del planeta. Sus canciones eran una mezcla de música Disco y Pop. Precisamente esa fue la línea que siguieron muchos artistas en aquella época, aunque otros, como Michael Jackson, preferían mezclar el Funky con el Pop.

El nuevo sonido comercial europeo recibió el lógico nombre de Euro-Beat. El bombardeo de producciones era constante, Ice M.C. desde Italia, M.C. Sar & The Real Mc Coy desde Alemania, etc. Mientras estos artistas vendían miles de discos, grupos como Front 242 apostaban por el Sonido Industrial y se convertían en ídolos para el público que aborrecía la música comercial. El radicalismo y el culto al Techno Pop de Krafwerk crearon un nuevo estilo que en España se denominó Máquina. El resto del mundo continuó llamando Techno a esta fusión entre el New Beat, el Techno Pop y el Sonido Industrial.

La Hormiga Atómica (Atom Ant)

2007-11-06T15:31:00.000-05:00

La Hormiga Atómica es minúscula de tamaño, pero su fuerza es extraordinaria. Con su grito de ¡Contraaaaaa el mal la Hormiga Atomicaaaaaa! Puede aplastar al más fuerte de los villanos y volar por los aires para conseguirlo. Si la Hormiga Atómica quisiera, podría ganarse el título de peso completo, pero nolo hace porque está muy ocupada usando su mente superior para capturar a sus enemigos. La hormiga Atómica afina sus superpoderes en el cuartel secreto quetiene debajo de una colina; y con sus increíbles antenas supersensibles puedecaptar todas las señales de angustia para llegar al instante y ayudar a quienmas lo necesita.

Este dibujo fue creado en 1965 por la dupla Hanna - Barbera. Pese a su pequeño tamaño su fuerza es impresionante. Con sus antenas puede captar cuando algún inocente tiene peligro y al grito de Contra el Mal! La hormigaaaa Atomicaaaaa lo va a rescatar. Su cuartel se encuentra debajo de un hormiguero y ahí es donde entrena(como si no fuera suficientemente fuerte sigue haciendo pesas). Realmente muy divertida esta serie que apareció a finales de los sesenta aquí en Perú y la veíamos en b&n por América televisión durante las tardes, despues de los deberes de colegio. Sólo existen 26 episodios durante 1965 y 1967. El estreno fue en la cadena NBC de EE.UU.

Originalmente la Hormiga Atómica presentó también en otros segmentos las aventuras de Lindo Pulgoso y Los Osos Montañeses. En 1967 se reestructuró bajo el título de The Atom Ant / Secret Squirrel Show agregándose a la troupe el interesante personaje de (El Inspector Ardilla), quien anteriormente había tenido su propia serie durante dos temporadas. Este pequeño dínamo puede enfrentarse con cualquiera, sin importar su tamaño.Obtiene su super fuerza de un Desintegrador de Atomos que se encuentra en su laboratorio, cual le permite volar, recoger llamados de ayuda en sus antenas,y levantar varias toneladas una y otra vez .

El Tío Johnny: Un tío que se las trae.

2007-11-03T15:29:00.000-05:00

El Tío Johnny debutó en la televisión con un programa en canal 4 llamado "Buenas Tardes Tío Johnny". Antes de que se estrenara su programa Johnny Salim incursionaba en el ambiente de negocios de la familia y nunca se imaginó estar algún día frente a una cámara de televisión en donde la teleaudiencia serían solo niños. Existía en la televisión peruana un programa infantil llamado "El Tío Juan" donde el carismático Juan Sedó era el animador y conductor del mismo. El Tío Johnny iba en el horario de las 6 de la tarde. El saludo que daba inicio al programa era un bullicioso "¡Buenas tardes, Tío Johnny!". En una hora de títeres, concursos y la presentación de series como Super Car, Tiro Loco, el Bonachón Noddy Magrou y la historia de Aladino y su Lámpara Maravillosa.

Después del primer año el programa cambió de nombre, "El Tío Johnny" de simple. Johnny Salim salía con una sarita como sombrero y un traje de color amarillo-negro a lo tío Sam. Su programa muy elegante y bien estructurado, nos conducía por alguna parte del camino hacia la casa de la señora vaca para tomarnos nuestro acostumbrado vaso de leche. Era la única forma de tomar leche, solo al estilo del Tío Johnny con músiquita incluída.

Me acuerdo que tenía cuando chico, el vaso y el azafate del Tío Johnny, también vendían por aquel tiempo la sarita y discos lps 33 rpm con canciones muy bien logradas como: la señora gallina, al perrito le duele la muela, los cochinitos, el cocinero, la señora vaca y el guarda bosque, los muñecos, etc.

Cuando los medios de comunicación se parametran con la unificación de los canales 4 y 5 (América y Panamericana Televisión Respectivamente) en Telecentro, ya Johnny Salim y su programa se había trasladado a la esquina de la televisión, osea al canal 5. Es cuando por orden del órgano regulador de comunicaciones, que ahora no recuerdo su nombre, hacen algunas observaciones al programa y entre algunas cosas le sugieren cambiar su vestimenta, porque según ellos era muy alienante, su manera de caminar y en la misma estructuración del programa. Por ejemplo existía una secuencia con el nombre de "El Tío Johnny a Go-go", tenía que ser removida por el contenido musical que no era nacional. La introducción de su programa en donde él llegaba al canal en una carcochita de estilo clásico convertible, sería cambiada por otra. Es decir le plantearon un cambio de 180 grados a su programa que tuvo practicamente que renunciar de la noche a la mañana porque no eran "sugerencias" sino que había tomado la dirección del programa sin su consentimiento.

Atrás quedarían los mejores momentos: cuando nos proyectaba los dibujos animados haciendo la simulación de utilizar un proyector casero de 8 mm., o hablando con la cámara haciendo creer que hablaba con la Sra. Vaca. Jugándose en cámaras con Chichi Salim, su sobrina, también por ahí se asomaba la pecosa María Kathia. A veces aparecía en alguna intervención la pequeña Inés "Chacha" Hormazabal., etc.

Johnny Salim, también pertenece a ese gran grupo de personalidades que hicieron de la televisión un baluarte con programas de calidad con recursos limitados. Gente que no se preparó para hacer lo que hizo en un centro superior de estudios, sino que con el grado socio-cultural al cual pertenecían además de un don de gente y buen sentido común hacían de lo mas simple, una obra de arte.

Después entrarían a reemplazarlo la jovencita Mirta Patiño e Ismael Contreras, un novato actor teatral. Ellos dieron forma al nuevo programa infantil "En esta parte del camino".

La Música Disco (1º Parte)

2007-10-31T18:56:00.000-05:00

La música disco es un estilo infravalorado pero en el que hay mucho que descubrir y disfrutar. En 1974, la música disco era un fenómeno underground, pero sólo 3 años después, todo el mundo la bailaba con John Travolta. Aunque la música disco fue uno de los fenómenos musicales populares más prominentes de la década de los 70, nunca recibió el crédito que merecía. Aún hoy, sigue conservando un halo cutre y kitsch, y pocas personas creen que merezca la pena bucear en este estilo musical para encontrar joyas “avant-garde”.

El disco es un estilo "up-tempo" de la música dance de los años 70, especialmente el soul y el funk, y en sus comienzos se hizo popular entre las audiencias afro-americanas y gays de EEUU. La palabra "disco" viene del francés "discothèque", que a su vez es una mezcla entre "disc" y "bibliotèque". Antes de que la música disco existiera, el vocablo “discotèque-records” se usaba para hablar de la música que se pinchaba en los clubs privados y fiestas “alter-hours” de Nueva York como “The Loft” y “Better Days”. La música en cuestión era una mezcla de funk, soul e importaciones de Europa, la misma música que por aquella época pinchaba el DJ jamaicano Kool Herc en la primitiva escena Hip-Hop. Esa música recibe el nombre de “proto-disco”.

Dicen algunos que la música disco nace como una necesidad social, dada a la marcada liberación sexual de los setentas y la "salida del closet" de muchos gays en el mundo. Los tiempos cambiaron, las drogas cambiaron (la droga “disco” por excelencia era el “Poppers”), y nuevos clubs como el “Paradise Garage” abrieron sus puertas; había nacido el maxi de 12”. Por primera vez en la historia, se componían y producían las canciones con la palabra “discoteca” en mente. Los dorados años del disco terminaron con sus audiencias gays diezmadas por el SIDA. Los sellos de mayor calidad de ésos años son Salsoul, Prelude y West End. No se puede decir que la música disco fuera un fenómeno estrictamente gay (y por tanto vedado a las mujeres, que tenían prohibida la entrada en muchos clubs), pero hay muchos gays famosos en esta escena musical, como Silvester, Giorgio Moroder y Patrick Cowley.

Cabe señalar que podemos considerar al fenómeno Disco (1976-1981) como un corto tiempo musical en donde se produjo una productividad musical sin precedentes. "Nacieron" muchos solistas y grupos que "murieron" al terminar aquella época. A la Música Disco también se le puede denominar la Madre de la Música House actual, porque vive en el mismo ambiente.

El Correcaminos: Bip Bip...!

2007-10-27T17:40:00.000-05:00

Es la típica historia de Looney Toones, un animal cazador y una presa que lo que menos tiene es miedo. Es simple, el Coyote quiere atrapar al Correcaminos y lo intenta de miles de formas, cuando digo miles me refiero realmente a miles... Para lograr su objetivo el Coyote recurre a numerosos inventos o artefactos marca ACME (esta marca si existe; ACME significaría American Company that Makes Everything, en español Compañia Americana que Hace de Todo) pero con su velocidad le alcanza al Correcaminos para huir de su enemigo y hacerlo chocar con algo o cosas por el estilo.

El verdadero nombre en inglés era Wile E. Coyote and the Road Runner . Fue creada en 1949 por el animador Chuck Jones para Warner Brothers. Chuck Jones se inspiró para crear a estos personajes en un libro de Mark Twain, titulado Roughin It, en el que Twain denotaba que los coyotes hambrientos podrían cazar un correcaminos.
En una ocasión, Chuck Jones dijo, refiriéndose a dos de sus personajes más conocidos, que "el Coyote es mi realidad, y Bugs Bunny mi meta". Los dibujos del Coyote y el Correcaminos fueron creados como una parodia de los dibujos tradicionales de "gato y ratón" (como Tom y Jerry), que eran muy populares en la época. La ambientación de la serie en el desierto del sudoeste de Estados Unidos se asemeja a la de la serie de cómics Krazy Kat, de George Herriman.

El Correcaminos fue doblado por Paul Julian, que trabajaba como dibujante de fondos para la unidad de Friz Freleng. Julian hizo por primera vez el sonido en los estudios de la Warner Bros (imitando una bocina de coche) como una forma de apartar a la gente cuando tiene prisa. Julian realizó numerosas variaciones del sonido en una sola sesión de grabación. El editor Treg Brown se sorprendió y sugirió hacer más versiones. Por los problemas de la unión, el estudio rehusó reconocer la voz real del Correcaminos durante décadas. Algunas fuentes declararon que Mel Blanc interpretó la voz, mientras otros fueron demasiado lejos al decir que la voz era una bocina real.

Aquí el correcaminos es el malo de la película, a pesar que el coyete se lo quiere comer. Lo cierto es que siempre el antihéroe resulta ser mas estimado por el público expectador. El coyote siempre despertó la simpatía de las masas, a pesar de ser siempre el agresor, es su falta de inteligencia y suerte lo que provoca que mas de uno lo quiera. En la serie también se mofan de los nombres latinos con que los cientificos categorizan a los animales, así tenemos entre otros: Velocitus tremendus, para el correcaminos y Caninus vulgarus, para el coyote.

Esta historia termina cuando el correcaminos es atrapado por el coyote?. Existe un mito y creo que nunca se ha de dar, ni siquiera al final de la serie. Cuando esto realmente sucede se da a manera de sueño o de una situación subrrealista, muy propia de las caricaturas de la Warner Bros. El atrapar al Correcaminos no le vale de nada al Coyote. Les dejo con el episodio:

Batman: Murciélago sicodélico

2007-10-25T11:44:00.000-05:00

Quién no recuerda que los domingos por la noche por América Televisión (canal 4) a comienzos de los setenta aquella serie que a los niños de entonces nos mantenía sentados boquiabiertos delante del aparato de televisor. Después de leerlos y disfrutar de las aventuras del encapuchado héroe, teníamos la oportunidad de verlo en carne y hueso. Era Batman, la serie sicodélica.

El productor William Dozier se enteró de que la ABC había adquirido los derechos de Batman para producir una seriedetectivesca junto con la Fox. Dozier, un fanático de los comics, pensó en darle un matiz de poca seriedad a la serie, a diferencia de la cadena que pretendía una serie policial. Dozier contactó en Madrid al guionista Lorenzo Semple Jr., especializado en comedias, para interesarlo por el proyecto. Semple se despachó con el argumento para el episodio piloto, titulado "Hi Diddle Riddle", que era una versión de un episodio aparecido en el nº 171 de Batman. Más tarde Dozier se dedicó a buscar los actores ideales para los respectivos papeles. El primero en ser confirmado fue Alan Napier en el papel del mayordomo Alfred. Napier no estaba muy convencido de aceptar el papel en un principio, pués nunca había leído antes el comic y le parecía ridículo el rol. Pero cuando le dijeron que iba a ganar 100.000 dólares, el actor dijo: "No se preocupen Batman, ya tiene mayordomo". Dozier pensó en Ty Hardin para el protagónico principal, pero el actor se hallaba en Italia filmando spaghetti- westerns y rechazó el papel. Más tarde el productor convocó a dos actores que cuadraban con el personaje: Adam West y Lyle Waggoner (más tarde sería el Mayor Trevor en la serie La Mujer Maravilla).

Pese al éxito de que gozó en su día la serie, en la actualidad posee muy mala fama. Bien es cierto que los aficionados a Batman provenientes de los tebeos nunca la apreciaron en exceso -pese a todo, logró que los comics se revitalizasen . Sin embargo, existen unos aficionados de intereses múltiples, no sólo adictos al cómic, que prestan también atención a otros medios, como el cine o la televisión. Esos adeptos son los que, en definitiva, la han puesto en su justo lugar. Creo que radicó en el exceso de golpes al estilo Jackie Chan, en la música sólo comprendida en aquella época como el watusi, jerk, gogo, twist y demás, que en los sesentas osea durante la emisión de los años en que duró la serie. Los tonos en colores pasteles hacían su papel también. Según declaraciones posteriores de Adam West: «Batman estaba hecha a dos niveles, uno para los adultos y otro para los chicos. Eso es lo que procuramos hacer, así, mientras envejeces y la vuelves a ver, observas cosas distintas. Eso es lo que origina un clásico».

Ficha Técnica

Batman (Batman). USA 12 enero 1966/14 marzo 1968. Serie televisiva de 120 capítulos de 30 minutos; 3 temporadas. PR: Greenway/20th Century Fox para ABC. P: Howie Horwitz. PE: William Dozier. Supervisor G: Lorenzo Semple Jr. F: Howard Schwarz. M: Nelson Riddle; tema principal: Neal Hefti. MQ: Ben Nye.

Reparto

Adam West (B), Burt Ward (R), Alan Napier (Alfred Pennyworth), Neil Hamilton (comisario James W. Gordon), Stafford Repp (jefe O'Hara), Madge Blake (tía Harriet Cooper), Yvonne Craig (Barbara Gordon/Batgirl [sólo tercera temporada]), William Dozier (narrador); semi-fijo: David Lewis (Warden Crichton), Byron Keith (alcalde Linseed).

Estrafalario: Los Masters de la Risa

2007-10-22T15:47:00.000-05:00

Muchos jóvenes de ahora no saben como se desarrolló el humor para los programas dedicados a conseguir una sonrisa de los televidentes. En el canal 5 de Panamericana Televisión El Tornillo era el rey todos los días domingos por la noche con artistas de gran valía...

Era 1976, Gobierno militar dictatorial de Francisco Morales Bermudez, nadie apostaba por la televisión del Estado. Los canales comerciales le habían sacado varios cuerpos de ventaja, porque al parecer, la creatividad escaseaba. Ningún programa del 7 daba un punto de rating y sus directivos querían a como dé lugar ganar audiencia. Una situación que desde esa época ya generaba ansiedad y más de un dolor de cabeza.

Guillermo Rossini, Alicia Andrade, César Ureta, Cayo Pinto, Zulma Viola, Tamara Brown, Nora Guzmán, el "Chino" Yufra, Mario Velásquez "Achicoria", Miguelito Barraza, Juvenal Malpartida, Juan Palomeque, Consuelo García, Román Gámez, el inconfundible maestro Luciano Huambachano y Teddy Guzmán -musa del director- empezando modestamente, como sensual vedette cómica, una carrera que dió un espectacular vuelco dramático en las telenovelas de los 90. Cada uno puso de manifiesto su talento, sin escatimar tiempo ni horarios. Sólo faltaba el nombre para redondear la faena. "Estrafalario", dijo Sanguinetti, al ver a todo el elenco reunido que no se caracterizaba precisamente por la coherencia visual.

Desde su debut, el programa dio en el clavo y la competencia empezó a verlos con singular preocupación. En los canales colegas se enteraron que además de tener un director creativo, los actores de "Estrafalario" se querían como una familia. Les contaron además que cada semana Sanguinetti llegaba con un esbozo de libreto y que luego cada uno aportaba su chispa criolla. La fórmula perfecta había sido encontrada, pero lo único malo era que todos eran del 7.
"Estrafalario" privilegiaba los sketches. Hubo grandes imitadores, entre ellos César Ureta que se hizo conocido en su interpretación de Rita Pavone, actriz y cantante italiana y Guillermo Rossini, famoso en la interpretación de Pepe Biondi.

"Estrafalario" tuvo tres años de gloria absoluta, que terminó abruptamente con la repentina desaparición de su creador, Felipe Sanguinetti. Un edema pulmonar acabó con su vida, dejando a su elenco huérfano y con todas las ganas de seguir con la brega.

Era 1979 y los que quedaron hicieron todo lo posible para mantener el programa pero faltaba un lider. Es así que directivos de Panamericana Televisión convocan a la mayoría de los artistas y arman un nuevo programa con ayuda de debutantes que cambiaría la historia del humor en el Perú. El programa se llamó Risas y Salsa.

Superman: El hombre de Acero?

2007-10-19T17:22:00.000-05:00

Superman es un personaje de ficción y superhéroe cuya primera aparición fue en la revista Action Comics N°1 en 1938. Fue el primer superhéroe en la historia, es decir con habilidades sobrehumanas. Con el tiempo se convirtió en uno de los cómics de superhéroes más populares del mundo, y en inspiración para el naciente género. Su popularidad ha transcendido el mundo del cómic siendo uno de los íconos de la cultura pop.

Superman fue creado por Joe Shuster y Jerry Siegel, y ha aparecido en varias series de radio, televisión, películas y otros medios. En su versión actual, publicada por la editorial DC Comics, Superman nació en el lejano planeta Krypton bajo el nombre de Kal-El. Siendo un bebé, fue enviado al planeta Tierra por su padre Jor-El, justo antes de la desintegración del planeta. La nave espacial en la que viajaba aterrizó en las afueras del ficticio poblado de Smallville (Villachica), en el estado de Kansas. El bebé fue encontrado y adoptado por los esposos Kent: Jonathan Kent y Martha Kent, quienes lo llamaron Clark Kent. Al crecer, Clark fue descubriendo habilidades y poderes sobrehumanos. Clark se convierte en Superman, haciendo uso de sus asombrosos poderes para luchar por la verdad, la justicia y el estilo de vida estadounidense. En su identidad civil, Clark es reportero del diario Daily Planet y un notable escritor de libros en la ficticia ciudad de Metrópolis.

La única debilidad importante de Superman es explicada en detalle en el número 312 de la colección de Superman. Los fragmentos radioactivos del planeta, compuestos por el mineral llamado kryptonita, fueron lanzados por la explosión al espacio. Generalmente, aparecen bajo la forma de cristales verdes, aunque también hay variedades roja, negra, etc., de distintas propiedades. La Kryptonita es letal en los kriptonianos, en los humanos es inofensiva, sin embargo, si se le expone por mucho tiempo(Años)puede generar envenenamiento de la sangre.

El personaje fue utilizado, como la mayoría de los personajes de los cómics estadounidenses de la época, como instrumento de propaganda patriótica durante la Segunda Guerra Mundial..

Con Superman se ha hecho de todo, comics, series, ropa, recuerdos, utensilios, películas. Es uno de los personajes que más se ha tomado en cuenta en el comercio desde que fue creado. Inclusive a mediados de los ochentas se creo otra historia del superhéroe con un final completamente diferente y que pronto de seguro lo tendremos en la pantalla gigante.

Condorito

2007-10-18T15:28:00.000-05:00

Condorito es un personaje de historieta chileno muy popular en Hispanoamérica. El personaje es representado como un hombre-cóndor (en alusión al escudo nacional de Chile) que vive en una ciudad ficticia llamada Pelotillehue y pese a que fue creado por el dibujante chileno René Ríos (mejor conocido como "Pepo"), muchos otros países latinoamericanos consideran erróneamente al personaje como originario de su propia cultura.

Dueños de un humor ingenioso, sano y divertido, Condorito y sus amigos representan fielmente la idiosincrasia del hombre latino. ¿Qué es Condorito? A simple vista es un cóndor humanizado, un hombre cóndor, una maravilla de la naturaleza, y uno de los más grandes íconos del comic de Latinoamérica. Han sabido trascender las fronteras para encontrar una cálida acogida en el corazón del mundo hispanoamericano, donde han logrado alcanzar la más alta popularidad, entre todos los cómics de habla hispana.
Actualmente el número de lectores de la revista, sobrepasa los 82 millones anuales.

Empezó en 1949 con una tira cómica en la revista Okey. En 1955 se edita el primer libro de Condorito, recopilando todas las tiras publicadas a la fecha. Desde mediados de la década de 1950 hasta comienzos de la década de 1980 se editó en forma de revista semanal, llamada "Condorito", la que desde 1983 hasta la fecha, se edita en forma quincenal. También aparecen "Libros gigantes de Oro" mensuales, con chistes clásicos y Ediciones Bimensuales "especiales".
Su formato es de chiste, donde cada pequeña historia es independiente del resto, y tiene siempre un final cómico. Una característica peculiar de la tira cómica, es que al final de cada historia, uno o varios personajes caen al suelo tras ser víctimas de una situación vergonzosa o estúpida, acompañado esto de la onomatopeya "¡PLOP!". También suele terminar con un "¡Exijo una explicación!" por parte de Condorito cuando las cosas no le salen bien.

Los estilos cómicos que predominan en Condorito son el humor blanco y la sátira. La edición es muy cuidada para que no aparezcan groserías, obscenidades o alguna referencia muy marcada al mundo real. El humor blanco se genera de situaciones que se resuelven de una manera ridícula o extraordinaria. En cuanto a la sátira, es más que evidente que el autor se divierte retratando los defectos de todos nosotros, las personas comunes; muchos de estos defectos generan situaciones que concluyen de manera, digamos, insolentemente normal.