Los sorprendentes juegos LEGO

Al entrar a una tienda de almacenes para comprar un juguete a mi hijo como obsequio de Navidad, pude ver entre toda la juguetería, una enorme sección dedicada a los juguetes para armar marca Lego. Entró en esos momentos en mi una nostalgia de los tiempos cuando era niño y recordé mi primera caja de Lego para armar. Me acuerdo que eran piezas grandes , un tanto toscas pero de increíble precisión al relacionarse unas con otras. Dentro de los juegos de su categoría la marca Lego se distinguía siempre por la calidad de sus productos y por la innovación en sus diseños. Ahora al ver diseños de naves espaciales y androides, todos para armar, veo con asombro como ha evolucionado este tipo de juegos. Justamente esta nota se trata de conocer mejor que hay detrás de esta marca conocida...

LEGO es una empresa de juguetes danesa reconocida principalmente por sus bloques de plástico interconectables. El nombre LEGO fue adoptado por la compañía en 1934, formado por la frase del danés "leg godt", que significa "juega bien". Hasta 1949, LEGO se dedicó casi exclusivamente a producir juguetes de madera. LEGO no fue siempre el sistema de bloques plásticos que es hoy. Sus humildes orígenes surgieron en el taller de Ole Kirk Christiansen, un carpintero pobre de Billund, Dinamarca. Su innovador negocio familiar crecería hasta convertirse en una de las compañías de juguetes más respetadas del mundo.

En 28 de enero 1918, Christiansen abrió un negocio de carpintería en Billund, y se ganó la vida construyendo casas y muebles para granjeros de la región con la ayuda de un pequeño equipo de aprendices. Su taller fue quemado en 1924. Ole Kirk tomó el desastre como la oportunidad de construir un taller mayor, y se dedicó a ampliar su negocio. Intentando encontrar formas de minimizar sus costos de producción, Ole Kirk comenzó a producir versiones miniatura de sus productos como ayuda de diseño. Sus escaleras en miniatura y tablas de planchar fueron las que lo inspiraron a producir juguetes.

No fue hasta 1934 que el nombre LEGO fue acuñado por Christiansen a raíz de la frase danesa leg godt, la cual significa "juega bien". Cuando el plástico alcanzó uso masivo, Ole Kirk se adaptó a los cambios y comenzó a producir juguetes de plástico. Uno de los primeros juguetes modulares producidos por LEGO fue un camión el cual podía ser desarmado y re-ensamblado. No fue hasta 1949 que los bloques de plástico interconectables, los cuales llevaron a la compañía a la fama, fueron desarrollados. Estos "bloques de construcción automáticos", fabricados de acetato de celulosa, fueron desarrollados al estilo de los bloques de madera tradicionales, los cuales podían ser apilados unos sobre otros; el concepto revolucionario, sin embargo, fue el hecho de que los bloques de plástico podían ser "trabados" entre sí. Cada bloque poseía varios botones planos en su cara superior y un fondo ahuecado rectangular. Conectando las caras superior e inferior de dos bloques era posible mantenerlos unidos. En 1953, estos bloques obtuvieron un nuevo nombre: LEGO Mursten o "bloques LEGO".

La utilización de plástico para la fabricación de juguetes no fue bien recibida por vendedores y consumidores de la época. Muchos de los cargamentos de LEGO fueron devueltos, siguiéndoles bajas ventas; se consideraba entonces que los juguetes de plástico no podrían reemplazar a los de madera. No fue hasta 1958 que el diseño de los bloques actuales fue desarrollado. Los bloques fueron mejorados con tubos huecos en su cara inferior. Este cambio permitió mayor apoyo en la base, mejorando ampliamente la habilidad de ligarse y su versatilidad. Ole Kirk Christiansen falleció ese mismo año y Godtfred heredó el liderazgo de la compañía.

1961 y 1962 vieron la llegada de las primeras ruedas LEGO, un agregado que expandió el potencial para construir automóviles, camiones, autobuses y otros vehículos a partir de ladrillos LEGO. En 1963 el acetato de celulosa, el material plástico utilizado para fabricar los ladrillos LEGO, fue abandonado a favor de un material más estable. Los ladrillos de acetato de celulosa poseían problemas de deformación y arqueado; sus sucesores fueron fabricados con acrilonitrilo butadieno estireno, o plástico ABS, el cual es utilizado aún hacia el 2004. El ABS posee un gran número de ventajas sobre el acetato de celulosa: es más resistente al calor, ácidos, sales y otros químicos y no es tóxico. Los ladrillos LEGO fabricados con plástico ABS en 1963 mantienen aún su forma y color 40 años más tarde.

Los juegos "serie experto" fueron presentados en 1975, orientados a aficionados LEGO de mayor edad y más experimentados. Esta línea pronto se convirtió en el juego "constructor experto", lanzado en 1977. Estos juegos técnicos incorporaban partes móviles como engranajes, ruedas dentadas, palancas, ejes y coyunturas universales, los cual permitía la construcción de modelos realistas como automóviles. Finalmente, el mundo LEGO fue reunido en 1978 con la incorporación de las figuras en miniatura LEGO, "minifig", producidas aún en la actualidad. Estas personitas LEGO poseen piernas y brazos articulados y una amable sonrisa. La figura fue utilizada en diversas variedades de juegos LEGO, permitiendo a los consumidores crear intrincadas ciudades con edificios, rutas, vehículos, trenes y barcos en una misma escala y poblarlas con los sonrientes ciudadanos LEGO.

Curiosidades

- Una de las características esenciales de los ladrillos LEGO a través de su historia ha sido que cada una es, ante todo, parte de un sistema. Cada nueva serie y juego que es lanzado es absolutamente compatible con el resto del sistema; las piezas LEGO, sin importar su tamaño, forma o función, encajan con todas las demás piezas LEGO de alguna manera. Los mecanismos de engranajes y motores introducidos en los juegos Technic avanzados, diseñados para adolescentes, pueden ser acoplados a los ladrillos DUPLO diseñados para niños de 3 años de edad sin esfuerzo alguno.

- La producción anual de ladrillos LEGO ronda aproximadamente los 20.000 millones anuales, o cerca de 2,3 millones por hora.

- LEGO Bionicle fue una de las series que reemplazaron el uso tradicional de minifigs y ladrillos por piezas que aumentaban su movilidad.

- Desde el comienzo de la producción de ladrillos de plástico, LEGO ha lanzado varios miles de juegos con distintos motivos, incluyendo el espacio, Bionicle, Exo-Force, vikingos, piratas, castillos medievales, dinosaurios, ciudades, suburbios, destinos vacacionales, el salvaje oeste, el ártico, barcos, automóviles de carrera, trenes, Star Wars, Harry Potter agentes secretos, Indiana Jones, Speed Racer y otros. Nuevas piezas son lanzadas constantemente, aumentando cada vez la versatilidad de los juguetes LEGO.

La Serie Rosa: "Guardad celosamente el secreto"

En esta oportunidad me place recordar aquellas noches en las que a escondidas prendía el televisor a la media noche para alimentar mi ojo voyeur, viendo: La Serie Rosa. En la oscuridad de la noche y de mi dormitorio, mi televisor y yo todos los domingos a las 11 de la noche entrábamos despues de cruzar el umbral de lo prohibido al expectar una serie que marcó época en mi vida. Fue una serie de capítulos que mostraban cada domingo una historia llena de erotismo y magia que nos movía por dentro y nos llevaba por el mundo de la fantasía.

Esta serie co producción española/francesa reune 28 episodios en torno al erotismo recreado en escenarios clásicos y ornamentados, tanto en la ambientación como en el vestuario. Serie inolvidable con un encanto especial, que en cortos minutos, 26 para ser más precisos, escenificaban situaciones eróticas cargadas de picardía y glamour (ingredientes para mi impresindibles dentro de lo que pueda considerar erótico), en donde la levantada de una falda, el acercamiento de la cámara a un seno o un beso tímido, eran motivos de excitación para más de un televidente incauto.

También ha sido transmitida en otros canales de Europa, Latinoamerica y Estados Unidos, conociéndose como : Erotisches zur Nacht y Softly from Paris (USA) Comenzó a emitirse en el año 1986. Esta serie erótica es una antología de historias libertinas adaptadas de obras literarias desde el siglo XVIII a nuestros días. Fue producida por Pierre Grimblat y Gerson Barraza.

Llega a mi mente, una frase que se decía casi en el epílogo de cda capítulo: "Guardad celosamente el secreto", y era lo que todo televidente ponía en práctica al apagar su aparato de televisor. Pocos comentarios con los amigos te permitía dar esta serie, si eras puber o adolescente lógicamente había algo más que hablar.

Papá lo sabe todo

Father Knows Best o Papá lo sabe todo fue una de las series familiares que marcaron época en Estados Unidos y fue una de las primeras series televisivas que trataba de mostrar el prototipo de familia americana. La Familia Anderson, que permaneció en pantalla en el top de sintonía entre 1954 y 1963: Mamá Margaret (Jane Wyatt); Papá Jim (Robert Young); Bud (Billy Gray); Kathy. la hija menor (Lauren Chapin) y la hija mayor, Betty (Elinor Donahue). Sin embargo comenzó a emitirse años antes.

La serie comenzó a difundirse el 25 de agosto de 1949, por la Cadena de TV NBC . Situando la locación en la coste oeste del USA, que protagonizó Robert Young interpretando al agente de seguros Jim Anderson. llega a ser emitida hasta la noche del 25 de marzo de 1954.

Si bien es cierto que fue considerada una serie muy optimista sobre el rol de la familia en la sociedad americana, también cayó en no recoger ni reflejar lo que era realmente, ya desde esos tiempos, en los 50's, despues de la post-guerra, a los americanos les costaba muchos llevar una vida tan plenamente como se reflejaba en dicha serie.

En los 6 años que duró su emisión se desarrollaron 205 episodios. En Perú creo que se llegaron a ver solo la tercera parte de los capítulos. Era una serie muy popular durante las tardes. En blanco y negro durante los últimos años de los 60's y primeros de los 70's las familias la apreciaban por America TV Canal 4, y realmente creo que el desenvolvimiento de los personajes encajaba mejor con el estilo de vida de la clase media peruana de aquel entonces.

Los Chupa Chups: Medio siglo de rico sabor

Se acuerdan de esos chupetes redondos que en la década de los 70's inundaron todas las tiendas de golosinas en el Perú? Esos caramelos con palo redondos que cambiaron la forma de los chupetes caramelos? Antes de ese tiempo los chpetes eran planos y de muchas formas, casi no tenían volumen.

Nació hace cincuenta años como una ingeniosa y práctica solución para evitar que los peques se pringaran las manitas de caramelo. Medio siglo después, el Chupa-Chups -chupachús para sus adeptos españoles- se ha convertido en un fenómeno global. Un éxito empresarial y comercial que ha sabido imponer su magistral sencillez y sobrevivir en medio de la sofisticación y la tecnificación de las golosinas.

Los Chupa Chups fueron los que revolucionaron la venta de chupetes en todo el mundo, los producía una compañía española dedicada a la fabricación y venta de piruletas. Fue fundada por el catalán Enric Bernat en 1958. La compañía pertenece al grupo italo-holandés Perfetti Van Melle desde 2006.

El orígen de los Chupa Chups se produce cuando su futuro fundador y presidente, Enric Bernat idea un sistema por el cual los niños eviten la incomodidad de ensuciarse las manos. -"Sería -recuerda- como tomar un caramelo con tenedor". La propuesta de Enric Bernat es rápidamente recogida, experimentada y, finalmente, producida. Pero no será un tenedor sino un palo de madera el que permita, por fin, tomar, cómodamente, un caramelo, a partir de entonces, un Chupa Chups.Desde la primera fábrica, ubicada en Asturias se produce el lanzamiento del primer caramelo con palo industrializado que ofrece una gama siete sabores distintos. Precio de mercado: 1 peseta. Un precio elevado para los años cincuenta pero sin duda, para alentar la imagen de un caramelo de calidad.

En 1967 se inaugura una nueva fábrica en Sant Esteve de Sesrovires (Barcelona). Y en ese mismo año nace la primera filial extranjera en Perpiñán (Francia). Todo ello supone el inicio de la cuenta atrás para el encuentro de la historia con Chupa Chups, uno de los caramelos más populares y mejor posicionados del mundo.

En 1995 Chupa Chups se convertía en el primer caramelo con palo consumido en el espacio. Personajes como Johan Cruyff, Rivaldo, Mariah Carey, Harrison Ford, Esther Cañadas, Giorgio Armani, han protagonizado campañas y se les ha visto en lugares públicos saboreando Chupa Chups. En julio de 2006, la empresa italo-holandesa Perfetti Van Melle llegaba a un acuerdo con los herederos de Enric Bernat (fallecido en diciembre de 2003), para adquirir la mayoría del capital de la empresa Chupa Chups.

Hoy en día, la producción anual es de unas 17.000 toneladas; la producción diaria, de unos 12 millones de unidades. En su momento, cuando comenzó todo el negocio, necesitaban la creación de un logo que llame la atención y fue diseñado al final por el pintor surrealista Salvador Dalí. La primera publicidad fue el logo con el eslogan «És rodó i dura molt, Chupa Chups», que se traduce del catalán como «Es redondo y dura mucho, Chupa Chups».

Un Chupa-Chups no es otra cosa que una esfera de caramelo elaborado a base de azúcar, agua y glucosa, que se calienta hasta que se evapora el agua, y a la que más tarde se le añade el ácido y el aroma según el sabor. Es decir, la base de 'Chupa-Chups' es común a cualquier caramelo; lo diferente es el aroma y el colorante, que a lo largo de la historia se han llegado a producir más de 127 sabores. Gustos tan dispares como Daikiri, Manzana al horno, Piña Colada e incluso ají.

Una vez que la masa está formada tiene lugar el proceso de homogeneización e introducción en los moldes. Finalmente se inyecta el palillo, se enfría y se envuelve en su caraterístico celofán. Un paso crucial este último, dada la importancia del aspecto visual para la venta del producto. Una golosina de colores atractivos y llamativos siempre despierta el apetito, en especial si se expone en un punto de venta cerca de la caja de los comercios. Unos coloristas expositores que fueron clave en su éxito, junto a la distribución. Comenzó en la España de los sesenta en aquellos Seat 600 con el logo de la marca que llegaban a los más remotos puntos de venta, 300.000 repartidos por todo el país. Se despachaba entonces a una peseta, un precio redondo pero bastante caro para la época.

Su consumo, que dura una media de 10 minutos, se ha relacionado con una estética determinada, con una manera de combatir la ansiedad, engañar las ganas de fumar y evitar picar entre horas.

Charles Chaplin: Algo más sobre Charlot

El personaje de Charlot ya no necesitaría los payasos de la Keystone; incluso si debía repetir aquí y allá ciertos episodios de sus viejas películas, el trabajo de Chaplin consistía, en parte, en precisarlo, pulirlo, liberarlo de la carga de vulgaridad (y también de los reflejos mecánicos heredados del slapstick) para elevarlo hasta la comicidad más noble. Al mismo tiempo que la profundización en el gag, si intentaba realzar a Charlot, conllevaba una disminución del ritmo (sensible sobre todo en La quimera del oro) los elementos sentimentales, desde el principio siempre presentes, se precisan y llegan hasta el romanticismo melodramático (Luces de la ciudad).

Durante este tiempo, el hombre Chaplin debe capear los primeros temporales de una vida privada que sus dos giras triunfales, en 1921 y 1932 por Europa y más tarde por el resto del mundo contribuyeron a hacer pública. Su primer matrimonio y su primer divorcio (Mildred Harris, 1918, 1920) pasó desapercibido. Pero no ocurriría lo mismo en el segundo (1927), con Lita Grey (casada en 1924) que le interpuso un proceso "escandaloso" haciendo de él el blanco de las ligas puritanas. Además, Chaplin debería afrontar las consecuencias del final del cine mudo, que sobrevino cuando su estilo visual había alcanzado la cumbre. Indiferente, incluso hostil, a la técnica, sólo produjo películas habladas con largos períodos de tiempo entre ellas: Luces de la ciudad es una película sonorizada.

Si el matrimonio de Chaplin con Paulette Goddard (1933-1941) gozó de gran discreción, las películas de este período inquietaron al público: Tiempos modernos atacaba el trabajo en cadena, y El gran dictador anunciada abiertamente como panfleto ántihitleriano, le aportó a Chaplin los ataques de los medios aislacionistas. Durante la guerra, intervendría en favor de la apertura del "segundo frente" y, en 1947, sería acusado por la Comisión de Actividades Antiamericanas de simpatizar con el comunismo.

Simultáneamente, la audacia formal creció en sus películas tras sus vacilaciones ante el cine mudo. En este sentido nos referimos menos a la metáfora del rebaño de Tiempos modernos (el adiós de Charlot), que recuerda a Eisenstein como a la iluminación expresiva de Luces de la ciudad y sobre todo a la franqueza con la que, en El gran dictador, Chaplin resolvía su problema central: hacer pronunciar al protagonista un discurso que trascienda el tiempo y el espacio. En 1942, la joven actriz Joan Barry instigó contra Chaplin un escándalo que concluiría en 1948, con la condena del cineasta a tener que pasar una pensión a un hijo que no era suyo. Entre tanto, Chaplin había encontrado una compañera, quizá largo tiempo buscada en la persona de Oona O'Neill, con la que se casó en 1943, a pesar de la oposición de su padre, el dramaturgo Eugene O'Neill. En Monsieur Verdoux, Chaplin retiraba la máscara de Charlot, podríamos decir, y agredía al público componiendo un personaje inspirado de Landrú, obligado a matar mujeres para alimentar su familia, y sin embargo siempre secretamente dispuesto al amor (éste, en los Chaplin de la madurez, tiene como pilar una especie de sensualidad afectuosa de la que encontramos pocos ejemplos en el cine).

El fracaso de Monsieur Verdoux, espléndida fábula satírica que desemboca en el humor negro, era previsible. Más oscura fue la huida de Chaplin y de toda su familia a Europa, tras el estreno privado de Candilejas (Septiembre 1952), la película que volvía a tratar el tema, bastante convencional, del payaso incapaz ya de hacer reír; ¿fue un alegato?. La gira de presentación fue un éxito, pero al otro lado del Atlántico las hostilidades acumuladas contra Chaplin no ceden. Además, Un rey en Nueva York, rodada en Londres en 1956-57, conllevaba, en nombre del pacifismo una condena a los Estados Unidos que se refería sobre todo a la ignorancia y la estupidez del maccartismo entonces en decadencia.

Habiendo encontrado en Europa la tranquilidad, Chaplin redactó sus memorias (My Autobiography, 1964) de poco interés y añadió a su filmografía La condesa de Hong Kong, obra aún hoy poco conocida, su única película en color, en la que se contentó con una aparición (1967). En 1972, aceptó regresar a esa América a la que había jurado no volver a poner los pies para recibir un Oscar especial en medio del entusiasmo general. Ennoblecido por la Reina de Inglaterra (1975), pasó sus últimos años en uno de los más bellos paisajes de Suiza.

El genio de Chaplin hay que buscarlo primero en su oficio original: la pantomima, que enriqueció y refinó casi excesivamente, y después dominó (cf. su doble papel en El gran dictador). A distancia, ella entra en sus películas mudas en composiciones a veces conflictivas con su sentido del espacio todavía demasiado estrecho, pero pronto más sutil que el de Mack Sennett (relación entre los gestos de personajes diferentes, elección de ángulos, cambios de escala).

Después la filosofía de Charlot, vagabundo famélico, a menudo víctima, a menudo sentimental pero en ningún caso simple, y ligeramente sádico en ciertos momentos, ha sido indebidamente elevada al rango de un humanismo universal (lo que no significa, en absoluto, que la reflexión sobre la condición humana esté ausente). Sus límites están indicados por el famoso gag de Tiempos modernos en donde el "hombrecillo" se encuentra a la cabeza de una manifestación... porque agita el trapo rojo de una interrupción de tráfico. Hoy, tras un eclipse debido a la política malthusiana del mismo Chaplin en cuanto a una nueva aparición de sus películas, al redescubrimiento de Buster Keaton, a la debilidad de los comentarios vacíos que añadió a algunas de sus obras (sobre todo La quimera del oro) y a la cursilería intrínseca de Candilejas, la reedición integral de los largometrajes nos ha recordado la verdadera grandeza, no exenta de amargura pero a menudo dotada de hermosa generosidad, que sigue siendo la de Chaplin.

Curiosidades sobre el actor

- Charles Chaplin fue la persona más conocida del mundo desde 1917 hasta mediados de los años treinta. Este dicho está avalado por dos hechos: la rápida difusión del cinematógrafo en las décadas de los años veinte y treinta y también en el viaje que realizó por países de todo el mundo, donde era recibido por grandes multitudes.

- En castellano, ha quedado la palabra «charlotada» para reflejar una acción grotesca o ridícula y una corrida de toros de tono cómico. Su nombre proviene del torero cómico Carmelo Tusquellas, apodado Charlot porque su traje y estilo evocaban el de Chaplin.

- Se dice que el humor que muestra Chaplin en sus películas es «universal». Para comprobar esto, a finales de los años 90 se realizó un experimento, consistente en proyectar varios de los cortos de Chaplin a distinto público, de distintas culturas, que nunca antes habían visto a Chaplin y, en muchos casos, ni siquiera habían tenido la oportunidad de ver televisión y cine. El experimento dio resultados concluyentes: aunque había culturas donde no entendían lo que veían (no eran capaces de entender las construcciones, vehículos, ropa, protocolos sociales, etc, de la Norteamérica de principios del siglo XX), sí que se divertían y reían con las persecuciones, caídas, tartazos, trucos, timos, etc. protagonizados por Chaplin.

- Como curiosidad cabe destacar que una vez participó en un concurso de imitadores de Charles Chaplin pero no alcanzó ni las finales, aunque leyendas urbanas dicen que quedó tercero o segundo.

- El prestigioso director italiano Pier Paolo Pasolini era admirador de Chaplin y de sus películas. En su película Los cuentos de Canterbury, el personaje de Ninetto Davoli es una especie de recreación del personaje de Chaplin. Una de las hijas de Chaplin, Josephine Chaplin también trabajó en la película, felicitando a Davoli por su excelente homenaje a su padre.

Termino este simbólico homenaje al hombre que cambió la forma de apreciar cine, con una de sus más celebradas frases:

"Algo hay tan evidente como la muerte y es la vida."

Fuente:
Cineguía

El Oso Yogi

La primera vez que el Oso Yogi (Yogi Bear) apareció fue en 1958 como un personaje secundario en el programa El show de Huckleberry Hound. Debido a la popularidad que obtuvo, hacia el año de 1961 apareció en su propio programa, el cual también incluía segmentos del León Melquíades y Yakky Doodle. Incluso también participó en un musical animado titulado Hey There, It's Yogi Bear! (¡Oigan!, ¡es el oso Yogi!) que se estrenó en 1964.. Este personaje nacido de las canteras de imaginación , arte y diseño de Hanna- Barbera Productions, se supo ganar desde su inicio al publico infantil y al adulto.

Gracias a Yogi, los excursionistas ya no suelen descuidar sus cestas de comida, porque el oso más listo del parque Yellowstone enseguida aprovecha cualquier ocasión para llenarse el estómago gracias a los visitantes. Yogi vive con su buen amigo el oso Bubu (Boo Boo)en el parque nacional más famoso de Estados Unidos, bajo la atenta vigilancia del agente Smith. Yogi se define a si mismo como "el oso más marchoso del lugar" y su risa contagiosa se ha convertido desde que debutó en la tele a mediados de los 60 en su mejor tarjeta de presentación. Yogi representa como nadie el espíritu libre y burlón de los cartoons clásicos, no sólo por sus ingeniosas ideas a la hora de conseguir comida, sino también por su peculiar forma de expresarse, hablando siempre a través de ingeniosos pareados. Para él, la amistad y la libertad son lo más importante de la vida, claro, siempre que no haya una deliciosa tarta por medio...

Personajes

Yogi

Yogi no es un oso conformista, es un optimista y tiene una habilidad especial para robar las canastas de picnic de los visitantes del Parque de Jellystone, donde él vive. Yogi tiene un corazón de oro. Junto con su fiel compinche, Boo Boo, usa su alegre persuasión para dificultarle la vida al Guardabosques.Yogi se le reconoce por las frases, "Hey-Hey-Hey"y "Yo soy más listo que un oso común".

Boo Boo

Boo Boo es el fiel compinche de Yogi, que siempre está dispuesto a participar en sus hazañas y sus planes para robar la próxima canasta con cosas ricas a los desprevenidos visitantes de Jellystone. A diferencia de Yogi, a Boo Boo le gusta obedecer las normas del Guardabosque, pero está muy ocupado ayudando a Yogi a escapar de sus dificultades!Sus frases típicas son, "No creo que al guardabosques le vaya ha gustar." y "Uh-oh, Yogi, aqui viene el guardabosques."

El Guardabosques Smith

El Guardabosques intenta imponer las "normas" que Yogi tan descaradamente ignora. Su misión principal es mantener la calma (y la comida) en Jellystone.Experimenta la frustración ante la interminable cadena de atracos de canastas de picnic perpetrados por Yogi! Y a pesar de que parece admirar el espíritu libre de Yogi, su función de guardabosques requiere que reprima su admiración en favor de perseguirlo por su falta de cooperación y por ser un miembro ingobernable de la comunidad del bosque.Los disgustos del Guardabosques se expresan en su frase mas común: "¡Caramba, ese Yogi lo hizo otra vez!"

Curiosidades

Como la mayoría de los personajes creados por Hanna-Barbera, la peculiaridad y personalidad de Yogi fueron basadas en una celebridad popular de aquellos tiempos. Art Carney, personaje de la serie The Honeymooners, fue la inspiración para Yogi. Incluso, el nombre de "Yogi" fue inspirado en el nombre del beisbolista Yogi Berra.

La mayoría de los capítulos de las series en las que aparerece Yogi se centran en el Jellystone Park, una imitación en caricatura del famoso Parque Nacional de Yellowstone, en Estados Unidos. Yogi, acompañado de su mejor amigo Boo-Boo, protagonizan la mayoría de las veces tratando de robar cestas de comida de los visitantes del parque. En ocasiones, la novia de Yogi, Cindy, aparece dentro de la caricatura desaprobando las acciones cometidas por el oso.

La relación de Yogi con Boo-Boo puede ser comparada con la relación de Don Quijote y Sancho Panza, al ser dos buenos amigos, aventurescos y curiosos, además de que comparten la característica de un líder y un seguidor. Es común escuchar la frase ¡Hey Boo-Boo!, dicha por Yogi cuando quiere hablarle a su amigo.

Las transmisiones de los capítulos del Oso Yogi se efectúan actualmente por el canal de televisión Boomerang. Los derechos de transmisión y de marca registrada de las series y del personaje en sí fueron propiedad en un principio de Hanna-Barbera Productions. Actualmente, Cartoon Network Studios es quien posee los derechos de dicho personaje después de que ésta compañía adquiriera Hanna-Barbera Productions en 2001.

El Fugitivo Richard Kimble

El Fugitivo (The Fugitive) es una serie de televisión estadounidense que fue ideada por Roy Huggins y emitida entre los años 1963 y 1967, en cuatro temporadas de treinta capítulos cada una. Fue una de la series más populares en todo el mundo, convirtiendose su protagonista David Jansen en una estrella conocida en todo el mundo gracias a su personaje de Richard Kimble. En aquel momento existía una auténtica "fiebre" por los telefilms en general y por el "El Fugitivo" en particular. No fue un echo aislado ya que de esta serie se grabaron 120 capítulos y su protagonista quedó marcado por el resto de sus días como "el doctor Kimble" en su lucha desesperada por encontrar "al manco" de marras.

"La Ley lo determinó así" responde el policía Philip Gerard cuando le preguntan si cree que el fugitivo es culpable; y esa sola convicción, que no es personal sino sistemática y universal, lo impulsa a seguir persiguiendo al ex - convicto hasta el final.

El Dr. Richard Kimble (David Janssen), que de él se trata, fue acusado, juzgado, encarcelado y sentenciado a muerte por un crimen que no cometió: el asesinato de su esposa. Cuando el inspector Gerard (Barry Morse) llevaba a Kimble para ser ejecutado, el tren que lo transportaba descarriló, y el médico logró escapar.

Con la ayuda del destino, este educado pediatra de pueblo se convierte en un maestro del escape, tan hábil para escurrirse de las más diversas trampas como el mago Houdini. Por las siguientes cuatro exitosas temporadas, mientras Gerard lo persigue, Kimble busca al hombre manco que supuestamente asesinó a su mujer.

Con un estilo único en su género, El fugitivo resolvía y renovaba el suspenso a medida que transcurrían los episodios. El capítulo final de este programa, el cual duró dos horas, donde tras años de búsqueda el Dr. Kimble se enteraba que "El Manco" era detenido en una jefatura de policía de Los Ángeles, pero conseguía huirantes de confesar que él fue quién mató a la mujer del fugitivo. Finalmente atrapa al manco. Este episodio fue visto por más gente que cualquier capítulo de otra serie en la historia de la televisión hasta ese momento.

La historia original del prófugo más famoso, que fue llevada al cine en la década del '90 (1993) con Harrison Ford y Tommy Lee Jones en los roles principales.

Reparto
David Janssen
Dr. Richard Kimble
William Conrad
Narrador
Barry Morse
Teniente Philip Gerard
Bill Raisch
Fred Johnson "El Manco"

Ficha técnica

Productores

Quinn Martin / Wilton Schiller / Arthur Weiss / William D. Gordon

Creador

Roy Huggins

Directores

Barry Morse / Lewis Allen / Alexander Singer / William A. Graham

Guionistas

Harry Kronman /Roy Huggins /Philip Saltzman /George Eckstein

Tin tán: Un astro de la comicidad

Nacido en México D.F., el 19 de Septiembre de 1915, Germán Genaro Cipriano Valdés Castillo (tal su nombre completo), fue el segundo hijo de una familia numerosa, constituída por nueve hermanos, entre ellos Manuel "Loco" Valdés y Ramón, conocido popularmente, casi se diría en el Mundo entero, por su personaje de "Don Ramón", del sketch "El Chavo del 8", del programa "Chespirito". De su madre, Guadalupe Castillo, heredó la chispa y gracia natural, siempre de buen humor.

En 1927 su familia se mudó a Ciudad Juárez, Chihuahua, casi en la frontera con los Estados Unidos. Allí Germán se hizo amigo de unos muchachos del vecindario que hablaban "spanglish" y que se vestían de manera estrafalaria. Todo esto se convirtió en una característica de su espectáculo. Ahí nació su sobrenombre de "Pachuco", con lo era conocido entre sus más allegados.

En 1934, su padre, Rafael Gómez Valdés Angelín, le habló a su hermano Pedro Meneses, dueño de la emisora radial XEJ, para conseguirle un trabajo al joven Germán. En este ámbito comenzó desempeñándose como cadete de mandados varios, hasta que un día, arreglando un micrófono dañado, comenzó a probarlo sin saber que estaba saliendo al aire, haciendo imitaciones, una de las cuales fue de Agustín Lara. El Sr. Meneses lo promovió a locutor.

En 1937 se casó con Magdalena Martínez, con quien tuvo dos hijos. Al año siguiente Meneses creó un personaje llamado "Topillo Tapas", para representar a un mexicano que vive en los Estados Unidos. El intérprete seleccionado para esta creación fue el propio Germán.

En una oportunidad llegó a esta emisora radial una compañía teatral de varieté, con actos de ventriloquía, cuyo líder era Paco Miller (Jorge Maulmer). Este artista, advirtiendo que existía ya una pareja de humoristas llamados Planillas y Topillos, le sugirió a Germán que cambiara de nombre, y le preguntó que le parecía el nombre de "Tin Tán". A Germán no le agradó en un principio, pero prontamente todos lo estaban llamando de ese modo, así que terminó aceptándolo de buen grado.

Poco después, Tin Tán tuvo su programa propio, llamado "Bocadillos de Buen Humor", y más adelante, a raíz del éxito de este espacio, fue contratado para trabajar en "El Patio", uno de los centros nocturnos más importantes del Distrito Federal durante los años '40. Ahí su espectáculo fue visto por René Cardona, director de cine que acto seguido lo invitó a participar en la película "Hotel de Verano" (1943), donde solo tiene una intervención musical y un diálogo de "pachucos". Esto le abrió las puertas a una larga trayectorio en el cine.

Su primer protagónico llegó con "El Hijo Desobediente" (1945), de Humberto Landero; del mismo director, vinieron también "Con la Música por Dentro" (1946), "El Niño Perdido" (1947) y "Músico, Poeta y Loco" (1947). Por aquella época se asoció con Carlos Salazar y Antonio Fuentes, con quienes fundó la empresa "Tin-Tán Films S.R.L."

Debido a las giras y las largas jornadas de filmación, su relación matrimonial se deterioró. En una de estas giras Germán conoció a una bailarina llamada Micaela Vargas (Micky, la Pachuca), con quien se casó en 1948, tras el divorcio de su primera esposa. Con Micaela tendría dos hijos.

En 1948 se inició su asociación con el talentoso director Gilberto Martínez Solares, con el filme "Calabacitas Tiernas", en la que también hace una breve aparición su hermano Ramón Valdés. Martínez Solares fue quien llevó al máximo el estilo humorístico de Tin Tán, con joyas como "Soy Charro de Levita" (1949), "No me Defiendas Compadre" (1949), "Simbad el Mareado" (1950) y "El Rey del Barrio" (1950). Germán filmó también otros directores, como Ismael Rodríguez, Rafael Baledón, José González Prieto, Chano Urueta y René Cardona, dando a luz títulos como "Mátenme, porque me muero" (1951), "Isla de Mujeres" (1952), "Cuando las Mujeres Mandan" (1950), "Mi Campeón" (1951), "También de Dolor se Canta" (1951), cinta esta última en la que compartió cartel con el inmortal Pedro Infante.

Sus películas fueron un suceso en toda Latinoamérica. Las mujeres comenzaron a asediarlo y Tin-Tán comenzó a "faltar" de casa bastante seguido, lo que motivó su segunda separación. En 1953, junto a su socio Marcelo, inauguró un centro nocturno en el Distrito Federal, llamado "El Satélite", donde también actuó y llevó a cabo rutinas musicales y humorísticas.

En 1956 Germán volvió a casarse, por tercera y última vez, con Rosalía Julián (cuya hermana se casó con "Don Ramón"). Tin-Tán tuvo dos hijos más (en total fueron seis). Tras giras por todo el país, el actor volvió la pantalla, con títulos como "Los Tres Mosqueteros y Medio", "Teatro del Crimen", "Escuela para Suegras", "El Campeón Ciclista", "Refifí entre las Mujeres" (todas de 1956).

Sin embargo su estrella no tuvo límites, siendo invitado a trabajar en coproducciones, tales como "Loco Por Ellas" (1956), con Venezuela; "Gregorio y su Ángel" (1966), con Estados Unidos. También proporcionó la voz en español a varios largometrajes de dibujos animados de Walt Disney, como "The Adventures of Ichabod and Mr. Toad" (1949); "The Jungle Book" (El Libro de la Jungla-1967), donde encarnó al Oso Balú; "The Aristocats" (Los Aristogatos-1970), dando voz al Gato O'Malley.

A principios de los años '70 aceptó papeles secundarios, trabajando así en la serie de películas de Chanoc, del Profesor Zovek y del luchador Blue Demon, con quien compartió cartel en "Noche de Muerte" (1973), que fue su última película. A comienzos del 73 padeció una fuerte hepatitis, que derivó en un cáncer estomacal. Debido a un coma hepático, falleció el 29 de junio de ese año en la ciudad de México D.F.

Al morir no dejó fortuna, solo un testamento en el cual cobijaba a su esposa Rosalía y sus hijos Rosalía y Carlos que en ese entonces eran menores de edad.

Su carrera dejó más de 100 películas, 11 discos, dos cortometrajes, dos doblajes para Walt Disney y ningún pemio que le hiciera el reconocimiento a tantos años de dedicación al arte, solo recibió la Medalla Virginia Fábregas por 25 años de actividad profesional otorgada por la Asociación de Actores de México.

Fuentes

"Tin-Tán en Cine Confidencial" (1999) de Edmundo Pérez

"Ni Muy Muy Ni Tan Tan, Simplemente Tin-Tán" de Rosalía Julián

http://www.yomarnathalia.com/

Starsky & Hutch

Durante los setentas nacieron series policiales en donde las persecuciones en auto, la velocidad, el crimen era lo que vendía más en la televisión norteamericana. La serie que recordaremos en este tunel del tiempo imaginario es una de las más emblemáticas de su género.

Starsky y Hutch (en inglés: Starsky and Hutch) es una serie de televisión estadounidense de los años 1970 que consiste en 92 episodios regulares de 48 minutos y un episodio piloto de 90 minutos de duración, creada por William Blinn y equipo entre el 30 de abril de 1975 y el 15 de mayo de 1979 en la cadena ABC. Fue dirigida por Jack Starrett (bajo el nombre de Claude Ennis Starrett Jr.), quien luego dirigió Los Dukes de Hazzard (1979), una serie de alguna forma similar.

Los protagonistas eran dos policías californianos, el moreno y fornido David Starsky y el rubio Kenneth "Hutch" Hutchinson siendo un tipo de policía más intelectual. Eran conocidos por manejar un veloz y distintivo Ford Torino, pintado de rojo con una larga franja blanca, generalmente conducido por Starsky. Su jefe era el capitán Harold Dobey y su contacto en el "bajo mundo" era Huggy Bear.

En 1977, una preocupación creciente acerca de la violencia en televisión obligó a los escritores a que cortaran escenas de acción a cambio de desarrollos más románticos. Esto contribuyó a que cayera la popularidad de la serie, que dos años después sería cancelada.

Como dato anecdótico el Ford Torino rojo que conducían Starsky y Hutch hizo furor en el mundo levantando una multitud de imitadores que pintaron sus coches igual que el de la serie.

Un cuarto de siglo después de que dejara la televisión, la serie fue la inspiración para la película Starsky & Hutch, realizada en 2004 y protagonizada por Ben Stiller y Owen Wilson.

Reparto:

Paul Michael Glaser: Detective David Michael Starsky
David Soul: Detective Kenneth Hutchinson
Bernie Hamilton: Capitán Harold Dobey
Antonio Fargas: Huggy Bear

Ficha técnica:

País: Estados Unidos
Año: 1975-1979
Género: Acción
Idea original: William Blinn
Producción ejecutiva: Aaron Spelling, Leonard Goldberg
Dirección: Jack Starrett

Duración: 50 minutos.

Producción: ABC

La Pantera Rosa (The Pink panther)

El nacimiento de la pantera rosa fue casi una casualidad. En la película original titulada La pantera rosa de Blake Edwards, la pantera rosa, en realidad, era un diamante de gran valor y, por extensión, un ladrón de guante blanco que había logrado sustraerlo. Como personaje animado, la propia pantera rosa nace en esa primera película, cuando se recurrió a una animación para ilustrar el título y los créditos iniciales y finales de la película. Edwards encargó al prestigioso animador Friz Freleng (el creador de Bugs Bunny) que crease un dibujo animado y sólo le pidió tres cosas: que resultara graciosa, que fuese de color rosa y que fuese muda.

La pantera rosa se puede definir como un gentleman (caballero con clase) británico, elegante hasta en el último de sus gestos. Es una pantera antropomórfica bastante metódica y muda (aunque en 2 episodios habla), con una capacidad intelectual muy elevada y con un genio bastante alegre y simpático; su aspecto físico es delgado con la situación de que es de color rosa y muda, se mete en algún lío o simplemente realiza tareas bastante comunes pero con un toque cómico singular, lo cual haría recordar por un momento un singular pero poco denotado parecido muy especial al gran maestro de la cinematografía sir Charles Chaplin y al personaje Charlot.

El capítulo piloto titulado The Pink Phink, exhibido en las salas, aún en 1963, ganó el Oscar al Mejor cortometraje de animación en la ceremonia del año siguiente, celebrada en abril de 1964. En principo, no se concibió como una serie, sino que eran cortos destinados a las salas cinematográficas producidos por Mirisch-Geoffrey Productions, DePatie-Freleng Studios y United Artists, creados por los mismos responsables de los créditos de la película original de Edwards: los animadores Friz Freleng (productor de áquellos y diseñador del personaje) y Hawley Pratt (director de los mismos).

A raíz del éxito de los cortos, éstos también fueron difundidos por televisión, dando lugar a una serie de animación. Se trató de lo que se conoce como una serie en sindicación. Estas series son aquellas cuyos derechos han sido adquiridos conjuntamente por una red de emisoras independientes entre ellas, por lo general, pequeñas (aunque, también, puede estar presente, además, una gran cadena). Es una forma de abaratar costos, sin asociarse, los precios son prohibitivos para las pequeñas cadenas.

Dibujos animados creados

La pantera rosa (Pink Panther, 1964). El piloto de la serie The Pink Phink ganó el Oscar.
La pantera rosa (The pink panter show, 1969) de NBC. Aunque la serie dejó de emitirse en 1971, en 1998 (casi tres décadas después) se emitió un especial navideño titulado A Pink Christmas.
La pantera rosa (Pink Panther) Emitidos en ABC entre 1978 y 1979 (en total 36 capítulos).
La pantera rosa. En 1982 se estrenó una nueva serie (en total 32 nuevos episodios) en que los que la pantera rosa ¡habla!, con lo que personaje queda desvirtuado. Le ponen una voz masculina (en el original Matt Frewer), porque el personaje de la pantera rosa se supone que es masculino. Esto se debe a que la palabra panther en inglés carece de la denotación de género que tiene en español.
La pantera rosa y sus hijos (The pink panther and sons, 1984). Spin-off. La descendencia de la pantera rosa la componen tres hijos.
En 1988, Fritz Freleng creó 25 nuevos cortometrajes de La pantera rosa para celebrar sus bodas de plata.
El nuevo show de la pantera rosa (The new show of pink panther) de 1993.

Curiosidades

1) La pantera rosa (el dibujo) cuenta con su propia estrella en las que están impresas sus huellas en el Boulevard de la fama de Hollywood, frente al Teatro Chino. (La estrella le fue concedida en 1999).
2) La cadena Cartoon Network se hizo en 1997 de los derechos de varias de las series y, desde entonces, las está reponiendo, tanto en Estados Unidos, como en otros países en los que tiene presencia.
3) Todos los capítulos de la pantera rosa, contienen la palabra "rosa".

4) Las películas que se hicieron sobre la Pantera Rosa original (piedra preciosa) fueron en total 11 y 8 productores diferentes.

5) Existen juegos de video y juguetes relacionados con el dibujo animado.

6) La música de las películas y de la serie fue compuesta por el famoso músico Henry Mancini.

Simon: El Juego de la memoria

Quién no se acuerda aquel jueguito que fue todo un suceso en el Perú y en el mundo, llamado Simon? Se vendieron millones de estos en todo el mundo. Era un juego electrónico para desarrollar la memoria desde temprana edad.

Simon es un juego electrónico creado por Milton Bradley en 1978. Tuvo un gran éxito durante los 80. Tiene forma de disco, en una de sus caras se puede ver cuatro cuadrantes, cada uno con un color: verde, rojo, azul y amarillo en su versión original. Su nombre se debe por el conocido juego tradicional del mismo nombre: "Simón dice", de donde se inspira.

El juego de forma aleatoria va iluminando los cuadrantes de colores, y a la vez que se ilumina cada cuadrante emite un sonido propio. Después de esperar, el usuario debe ir introduciendo la secuencia mostrada en el orden correcto, ayudándose de su memoria visual y sonora. Si lo consigue, éste responderá con una secuencia más larga, y así sucesivamente. Si falla, el usuario debe volver a empezar. Los distintos niveles de dificultad van aumentando la velocidad de la secuencia a repetir.

Disfrutaba yo, un día ver jugar a mis primos. Me invitaron a participar de la ronda y desde ahí quedé enganchado al juego. Nunca lo llegué a adquirir pero felizmente en donde iba encontraba uno de esos y me ponía a jugar.

Más de dos décadas después han salido distintas versiones actualizando la electrónica del aparato, con más o mejores efectos visuales y sonoros o añadiendo más colores y sonidos de los cuatro originales.

Los Locos Addams: Una familia peculiar

Así empezaba la serie: "La nieta, el tío y la abuela, el padre de alta cuna, la bella madre de una familia muy normal. Si van a visitarla no esperen una fiesta así verán a esta familia tan normal. ¡Qué hermosura! ¡Qué dulzura! ¡Qué locura! Si quieren divertirse que al cabo no les cuesta aquí es la casa de esta familia muy normal."

The Addams Family fue una serie de televisión estadounidense conocida en España como La familia Addams y en Hispanoamérica como Los locos Addams.

Esta serie fue creada en 1937 por el dibujante Charles Addams como una tira cómica para el periódico The New Yorker. Sin embargo, en la tira no se especificaba el nombre de la familia ni de ninguno de los personajes. El éxito de esta tira hizo que en 1964 se comenzara a transmitir la serie de televisión por la cadena ABC, titulada "Los Locos Addams", con la dirección de Stanley Z. Cherry y Arthur Hiller. La serie constó de 64 capítulos con 25 min de duración, terminando en 1966. En esta serie participaron los actores John Astin, Carolyn Jones, Jackie Coogan, Ted Cassidy, Blossom Rock y los niños Ken Weatherwax y Lisa Loring.

Esta serie se sitúa en el género comedia, tuvo en emisión solo 2 años 1966-68 y constó de 64 episodios muy bien realizados en blanco y negro. En Perú la veíamos por Panamericana televisión Canal 5.

En principio se nos presentan como una familia tipo: mamá, papá, el nene y la nena; claro la cosa se complica un poquito si a estos 4 integrantes se le agregan 2 tíos, una abuela un mayordomo y un... mmm, este... ¿Cómo decirlo? Una mano con vida propia. Pero todo esto para ellos no es problema, su residencia esta abierta para todo aquel que se anime a entrar.

La familia Addams vive en un gran castillo acompañados por el mencionado tío Lucas, el hermano de Homero, quien tiene como pasatiempos (entre otros) encender una lamparita eléctrica en su boca; otro de los integrantes es Largo (el mayordomo) quien además de cumplir con sus tareas es un excelente pianista. También es muy importante Dedos, la mano encargada de ayudar en todo lo que sus miembros le permitan hacer.

Ocasionalmente viven en el castillo: la abuela de los chicos, que no es mas que la madre de Morticia y es la encargada de realizar ciertos brebajes que terminan siempre causando algún problema y el otro personaje que suele aparecer es el tío Cosa, un tipo petiso cubierto de un largo cabello que le llega hasta el piso.

Los roles de la creación de Charles Addams quedaron a cargo de John Astin como Gomez Addams (en Latinoamérica rebautizado como Homero), Carolyn Jones como Morticia Frump Addams (Morticia), Jackie Coogan como Uncle Fester (el tío Lucas), Tedd Cassidy como Lurch y Thing (Largo y Dedos), Blossom Rock como Grandmama Addams (la abuela ), Lisa Loring como Wednesday Friday Addams (Merlina), Ken Weathervax como Pugsley Addams (Pericles) y Felix Silla como Cousin Itt (el tío Cosa).

El productor ejecutivo fue David Levy, el productor Nat Perrin, el director de fotografia fue Arch R. Dalzell, el director artistico Edward Llou y la famosa música estuvo a cargo de Vic Mizzy. Los guiones y la dirección se fueron alternando entre varias personas.

The Addams Family fue levantada en el año '66 y el éxito que cosecho fue muy bien aprovechado por los estudios Hanna-Barbera que rescató a los personajes y los convirtió en dibujitos animados, haciéndolos compartir el escenario con otras creaciones de la casa, hasta que en el año 1973 consiguen programa propio.

En 1977 se realizó un especial de Halloween en el que se mostraban a los niños crecidos y con hijos y a los adultos ya más mayores. Aunque se utilizó el mismo reparto de la serie original (excepto la abuela), la audiencia fue un fracaso. En 1991 se estrenó la primera película, The Addams Family; en 1993 la segunda parte, Addams Family Values; y la tercera, Addams Family Reunion, en 1998.

Y en 1998 se estrenan "Los Nuevos Locos Addams", con actores distintos a la primera serie de "acción real" (hay que recordar que habían pasado 34 años desde la serie original).

Curiosidades

Carolyn Jones, actriz norteamericana que interpretaba a Morticia Addams murió a los 53 años de edad el 3 de agosto de 1983, víctima de un cáncer al colon.

John Astin, Homero en la serie es actor y director, actualmente tiene 78 años de edad y sigue trabajando.

Lurch y Thing, Largo y dedos son los personajes que le dan el toque gracioso a la serie. Largo, el mayordomo, Ted Cassidy fue desde pequeño el blanco de las bromas de los niños debido a su altura (2 metros 10). Su papel sin maquillaje más notorio fue el de el villano Harvey Logan en Butch cassidy y Sundance Kid (1969). Falleció en 1979 durante una operación al corazón.

El Aventurero Indiana Jones

Indiana Jones (cuyo nombre completo es Henry Walton Jones Junior) es un personaje ficticio creado por George Lucas. El personaje es el protagonista de su propia serie de películas de aventuras, integrada por las películas:

Raiders of the Lost Ark "Los Cazadores del Arca Perdida" de 1981.

Indiana Jones and the Temple of Doom "Indiana Jones y el templo de la perdición" de 1984.

Indiana Jones and the Last Crusade "Indiana Jones y la última cruzada" de 1989.

Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull "Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal" de 2008.

También conocido como Indy, Indiana Jones es un profesor y un arqueólogo destinado a encontrar reliquias, que tienen un importante valor histórico para la humanidad. En cada una de sus aventuras, generalmente se enfrenta a rivales que buscan la misma reliquia que él, para utilizarla con otras finalidades. De acuerdo con los argumentos de la serie cinematográfica, Indiana fue el descubridor del Arca de la Alianza y el Santo Grial. Sus historias inspiraron para que años más tarde se creara el personaje de Lara Croft en Tomb Raider, también con un éxito descontado.

En 1973, George Lucas decidió crear 2 series de películas basadas en los seriales de los años 1930 y 1940. Ese mismo año, escribió un argumento denominado Las aventuras de Indiana Smith, acerca de un arqueólogo que se ve envuelto en numerosos peligros al buscar reliquias históricas. El segundo argumento fue titulado Star Wars y estaría enfocado en aventuras espaciales. El primer concepto fue examinado por el guionista Philip Kaufman, quien concibió al Arca de la Alianza como el principal elemento argumental de la primera película acerca del aventurero Indiana Smith. Sin embargo, el proyecto decayó cuando Clint Eastwood contrató a Kaufman para dirigir The Outlaw Josey Wales, postergando su ejecución y se dió prioridad al proyecto espacial, siendo mas tarde un éxito sin precedentes.

Curiosidades

Al principio, Lucas pensó en un arqueólogo conocido como Indiana Smith ('Indiana' por el nombre de su pastor alemán y 'Smith' por ser un apellido popular en Estados Unidos). A sugerencia de Spielberg, el apodo cambió a Indiana Jones. Sin embargo, su nombre real fue dado a conocer en la tercera película del personaje, donde Lucas incorporó por primera vez al padre de Indiana, llamado Henry Jones. Debido a lo anterior, Indiana sería sólo el apodo para Henry Walton Jones Junior.

En lo referente a sus rasgos físicos y personalidad, estos aspectos fueron basados en personajes alternativos del cine de aventuras, e interpretados por actores como Errol Flynn y Charlton Heston. También es notoria la influencia directa del personaje Fred C. Dobbs. En cuanto a la indumentaria de Indiana Jones, ésta fue diseñada por el dibujante de historietas Jim Steranko.

Tras realizar una serie de audiciones con tal de encontrar al actor que interpretaría a Indiana Jones, Lucas y Spielberg originalmente optaron por Tom Selleck. A pesar de ello, Selleck tuvo que rechazar el personaje debido a su participación en la serie de televisión Magnum P.I.. Desesperado por el plazo de rodaje de la película, Spielberg propuso finalmente a Harrison Ford —actor previamente elegido por Lucas, para interpretar el personaje de Han Solo en Star Wars.

Raiders of the Lost Ark fue estrenada a mediados de 1981 y nominada a 8 Premios Oscar, entre ellos el de mejor película, seguida por las adaptaciones de 1984, 1989 y 2008.

Como es una constante en las películas de ficción se cometen una serie de incongruencias al escuchar el guión, pueblos, ciudades, historia casi siempre no tienen relación. Se basan parcialmente en algunos datos históricos que al mezclarlos con el guión original no se acercan paranada con la realidad. Tal es el caso de la última película, "Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal" donde supuestamente se realiza en el Perú. En una parte del guión se habla de Pancho Villa, cuando este personaje como sabemos pertenece a la historia de México y no hablaba más que castellano y ni hablar del quechua. Otra incongruencia es presentar a las líneas de Nazca en el Cuzco y no en Nazca. Por otra parte los rusos jamás han invadido ni colonizado el Perú, como aparece en el film.

Existe una abismal diferencia en el costo de la producción de la primera película y la última. Para Raiders of the Lost Ark de 1981 se invirtieron $20.000.000, a diferencia de The Kingdom of the Crystal Skull de 2008 con $185.000.000 de inversión total.

Se han hecho historietas y comics, novelas, productos, muñecos e indimentaria que arrojan año tras año grandes cantidades de dinero. Video juegos, canciones inspiradas en el héroe de sombrero, etc. Existe una gran legión de gente que gusta de estas aventura y sigue con atención a su héroe Indiana Jones.

La Princesa Caballero

Existen muchas historias hoy, en películas , series o telenovelas, donde el personaje principal trata de aparentar ser del otro sexo. Esta temática ha dado mucho éxito en todos los aspectos. Muchos años atrás, cuando esto no era tan común se crea un dibujo animado, para ser mas específico un anime japonés inspirado en un manga de 1953 muy leído. Mas aún si analizamos bien a la historieta original, es decir el manga, donde se contempla el homosexualismo por vez primera en un comic de manera subliminal según algunos expertos.

Nos referimos a la Princesa Caballero (Ribbon no kishi en japonés y Princess Knight en inglés) que se realizara en 1967 y que constara de un total de 52 episodios. El creador fue Osamu Tezuka para la compañía Mushi Productions, y la música compuesta por Isao Tomita. La dirección corría a cargo de Chikao Katsui y el guión por Maski Tsuji.

La Princesa Caballero fue una serie, a color y bellamente diseñada, acerca de una princesa en un 'reino de relato de hadas', quien pretende ser un hombre por razones políticas. La serie fue ambientada en una época medieval. En esta serie todos los 'buenos' tienen nombres de metales y piedras preciosas, mientras que los 'villanos' tienen nombres de aleaciones baratas o productos sintéticos. Fue traducida al español en México y Argentina, puesta al aire en España en los 80's. Con menos difusión en U.S.A., fue puesta por al aire (localmente) en Minneapolis (KSTP-TV, canal 5) en 1.978, y nuevamente en 1.982-1983. También en Hawaii (KGMB, canal 9), con el nombre 'Checkers & Pogo'. En Venezuela fue puesta al aire por RCTV en la década del 70. Igualmente emitido en Perú por canal 5 Panamericana Televisión por las tardes a finales de los setentas.

La historia se trataba de una princesita que antes de nacer recibe dos corazones (uno masculino y otro femenino) por causa de la travesura de un ángel, el cual es castigado y es enviado a la Tierra para corregir su error. La historia comienza realmente cuando, después de algunos años el ángel con apariencia de duende encuentra a la chica y trata de convencerla en devolver el corazón que le dió. Al nacer su situación es ya de por sí complicada: en el reino rige la ley sálica por lo que el rey hace pasar a su bebita por varón para evitar que nobles inescrupulosos tomen el poder. La princesa crece vistíendose como hombre, pero al llegar a la adolescencia conoce al príncipe de un reino vecino y se enamora de él. Ella y el príncipe deberán luchar contra los malvados que les quieren arrebatar el poder y, después de luchas y desventuras los derrotan y consiguen casarse.

Esta princesa de nombre Zafiro, efectivamente esta disfrazada de hombre porque es la unigénita hija del rey y la reina de Valle Plateado. Lo mas raro es que aparentemente al principio Zafiro no sabe que es mujer ya que fue criada como hombre. Como esto no es bien visto a los ojos de Dios, El le manda a Zafiro un ángel de la guarda que se llama Cachito (en español) y este angelito que habla con los animales y plantas y que parece un duende, debe guiar a Zafiro para convertirla en la niña que es. Los enemigos de Zafiro son su tío el Duque Duro Aluminio y el secuaz de este el Conde Nylon. El hijo de Aluminio es Plástico el cual es un niño tonto y primo de Zafiro. Plástico la verdad no es malo es tan tonto que ni sabe que su papa quiere que el sea el heredero del trono de Valle Plateado por ser el varón. La trama se basa en que sus enemigos tratan de desenmascarar a Zafiro frente a todos es decir hacerles saber que es una niña y no un niño como todos lo creen.

Un aspecto importante es también la relación de Zafiro con el príncipe del pueblo vecino de Valle Dorado, el príncipe Franz del que Zafiro se enamora pero al que no puede revelarle su verdadero sexo por cuestiones de seguridad. Como sea Franz sospecha muchas cosas y al final si lo quieres saber ellos dos se hacen novios. Todo esto hace de la Princesa Caballero un anime único ya que no he visto y no se de otro parecido. La única cosa que le puedo reprochar a este anime es su "machismo" ya que ponen a las mujeres como seres débiles que solo deben saber cocinar, limpiar y vestirse bonito y en eso se basan para convertir a Zafiro en una niña. Zafiro por supuesto demuestra lo contrario ya que es una joven muy audaz y valiente que derrota a cualquier enemigo que se le ponga enfrente por muy grande que sea.

¿Qué hay de nuevo viejo?: Bugs Bunny cumple 70 años

Como no estar contentos con el cumpleaños de Bugs Bunny, el conejo que ha visto pasar imnumerables generaciones desde que fue creado. Es verdad un placer justo en esta fecha referirme a un personaje animado que gustó mi padre, yo y ahora mis hijos.

Hace exactamente 70 años, Ben Hardaway dibujó un conejo blanco, bromista y provocador, para servirle de antagonista al tartamudo cerdito Porky. Aquel primer prototipo apareció en el cortometraje de animación "Porky's Hare Hunt", proyectado por primera vez el 30 de abril de 1938.

Codirigido por Cal Dalton y Ben 'Bugs' Hardaway, el corto mostraba al sonrosado Porky como un cazador que corría detrás de una alocada presa, más interesada en enloquecer a su perseguidor que en escapar. En siguientes producciones, ese conejo lleno de potencial pasaría por los retoques de los maestros del equipo de animación de la Warner Brothers: Bob Clampett, Tex Avery, Robert McKimson (responsable del diseño definitivo), así como los directores Chuck Jones y Friz Freleng.

El responsable de ponerle una voz y una personalidad fue el ya desaparecido comediante Mel Blanc, conocido como el hombre de las mil voces, quien le aportó al naciente conejo un acento en el que combinaba a partes iguales los modos de hablar de los barrios del Bronx y de Brooklyn, en Nueva York.

De otro lado diremos que parte de la personalidad de Bugs, también tiene modelos fácilmente reconocibles: la forma como el conejo manipula su zanahoria recuerda al puro siempre humeante del memorable Groucho Marx, y su actitud elegante eran calcos de actuaciones de Clark Gable.

El nombre de la que más tarde sería la estrella indiscutible de cortos y películas de Warner Bros., como Looney Tunes y Merrie Melodies, fue puro fruto del azar: fue en su tercer papel, en el corto producido al año siguiente "Hare-um Scare-um", dirigido nuevamente por Dalton y Hardaway, en que el dibujante Gil Turner, escribió "Bugs' Bunny" (el conejito de Bugs) en una hoja de modelos previos, queriendo decir con ello que se trataba del material de Hardaway.

Asimismo, en esta producción, el conejo mostró por primera vez su característico color gris, gracias al rediseño de Charlie Thorson. Este sería el primer papel en el que el conejo mostró sus dotes para el canto, y también el primero en que sucumbió a su incurable debilidad por el travestismo para seducir a su oponente. Por cierto, las primeras traducciones al castellano no le hicieron ningún favor al incorregible Bugs Bunny: lo llamaron el Conejo de la Suerte o Serapio.

Así, con su flamante bautizo y su diseño definitivo, Bugs Bunny apareció en el corto "A Wild Hare", dirigido esta vez por Tex Avery y proyectado al público el 27 de julio de 1940. En este histórico corto, el más famoso conejo de la historia asoma por primera vez de su madriguera para preguntarle al cazador Élmer Gruñón: "¿Qué hay de nuevo, viejo?". Cuando Bugs Bunny finalmente apareció como tal, en 1940, los personajes de la factoría Disney empezaron a temblar. ¡Por fin tenían un rival que amenazaba con destronar la popularidad de Mickey, Goofy, Bambi y los seres animados creados por Walt Disney! Elmer se convirtió en su pareja, en el partner que hacía que el conejo se luciera en la pantalla.

A partir de allí, todo cambió y Bugs Bunny se convirtió en la estrella indiscutida de la Warner. Lleno de los gags hollywoodenses, el famoso conejo llegó a ser tan popular como Mickey. Al igual que otros personajes animados, ganó un Oscar y se adaptó a las tácticas de mercadeo de los años 90, a tal punto que protagonizó (entre comillas por supuesto), uno de los filmes más populares de la década: “Space Jam”, con la participación estelar del basquetbolista Michael Jordan.

Fuente: El Comercio. Perú

Los Supersónicos

Los Supersónicos ( The Jetsons ) creada en 1963 por la dupla norteamericana Hanna-Barbera que muchos la consideran como la versión futurista de Los Picapiedra, pero en realidad sus personajes y aventuras resultan totalmente distintos. Ambientada en pleno siglo XXI, los protagonistas son George Jetsons y su esposa, Jane, práctica y llena de buenas ideas. Junto a ellos, su hija, una adolescente siempre dispuesta a divertirse llamada Judy, el pequeño Elroy, que se pasa la vida inventando y experimentando con nuevos cachivaches, y la mascota de la familia, Orbity. Los Jetsons viven en una casa llena de curiosos gadgets y toda clase de comodidades, incluyendo a Rosie, un robot-criada que casi forma parte de la familia, todo ello situado en un mundo tecnológicamente muy avanzado.

Esta serie animada de 20 minutos de duración por episodio fue una de las más vistas en su tiempo. El programa nos presenta una familia típica de clase media conformada por Super (el padre), Ultra (la madre), Lucero (hija adolescente), Cometin (el hermanito menor) y Astro (el perro). Las aventuras se desarrolan en el año 2062, un mundo totalmente diferente, ya no existen los autos y los robots son algo común. La familia vive en un edificio llamado Sky Pad junto con aproximadamente 2000 vecinos. Super Sónico trabaja tres horas al día, tres días a la semana en Engranes Júpiter. Su jefe el Señor Júpiter hace su vida imposible en cada oportunidad que se le presenta. La familia Sónico viajan en "Autonave" y van de vacaciones a "Las Venus".

La Competencia en terminos de negocios esta representada por Cogswell Cogs, el dueño, el Señor Cogswell trata de robar todos los secretos industriales propiedad del Señor Júpiter y así sacarlo del negocio.

Esta serie fue estrenada en 1963, un un momento lleno de expectativas. Estados Unidos comenzaba su carrera espacial y la gente veía al espacio mas cerca que nunca y en esa época llegaron los Supersónicos. En los picapiedras el autor nos mostraba como seria el pasado, un mundo donde los animales eran electrodomésticos. Pero en esta historia, creada por el mismo autor (la productora Hanna Barbera) los robots están por todos lados, la gente veía en ella un mundo que realmente podría llegar a ser posible. Incluso algunos aparatos de la serie existen hoy mismo como el video teléfono o las computadoras manejadas con la voz.

La Isla de Gilligan

Durante la década de los sesentas, apareció en los Estados Unidos un boom televisivo de las emergentes cadenas de televisión. Todas querían ofrecer al público norteamericano una variada programación en donde incluirían programas aptos para toda la familia. Las series cómicas estuvieron de móda por aquellos años como las de acción. Durante finales de los 60's era lógico que la televisión hiciera olvidar por un momento al pueblo norteamericano la Guerra de Vietnam y todo lo que consigo trajo que ya es más que conocido.

Dentro de este selecto grupo de series cómicas está la divertidísima comedia La Isla de Gilligan ( The Gilligan´s Island ) producida en 1964, teniendo 98 episodios. Hace tres años supimos del fallecimiento de Bob Denver, el actor que encarnaba al disparatado y despistado Gilligan en la serie.

"La isla de Gilligan" ("Gilligan's Island) fue emitida por la cadena CBS durante tres temporadas, de 1964 a 1967. Su levantamiento se debió menos a la falta de audiencia (algo que nunca sucedió) que a esotéricas cuestiones de programación que hacen pensar que el secreto para ser ejecutivo de una cadena televisiva durante muchos años reside únicamente en ser capaz de disimular la incompetencia. Con los años y las repeticiones, la serie se convirtió en un clásico en Estados Unidos y en todo el mundo.

La historia de la Isla de Gilligan, comenzaba con un pequeño barco, el SS Minnow, que luego de partir para realizar un viaje que “no duraría más de tres horas”, se perdía a causa de una fuerte tormenta en alta mar, y por la noche llegaba a una desconocida isla en el Pacífico. Al desembarcar, los siete pasajeros descubrieron que el SS Minnow no podría ser reparado, por lo que todos deberían quedar varados en esa pequeña isla.

El concepto básico se puede expresar de modo muy sucinto: las desventuras de siete náufragos, y sus infructuosos intentos de volver a eso que suele llamarse "civilización". Aunque al contrario de los rugbiers uruguayos cuyo avión se estrelló contra los Andes y, para sobrevivir, recayeron en el canibalismo, a los náufragos del Minnow no parecía faltarles nada. Más bien lo contrario: tenían una dieta variada y sana, basada en frutas y pescado; eran lo suficientemente industriosos (gracias al Profesor) como para emplear el bambú para fabricar desde mobiliario hasta un contador Geiger ; y si bien los hombres no se caracterizaban precisamente por ser unos Adonis, había una linda morocha de provincias (Mary-Ann) y una bomba sexual hollywoodense (Ginger). ¿Quién en su sano juicio querría abandonar ese paraíso para volver a las colas en los bancos y oficinas públicas, los impuestos, la comida chatarra, a los discursos de los políticos, al costo de vida, al stress cotidiano, etc.

Un detalle más que daremos es que la actriz que hacía el papel de la dulce Mary Ann, Dawn Wells de 69 años fue sentenciada el pasado 29 de febrero a cinco días de cárcel y una multa de 410,50 dólares tras declararse culpable de un cargo por conducción temeraria y por encontrarsele con marihuana en su coche. Como cambian los tiempos.

Reparto
Bob Denver - Gilligan
Alan Hale Jr. - Jonas "The Skipper" Grumby
Jim Backus - Thurston Howell III
Natalie Schafer - Mrs. Lovey Howell
Tina Louise - Ginger Grant
Russell Johnson - Roy "The Professor" Hinkley Jr.
Dawn Wells - Mary Ann Summers

El Cubo Mágico

Quién no ha tenido en sus manos alguna vez uno de estos cubitos que nos llenaban de ansiedad cada vez que estábamos a punto de armarlos y nos quedaba alguna parte mínima inconclusa? Muy divertidos y todo un juego educativo bien logrado, que puede usarlo desde un infante hasta un abuelito ocioso. demos la bienvenida a la Esquina de Pulpín al Cubo Mágico.

El cubo de Rubik (o cubo mágico, como se lo conoce en algunos países) es un rompecabezas mecánico inventado por el escultor y profesor de arquitectura húngaro Ernö Rubik en 1974. Se trata de un conocido rompecabezas cuyas caras están divididas en cuadros de un mismo color sólido cada una, los cuales se pueden mover. El objetivo del juego consiste en desarmar la configuración inicial en orden y volverla a armar.

Aquí en el Perú este artefacto tan divertido causó sensación y fue un boom por todos los lados que se le mire, a comienzos de los 80's. Se ha estimado que más de 100 millones de cubos de Rubik o imitaciones han sido resueltos a lo largo del mundo entero. Su mecanismo sencillo sorprende tanto desde el punto de vista mecánico, al estudiar su interior, como por la complejidad de las combinaciones que se consiguen al girar sus caras. El cubo celebró su anversario número 25 en 2005 por lo que una edición especial del mismo salió a la venta en la que la cara blanca fue remplazada por una reflejante en la que se leía "Rubik's Cube 1980-2005".

Muchas soluciones para el cubo de Rubik se han descubierto de manera independiente. El método más popular fue desarrollado por David Singmaster y publicado en el libro "Notas sobre el Cubo Mágico de Rubik" en 1981. Esta solución consiste en resolver el Cubo capa por capa: a la que se llama Superior, se resuelve primero, seguida de la de en medio, y por último la Inferior. Después de cierta práctica es posible resolve el cubo en menos de 1 minuto. Otros métodos son por ejemplo "esquinas primero" y métodos que combinan varios métodos.

Se han llevado a cabo muchas competencias en búsca de la solución más rápida del Cubo de Rubik. El primer torneo mundial lo organizó Guiness de los records, y se llevó a cabo en Munich en 1981. Todos los cubos fueron girados 40 veces y embarrados con gelatina de petróleo. El ganador oficial, con una marca de 38 segundos fue Jury Froeschl, nacido en Munich.
El primer torneo mundial internacional se llevó a cabo en Budapest el 5 de Junio de 1982, y lo ganó Mihn Thai, un estudiante vietnamita de Los Ángeles con un tiempo de 22.95 segundos. Desde 2003, las competencias se determinan por el promedio de tiempo (de 5 intentos); pero el mejor tiempo único de todos también lo registra la World Cube Association, que mantiene el registro de los récords mundiales.En 2004 la WCA hizo obligatorio usar un dispositivo especial llamado Cronómetro Stackmat.

Los actuales récords del mundo los impuso el francés Eduard Chambon , en 2008 con un tiempo promedio de 11.48 segundos y un mejor tiempo de 9.18 segundos el 23 de Febrero de 2008 en el Abierto de Murcia 2008. Es probable que mucha gente haya hecho tiempos mejores, pero no son aceptados si no cumplen con los estándares.

Los dejo con un video sensacional. Una chinita de solo 3 añitos lo arma en tan solo 114 segundos.