viernes, 28 de marzo de 2008

El Genial Charles Chaplin


Actor director, guionista y músico de origen británico (Londres, 1889-Corsier-sur-Vevey, Suiza, 1977). Autor completo, puede que el primero en la cronología cinematográfica, en todo el sentido de la palabra (él mismo escribió la música de sus películas sonoras), Charles Spencer Chaplin encarnó el cine para millones de personas durante varias generaciones, proyectándose en la personalidad de Charlot. Secreto en muchos aspectos, sin embargo el hombre es inseparable del autor. Proveniente de una familia de music-hall al principio próspera pero que a finales de siglo cayó en la miseria, Chaplin debutó en el teatro a los cinco años y desde muy joven tomó parte en las giras a través de Inglaterra y de Europa antes de embarcarse para los Estados Unidos en 1912 (después de una primera estancia en 1910). Mack Sennett se fijó en él, la Keystone lo contrató (dic. 1913) y debutó allí como intérprete de Henry Pathé Lehrman en enero de 1914. Pronto realizó él mismo sus películas, de una y después dos bobinas a un ritmo frenético, dejando la Keystone por Essanay (1915), ésta por la Mutual (1916) y esta última por la First National (1918). En unos cuantos años su salario aumentó diez veces en proporción a un éxito fulgurante que hizo de él el cómico más popular de los Estados Unidos y más tarde del mundo entero. Cofundador de la United Artists con Griffith, Fairbanks y Mary Pickford (1919), pasó a la realización de largometrajes que necesitaron meses de preparación y que fueron objeto de campañas publicitarias muy bien calculadas al controlar Chaplin completamente producción y distribución. Intentaría, incluso, la producción de películas de otros, con The Seagull de Sternberg (para él fue un fracaso y no la distribuyó jamás).

Durante este tiempo, el hombre Chaplin debe capear los primeros temporales de una vida privada que sus dos giras triunfales, en 1921 y 1932 por Europa y más tarde por el resto del mundo contribuyeron a hacer pública. Su primer matrimonio y su primer divorcio (Mildred Harris, 1918, 1920) pasó desapercibido. Pero no ocurriría lo mismo en el segundo (1927), con Lita Grey (casada en 1924) que le interpuso un proceso "escandaloso" haciendo de él el blanco de las ligas puritanas. Además, Chaplin debería afrontar las consecuencias del final del cine mudo, que sobrevino cuando su estilo visual había alcanzado la cumbre. Indiferente, incluso hostil, a la técnica, sólo produjo películas habladas con largos períodos de tiempo entre ellas: Luces de la ciudad es una película sonorizada. Si el matrimonio de Chaplin con Paulette Goddard (1933-1941) gozó de gran discreción, las películas de este período inquietaron al público: Tiempos modernos atacaba el trabajo en cadena, y El gran dictador anunciada abiertamente como panfleto ántihitleriano, le aportó a Chaplin los ataques de los medios aislacionistas. Durante la guerra, intervendría en favor de la apertura del "segundo frente" y, en 1947, sería acusado por la Comisión de Actividades Antiamericanas de simpatizar con el comunismo.

Sus inicios: La Pantomima

El genio de Chaplin hay que buscarlo primero en su oficio original: la pantomima, que enriqueció y refinó casi excesivamente, y después dominó (cf. su doble papel en El gran dictador). A distancia, ella entra en sus películas mudas en composiciones a veces conflictivas con su sentido del espacio todavía demasiado estrecho, pero pronto más sutil que el de Mack Sennett (relación entre los gestos de personajes diferentes, elección de ángulos, cambios de escala). Después la filosofía de Charlot, vagabundo famélico, a menudo víctima, a menudo sentimental pero en ningún caso simple, y ligeramente sádico en ciertos momentos, ha sido indebidamente elevada al rango de un humanismo universal (lo que no significa, en absoluto, que la reflexión sobre la condición humana esté ausente). Sus límites están indicados por el famoso gag de Tiempos modernos en donde el "hombrecillo" se encuentra a la cabeza de una manifestación... porque agita el trapo rojo de una interrupción de tráfico. Hoy, tras un eclipse debido a la política malthusiana del mismo Chaplin en cuanto a una nueva aparición de sus películas, al redescubrimiento de Buster Keaton, a la debilidad de los comentarios vacíos que añadió a algunas de sus obras (sobre todo La quimera del oro) y a la cursilería intrínseca de Candilejas, la reedición integral de los largometrajes nos ha recordado la verdadera grandeza, no exenta de amargura pero a menudo dotada de hermosa generosidad, que sigue siendo la de Chaplin.

El injusto "Oscar"

Una de las mayores injusticias de la historia de los Oscar es que el genial Charlie Chaplin jamás ganase un Oscar como director o protagonista. En 1971 se le dio un más que merecido Oscar Honorífico “Por el incalculable efecto que ha producido en el arte del siglo XX: El Cine”.

Cabe señalar que Charlot participó en una película que sí ganó un Oscar, su nombre, El circo (The Circus; Estados Unidos, 1928) Premios: Oscar mejor actor, director, guionista y mejor película 1929. Entabló roles con actores como Merna Kennedy y Betty Morrisey. Fue el último film mudo de Chaplin. El vagabundo Charlot al huir de los policías encuentra refugio en un circo, conoce a una muchacha quien trabajosamente quiere ser domadora de caballos. Chaplin la ayuda a lograr su propósito y se ilusiona con la joven pensando que ganó su corazón. Sin embargo, la domadora se siente atraída por un equilibrista. Mientras tanto, le suceden mil y una peripecias.

Chaplin, que por entonces vivía en Europa a dónde se fue por la caza de brujas, volvió por primera vez a Estados Unidos en mucho tiempo, el genio no pudo evitar emocionarse, y al recoger el Oscar dijo: “Este es un momento muy emocionante para mí y las palabras parecen fútiles, tan enclenques… Sólo puedo decir gracias por el honor de haber sido invitado aquí. Sois maravillosos, gente dulce”.

Datos interesantes

* Charles Chaplin fue la persona más conocida del mundo desde 1917 hasta mediados de los años treinta. Este dicho está avalado por dos hechos: la rápida difusión del cinematógrafo en las décadas de los años veinte y treinta y también en el viaje que realizó por países de todo el mundo, donde era recibido por grandes multitudes.

* En español, ha quedado la palabra «charlotada» para reflejar una acción grotesca o ridícula y una corrida de toros de tono cómico. Su nombre proviene del torero cómico Carmelo Tusquellas, apodado Charlot porque su traje y estilo evocaban el de Chaplin.

* Se dice que el humor que muestra Charlot en sus películas es «universal». Para comprobar esto, a finales de los años 90 se realizó un experimento, consistente en proyectar varios de los cortos de Charlot a distinto público, de distintas culturas, que nunca antes habían visto a Charlot y, en muchos casos, ni siquiera habían tenido la oportunidad de ver televisión y cine. El experimento dio resultados concluyentes: aunque había culturas donde no entendían lo que veían (no eran capaces de entender las construcciones, vehículos, ropa, protocolos sociales, etc, de la Norteamérica de principios del siglo XX), sí que se divertían y reían con las persecuciones, caídas, tartazos, trucos, timos, etc. protagonizados por Charlot.
* Candilejas (1952) es la antepenúltima película de Charles Chaplin. El artista británico espacia cada vez más sus proyectos en el tiempo. Pero este film está hecho a conciencia por el cómico. Chaplin sabe jugar perfectamente los tiempos de la comedia y el drama. Todo ello envuelto por unos diálogos tiernos y perfectamente elaboradas. Cabe destacar también la banda sonora de la película, compuesta por el propio Chaplin, y que es uno de los grandes temas de la historia del cine. De hecho, por esta composición, Chaplin ganó el Óscar en 1972 a la mejor musica original 20 años después del estreno de la película.

* Como curiosidad cabe destacar que una vez participó en un concurso de imitadores de Charles Chaplin pero no alcanzó ni las finales, aunque leyendas urbanas dicen que quedó tercero o segundo.

* El prestigioso director italiano Pier Paolo Pasolini era fan de Chaplin y de sus películas. En su película Los cuentos de Canterbury, el personaje de Ninetto Davoli es una especie de recreación del personaje de Charlot. Una de las hijas de Chaplin, Josephine Chaplin también trabajó en la película, felicitando a Davoli por su excelente homenaje a su padre.

Bibliografía

CHAPLIN, Charles, Mi autobiografía. Editorial Debate, 1996
VILARDELL BALASCH, Víctor, Chaplin, el fabricante de sueños, Editorial El Rompecabezas. Colección Sabelotod@s. 2007



sábado, 22 de marzo de 2008

Ben Hur (1959)


Casi es una fija todos los años durante la programación de semana santa, los canales de televisión colocan dentro de su lista de programas, la clásica película BEN HUR.

Ben-Hur es una película de 1959 dirigida por William Wyler para la Metro-Goldwyn-Mayer. Fue la primera película en la historia en recibir 11 Premios de la Academia, número alcanzado más tarde por Titanic y El Señor de los Anillos: El Retorno del Rey. Hay que hacer la salvedad que actualmente se han aumentado las categorías a la hora de premiar y eso es otro atractivo que tiene el clásico Ben Hur en su haber. Se trata de una superproducción que relata la vida de un judío en los años de la predicación de Jesús.

Fue la película más cara en su momento, sólo superada después por Cleopatra pero por ser un completo desastre su organización y duración de rodaje. A pesar del presupuesto enorme de Ben-Hur, en proporción a su versión antigua en blanco y negro (remake de la excelente versión de Fred Niblo de 1925, con Ramón Novarro y Francis Bushman), fue más barata y también más rentable. La antigua costó alrededor de $6.600.000 de la época (década de los 20) y aunque rompió récords de taquilla y estuvo muchos años en cartel, nunca llegó a recuperar todo el dinero invertido.

La producción fue tan complicada y necesitó de tantos recursos humanos y materiales, que se dispararon los costes de una manera desorbitada. $15.000.000 fue el coste final de la película, la más cara por aquel entonces, aunque en el primer año de exhibición en cartelera ingresaron $40.000.000 en taquilla.

Entre los preparativos y el rodaje, la producción de "Ben-Hur" se prolongó durante cinco años. Construir el circo para la carrera de cuádrigas llevó todo un año. Los entrenamientos de los encargados de llevar las cuádrigas abarcaron 4 meses, mientras que el rodaje de la carrera duró 3 meses y dura 20 minutos de secuencia en la película.

Se hicieron más de 100.000 diseños de vestuario, se utilizaron más 8.000 extras y 300 decorados.

La escena en que Judah se reencuentra con Esther, era una parte de la película que el director no sabía como realizar. No tenía muy claro como tratar el tema y pensaba suprimir dicha escena. Sin embargo, un día, hablando con su amigo Miklos (el arreglista musical) le comento su problema, este le dijo que no se preocupase, que el haría una música para la escena, y a partir de ahí, tendría material para trabajar su escena. William Wyler le hizo caso y al final quedó la secuencia que se ve en la película. Lo que no se sabe es que dicha escena le costó a los estudios $5.000 más de presupuesto. Desde ese día, ningún director volvió a preguntarle a Miklos sobre qué hacer o no hacer en una escena...

Tras llevar unas semanas de rodaje, el director William Wyler estaba muy preocupado por la actuación de su actor principal Charlton Heston, que no daba pie con bola porque no se tomaba en serio los rodajes. Ante esta situación, Wyler fue a la caravana y le preguntó a Heston si le pasaba algo que perjudicase a su actuación. Éste, socarronamente, le dijo que él sí actuaba bien, lo que pasa es que Wyler no se daba cuenta. Viendo esto, Wyler le dijo que bien, pero que supiese que en el rodaje y en todos los estudios, solo se hablaba de su patética imagen en los rodajes frente a la impresionante actuación de su compañero de reparto Hugh Griffith. Desde ese día, Wyler no tuvo que volver a la caravana de Heston.

Durante el rodaje, el actor Stephen Boyd que reprentaba a Messala, se encontró con el problema de que en su papel tenía que representar a un hombre que era amigo de Ben-Hur, pero a la vez su principal verdugo. Un hombre que era capaz de querer profundamente, pero también dejar cualquier escrúpulo ante el ejercicio de sus deberes. Wyler, viendo el problema, habló con él para ayudarle con el personaje. Lo curioso fue la idea que le dio: aconsejado por Gore Vidal para desarrollar su personaje, le dijo que debía enfocar su relación hacía Ben-Hur como una relación homosexual. Una relación homosexual pero no física, sino emocional. Admirando y queriendo a Judá desde lo más profundo de su ser pero a la vez escondiendo sus sentimientos y su oscuro deseo. Gracias a este consejo y al buen hacer de Boyd, su actuación fue la más sobresaliente de toda la película. Y por supuesto, Heston jamás se enteró de esto ya que él fue el principal precursor de anular en la película cualquier tipo de relación homosexual entre Judá y Messala.

Comprar los derechos de la novela le supuso a Metro Goldwyn Mayer 600.000 dólares de 1925, así que para volver a llevarla a la pantalla en 1959 no tuvo que desembolsar cantidad alguna ya que los derechos para el cine aún le pertenecían.

Joe Canutt, hijo de Yakima Canutt, dobló a Charlton Heston durante la carrera de cuádrigas sufriendo un percance muy serio en el momento en que la cuádriga de Heston salta por encima de la de otro participante y Joe está a punto de caerse bajo los caballos. Heston quedó tan satisfecho con el trabajo de Joe como doble suyo que ésta no sería la última vez que lo doblase.

Esta película filmada originalmente en el sistema Cinemascope muestra un excelente nivel de calidad cuando es proyectada en salas que cuentan con este sistema, no así en sus versiones DVD o VideoCD aunque existen nuevas versiones en DVD que aprovechan las características del formato de pantalla-amplia (WideScreen) para mostrar las características de dicho método de registro. Muchos sostienen que no tiene el mismo nivel de proyección. Varias de las películas calificadas como las grandes super-producciones utilizaron este método de filmación.

Ben-Hur sin duda cuenta con una de las piezas musicales más impresionantes que se hayan hecho nunca, no sólo por su belleza musical con temas tan impresionantes como el de Judah o el propio Jesucristo, amén de sus imperiales marchas, sino también por la exquisita complejidad de su música a la par que sencilla en cuanto a como resuelve los problemas de unión de uno o varios temas. Su compositor, Miklos Rozsa, posiblemente el mejor compositor de BSO de la historia, sólo igualado por su pupilo John Williams(Star Wars, La lista de Schindler, ET, Indiana Jones, Tiburón...), es capaz de crear una música que llena la pantalla no sólo por su grandiosidad, sino por esa innata virtud que muy pocos compositores tenían de crear en composición los trazos y rasgos más importantes de cada personaje en un tema específico que entre-teje y enlaza con el tema de Jesucristo o el tema de Messala.

Reparto

Charlton Heston / Judah Ben Hur
Jack Hawkins / Quintus Arrius
Haya Harareet / Esther
Stephen Boyd / Messala
Hugh Griffith / Sheik Ilderim
Martha Scott / Miriam
Cathy O'Donnell / Tirzah
Frank Thring / Poncio Pilatos
Claude Heater / Jesús

Premios de la Academia (Oscares)

Oscar a la mejor película — Sam Zimbalist, productor
Oscar a la mejor dirección — William Wyler
Oscar al mejor actor — Charlton Heston
Oscar al mejor actor de reparto — Hugh Griffith
Oscar a la mejor dirección de arte — Edward C. Carfagno, William A. Horning, and Hugh Hunt
Oscar a la mejor fotografía — Robert Surtees
Oscar al mejor diseño de vestuario — Elizabeth Haffenden
Oscar a los mejores efectos visuales — A. Arnold Gillespie (visual), Milo B. Lory (audible), and Robert MacDonald (visual)
Oscar al mejor montaje — John D. Dunning and Ralph E. Winters
Oscar a la mejor banda sonora — Miklós Rózsa
Oscar al mejor sonido — Franklin Milton

viernes, 14 de marzo de 2008

Viaje al fondo del Mar

La serie "Viaje al Fondo del Mar" (Voyage to the Bottom of the Sea) fué realizada por Irwin Allen en 1964 como secuela a la película del mismo nombre que produjo en 1961, protagonizada por Walter Pidgeon y que se basaba en una novela de Theodore Sturgeon. Consta de cuatro temporadas con un total de 110 episodios en color (excepto la primera temporada que fué rodada en blanco y negro, estuvo en antena hasta 1968 cuando fue cancelada.

Irwin Allen se hizo muy popular por sus películas de desastres en los años setenta (La aventura del Poseidón, El coloso en llamas etc...) pero muchas personas recuerdan todavía los buenos ratos que hacían pasar sus series de televisión, especialmente sus "4 grandes": Viaje al fondo del Mar, Perdidos en el Espacio, El Tunel del Tiempo y Tierra de Gigantes.

Finalizando el mes de Diciembre de 1970 comenzó a exhibirse en Perú "Viaje al fondo del mar", Panamericana Televisón la pasaba por las noches los fines de semana. Era una sorprendente mezcla de aventuras y ciencia-ficción que contó con numerosos seguidores entre los mayores y niños de la época. Los pequeños se quedaban ante el televisor con los ojos muy abiertos, y amenudo con un poquito de sobresalto, dispuestos a no perderse ni una sola de las fascinantes aventuras del "Seaview o Neptuno" el fabuloso submarino manejado por el almirante Harriman Nelson y su comandante, Lee Crane.

El "Seaview" no era estrictamente un navío de combate, aunque, como medida de prevención iba armado, incluso con tubos lanza torpedos, ya que la naturaleza de las funciones que realizaba eran de caracter científico, si bien muchas de las misiones y hallazgos técnicos y de las investigaciones que llevaba a cabo por cuenta del Estado revertían en datos de origen estratégico de gran valor militar. Por eso, en muchas ocasiones, era perseguido, obstaculizado e incluso atacado por navíos enemigos. Junto al elemento dramático y a los datos de ciencia-ficció había, en "Viaje al fondo del mar", una buena dosis de suspense, a veces con mostruos y todo, habilmente manejado por una correcta realización. Las difíciles situacionesen las que se veía envuelto el submarino alcanzaron su punto culminate cuando, se producían averías que precisaban reparar sobre la marcha para salvarse de perecer en las misteriosas profundidades del oceáno.

Para la realización de los guiones que compusieron las aventuras del Seaview, la producción contó con un importantísimo grupo de profesionales. Cabe destacar a Don Brinkley, Alan Caillou, Raphael Rayes o William Read Woodfield. Las historias creadas por estos guionistas fueron muchas veces tan absolutamente increíbles, incluso para un producto del género fantástico como el que nos ocupa, que actualmente pueden llegar a provocar la risa del espectador. Sobre todo merecen destacarse la colección de monstruos aparecidos en el transcurso de la serie, hoy en día absolutamente Kistch y que no consiguen impresionar ni a los más pequeños televidentes. Por la serie desfilaron también conocidos personajes del cine y la televisión como Viveca Lindfords, Robert Duvall o Barban Bouchet. Es en este apartado de los actores secundarios, o mejor dicho «estrellas invitadas», donde la serie destacó por la variedad y la calidad ofrecida.

Reparto

Almirante Harriman Nelson
Richard Basehart

Comandante / Capitan Lee Crane
David Hedison

Teniente Comandante Chip Morton
Robert Dowdell

Jefe Curley Jones (1ª temporada)
Henry Kulky

Jefe Francis Ethelbert Sharkey
Terry Becker

Kowalski
Del Monroe

Patterson
Paul Trinka

Riley (2ª Temporada)
Allen Hunt

Sparks
Arch Whiting


sábado, 8 de marzo de 2008

La Gata Loca


La Gata Loca o Krazy Kat es una tira de prensa o tira cómica (comic strip) creada por George Herriman, y que se publicó en periódicos estadounidenses propiedad de William Randolph Heart entre 1910 y 1944. El nombre de la historieta es también el del personaje principal de la tira. En Latinoamerica se ha traducido en ocasiones como La Gata Loca.

Producido por Famous and Paramount Cartoon. En el Perú se transmitía por Canal 2 (la primera señal, no Frecuencia Latina, los sábados al caer la tarde, eso ocurría a mediados de los setentas. Transmitido por PANTEL durantes las tardes de lunes a viernes al comienzo de la década de los ochentas.

Todo comenzó en 1910, cuando George Herriman (1880-1944) dibujó a una gata golpeada por un ladrillo que había lanzado un ratón para llenar el espacio en blanco de la historieta en la que por entonces trabajaba. Eso fue suficiente para que, además de magullada, la víctima quedara flechada por la perversa puntería de su panzón opresor. El idilio continuó durante tres años hasta exigir su propia tira cómica: COCONINO. Se cimentó así uno de los romances más insólitos del mundo del cómic y la animación, dominado por el signo tanático del amor-odio, o, dicho a nuestro modo, del amor cholo. El primer impacto del primer ladrillo en ese inmaculado cerebro felino fue el Bing-Bang, no sólo del árido y surrealista condado de COCO-NINO (supuestamente ubicado en Arizona) y sus excéntricos habitantes, sino también, y sobre todo, de un amor que representa la utopía misma del sadomasoquismo.

Y es que, en realidad, La Gata Loca, traicionando el instinto aventurero de su especie, será de Ignacio hasta la muerte; y cómo no ha de serlo, si cada ataque (cada prueba de amor) la hace literalmente ver estrellas, quitándole en razón lo que gana en afecto. Bondadosa hasta la santidad (o hasta la estupidez), la amorosa e inocente minina será siempre antídoto y ejemplo para contrarrestar las perfidias del malogrado roedor, ambicioso, egoísta, cínico, violento, revoltoso, corrupto, misógino y antisocial. En resumen, un antihéroe de verdad.
Un clásico de la historieta
Considerada como una de las obras maestras de la historieta, empezó a ser producida como dibujo animado a partir de 1916, y se llegaron a realizar muchas películas mudas tomándola como base. Obviamente, la versión que la mayoría conoce es más moderna*, pero mantiene básicamente los cambios con los que el mismo Herriman distinguió al cómic de la serie animada, suavizando principalmente la implícita crítica social, simplificando los diálogos, reduciendo la cantidad de personajes y, oh escándalo, anulando esa ambigüedad sexual que en la historieta tenía La Gata (y que posibilita la indeterminación del género de su nombre en inglés: KRAZY KAT). Una gata entonces definitivamente femenina, sin conflictos de identidad, abocada como siempre a su adorado ratón y al éxtasis de sus ladrillazos, protagonista eterna de una trama simple pero mágica, deliciosamente absurda, mártir de un amor sublimado, reprimido, pero peligrosamente latente en muchos subconscientes.

La productora de esos dibujos se llamaba "king Features", y con cada episodio de La gata loca hacían a continuación otra serie de militares un poco disparatada en la que había un sargento con muy renegón. Se llamaba " Beto El Recluta y Tapón", también por cierto muy chistosa.

Una ración de realidad elevada a la enésima potencia de lo absurdo y de lo divertido, una fábula mestiza dónde nada es gratuito y que puede tambalearte de un extremo al otro. Esta es la excelentísima obra de este castizo autor, que con los años se ha vuelto única e irrepetible. Una lección que abrió camino a generaciones posteriores aunque en su momento fuese básicamente ignorada.

domingo, 2 de marzo de 2008

El Spirograph (espirograf)

Antes de terminar la década de los 60's, apareció en el mercado un juguete que revolucionaría la idea de juguete en nuestro medio. Un juguete era solo para divertir al niño y si tenía algo de educativo era un plus muy inusual. En ese tiempo y por espacio de 10 años, el mercado de juguetes se planteó la necesidad de llevar diversión con educación y fueron desfilando juguetes de variados tipos con el preciado ingrediente educativo muy celebrado por los padres de familia de la época.

Habían muchas empresas que tenían como juguete este tipo muy original de juego, el Spirograph se comercializaba en todas partes del mundo. Entre las firmas que lo hacían estaban Vintage Co. , Kenner's Inc., Denys's Ficher, etc. Un juguete que se haría muy popular entre los niños de la época, un juguete para poder dibujar jugando. Con él, haciamos rodar un círculo interior dentado o exterior sobre otro círculo, que permanece fijo, y colocando un bolígrafo en cualquier punto (agujero) del círculo que rueda, obteníamos bonitos dibujos. ¡Era increible!, con nuetra corta edad y los magnificos dibujos que hacíamos con varios colores o a un sólo color. También existían otras versiones más económicas que se vendían en kioscos y papelerías e iban en una bolsita de plástico o de celofán.

No era necesario saber dibujar para hacerlo, desarrollaba la habilidad con la muñeca y los trazados con lapiceros de colores formaban diseños muy sicodélicos a manera de flores y guardas, muy de moda por aquel entonces. Se siguió vendiendo este juguete hasta los 80's con mucha regularidad. De vez en cuando todavía se ofertan en tiendas de grandes almacenes o tiendas por departamentos, ya que ahora constituye un juego clásico que jamás pasará de moda, creo que Hasbro lo tiene dentro de su línea.

Inclusive hace un mes tuve la oportunidad de ver realizar diseños para joyas usando el spirograph cuando el diseño por computadora no es usado. Una maravilla ver esos dibujos después convertidos en preciosas y finísimas joyas.