miércoles, 28 de noviembre de 2007

Las Bandas Sonoras: Alma de las Películas


"La música es una herramienta necesaria en la ejecución de cualquier film y las películas no sólo se ven, también hay que escucharlas". Se ha comprobado que una película por mejor hecha que esté siempre deberá de tener su banda sonora, su soundtrack para estar completa. Se realizado una serie de estudios y ensayos en los que una escena de una pelicula de terror x se le ha reemplazado el tema musical o efecto sonoro por otro que llame a lo cómico. El resultado es sorprendente, una misma escena terrorífica puede resultar hasta cómica con solo el cambio de cortina musical.

Técnicamente banda sonora es toda la parte sonora y resultado de la edición de diferentes pistas de sonido, ya sea palabras, sonidos y música de una obra o que la acompaña en paralelo. Normalmente, en cambio, y con algunas raras excepciones, el término alude solamente a la música de un film o a la comercialización de los temas musicales de una obra como videojuegos, programas de televisión y radio. Desde un punto de vista musical, se entiende como banda sonora original aquella música tanto vocal como instrumental compuesta expresamente para una película, cumpliendo como función la de potenciar aquellas emociones que las imágenes por sí solas no son capaces de expresar. Compositores famosos de bandas sonoras son algunos nombres como Ennio Morricone (El bueno, el feo y el malo, La misión) o John Williams (Tiburón, La guerra de las galaxias o Indiana Jones).

La banda sonora de una película en su sentido más físico puede ser de dos tipos: magnética u óptica. En el primer caso, una o varias bandas de grabación magnética discurren por los bordes de la tira de película. Al ser leídas estas líneas por un aparato en sincronía con la proyección, se generan los sonidos de una manera parecida a como lo haría un lector de cassettes. En el caso de las bandas sonoras ópticas, se trata de zonas de oscuridad y luz en uno o dos lados de la cinta del film. Las distintas intensidades de luz, se convierten luego en impulsos eléctricos creando el conjunto de la banda sonora.
También se utilizan, aunque no tan frecuentemente aún, sistemas de sonido digital, basados en puntos sobre la película que se convierten por diversos métodos, algunos todavía experimentales, en sonido.

De esta manera, y con predominantes de la música y el sonido, las grandes compañías del cine se lanzarón a una producción desenfrenada de películas con canciones, musicales completamente e incluso con baile o sólo de baile. El público se volvía loco por la novedad. Era el music hall para todos, el teatro de variedades para el universo entero...

El hecho de que el cine, prácticamente desde sus comienzos, fuera acompañado por música (pianistas, orquesta o Wurlitzers), significó con la llegada del sonido en todo un problema y luego en uno de los aportes más completos a la estética del cine. Las primeras películas sonoras siempre tenían la música en forma de obertura, canciones y alguna que otra música saliendo de lugares verosímiles (radios, orquestas, etc.). La gran pregunta era: ¿De dónde sale la música, como se van a creer una película donde la música no sale de ninguna parte? Por esto, si una escena romántica necesitaba música de violín, se realizaba la escena en un parque, para que al principio apareciera el violinista en una toma. Este hecho, para algunos caprichoso, duró hasta entrados los años '40, cuando Hitchcock, dirigiendo Bote Salvavidas, decidió no utilizar música porque: ¿De dónde podría provenir ésta en medio del mar? A lo que David Raksin, el compositor, le respondió: ¿De dónde vienen las cámaras?


La música en el cine comienza realmente con la obra de aquellos europeos exiliados que llegan a Estados Unidos buscando trabajo, y lo consiguen en el naciente cine sonoro. Korngold, Steiner, Waxman, Tiomkin son nombres recordados por toda la historia del cine.

Aunque desde los años 60 la música del cine comenzó a funcionar como un fin comercial para vender discos (especialmente tras el éxito de los Beatles), la mayoría de los filmes no dejaron de tener bandas sonoras "incidentales" que fueran complemento a la acción dramática. Así lo hicieron compositores que habían alcanzado sus obras maestras en los años anteriores, ahora realizando aportes interesantes, pero quizás menos valorados. Este es el caso de Bernstein, Raksin y sobre todo Bernard Herrmann, probablemente el gran genio de la música cinematrográfica.

En los últimos 30 años algunos compositores de renombre le han dado nuevas valoraciones por parte del público a las bandas sonoras (como John Williams, Jerry Goldsmith, Hans Zimmer, James Newton Howard, Danny Elfman, James Horner o Ennio Morricone) y algunos discos aún siguen vendiéndose por millones (como El Rey escorpión y la canción de "I Stand Alone" de Godsmack).

La evolución constante de la ingeniería acústica hace que cada día los músicos se exijan más a sí mismos y a los productores. Ya no basta con la “música de pantalla”, ahora los realizadores cuentan con las posibilidades del estéreo para resolver la ubicación de un personaje en "off" (su voz o sus ruidos pueden sonar a la derecha, izquierda, o detrás de¡ espectador), sin necesidad de cambiar la posición de la cámara. Como ejemplo de las posibilidades del Dolby podemos citar la secuencia del ataque de los helicópteros sobre la aldea vietnamita de “Apocalypse now” (1977), de FF Coppola, la famosa "Cabalgata de Walkyrias", que sonaba como música diegética en el canal de sonido-on (pantalla), iba pasando paulatinamente a todos los canales de la sala conforme iban sucediéndose las explosiones. La excelente mezcla posibilitaba que los ruidos del "napalm", de los helicópteros y de los disparos, fueran justificando el “crescendo” dimensional hasta que se convertía en música "on" y "off" al mismo tiempo.



Existe una muy buena página para que explores este mundo fascinante de la música para péliculas , así también un listado detallado de los mejores soundtracks de todos los tiempos. El sitio se llama Cuando Calienta el Blog.

viernes, 23 de noviembre de 2007

Pasolini: El Cineasta olvidado

Pier Paolo Pasolini nació en Bolonia el 5 de marzo de 1922 , ciudad de tradición política izquierdista. Era hijo de un soldado que se hizo famoso por salvar la vida de Benito Mussolini. Pasolini empezó a escribir poemas a los siete años de edad y publicó por primera vez a los 19 mientras se encontraba estudiando en la Universidad de Bolonia. Fue reclutado durante la Segunda Guerra Mundial; capturado por alemanes, logró escapar. Luego de la guerra, se unió al Partido Comunista Italiano en Ferrara pero se fue dos años después .

Pasolini fue escritor, poeta y director de cine. En este artículo nos referiremos al Pasolini cineasta. Como director (se inició en 1961) ha creado una suerte de segundo Neorrealismo, explorando los aspectos de la vida cotidiana, en un tono cercano al de la commedia dell'arte, centrando su mirada en los personajes marginales, la delincuencia y la pobreza que arrastra Italia desde la posguerra, y estableciendo un estilo narrativo y visual en el que priman el patetismo y la ironia sobre el humor grueso y a veces sórdido de sus historias. Debuta en 1961 con una película en clave neorrelista pero que abarca mucho más y sorprende a la crítica: Accattone, en la que inicia su relación personal y profesional con uno de sus actores fetiche (Franco Citti). Despues hizo El Evangelio según San Mateo (muy criticada), Mamma Roma, Pajaritos y pajarracos , Edipo Rey, Teorema, Pocilga (una de sus obras mas crudas y controversial) , El Decamerón, Los Cuentos de Canterbury, Las mil y una noches, etc.

Me acuerdo ahora que su película "Decamerón" , la suspendió el ministerio del interior del Gobierno militar, por atrevida y atentar contra la moral y buenas costumbres. Dos camiones (los caimanes)repletos de policías llegaron al cine Roma de Lima, rodearon la manzana y sacaron de las orejas a los mañosos.


La carrera del cineasta se trunca cuando, en 1975, se estrena en los cines un film que convulsiona a toda la sociedad italiana y hace que el autor sea objeto de multitud de amenazas de muerte y presiones incluso políticas: Salò o los 120 días de Sodoma, en la que Pier Paolo adopta un tono autocrítico hacia algunos pasajes de su obra anterior y en la que adapta al Marqués de Sade con toda crudeza y con la mayor libertad con la que un creador se haya dotado a sí mismo nunca, desdibujando los límites convencionales y cinematográficos que encierran el erotismo, pornografía, expresión, sadismo, provocación y degradación humanas. No apta para todos los estómagos, la cinta hipnotiza a cualquier cinéfilo avezado y sin prejuicios, que entienda realmente el universo de Pasolini y los contornos (o aristas) de su lenguaje, y la película rebosa calidad artística.

A Pasolini -por si alguien tiene duda- lo mataron, como a Lorca, por homosexual y comunista. Su muerte fue un alivio para las altas esferas italianas, que "sin buscarlo" se quitaron de un plumazo el incómodo peso de un artista inconformista que nunca tuvo pelos en la lengua para hablar de la libertad sexual, para arremeter contra la iglesia o criticar el sistema político de su país y jamás ocultó su condición de homosexual, marxista y -a pesar de todo- católico.


Pasolini fue apaleado como un perro el 1 de noviembre de 1975. Esa tarde tenía una cita en la estación Termini con unas personas que tenían que devolverle parte de la película de su último filme Saló, robada en Cinecittá. Cuando al día siguiente se conoció la noticia del fallecimiento, pocos creyeron en la primera y única versión de los hechos. La justicia condenó al entonces menor de edad Pino Pelosi, a quien el cineasta supuestamente habría recogido para tener relaciones sexuales. Tres décadas después, el caso ha sido abierto y todo apunta a que el asesinato fue urdido por la extrema derecha.



Desconozco si alguien lloró su muerte -seguro que pocos-. Hoy, sin embargo, Italia se ve obligada a rendir tributo a este artista incomprendido y nada valorado. En el 30 aniversario de su desaparición, Gianni Borgna, asesor cultural del ayuntamiento de Roma, asegura que "fue una encerrona premeditada para eliminar una voz incómoda". Puede que su figura fuera incómoda, ahora lo que incomoda es reconocer que con el silencio a lo largo de treinta años, todos han sido culpables también de un asesinato cultural. Pocos ciclos de cine se han hecho en torno a la filmografía de Pasolini, en las facultades de Comunicación Audiovisual se estudian de pasada sus películas y los festivales de cine que han hecho retrospectiva de su obra, se pueden contar con los dedos de una mano.

martes, 20 de noviembre de 2007

Dick Tracy : Incorruptible


Dick Tracy es un personaje de cómic muy popular en la cultura pop americana. Apareció por primera vez el 4 de octubre de 1931 en forma de plancha dominical distribuida por el Chicago Tribune New York News Syndicate. Creado por Chester Gould, el personaje se tenía que decir, en un principio, como “Plainclothes Tracy” (Tracy, vestido de paisano). Una decisión del Syndicate le dio el nombre actual. A principios de los años treinta, cuando el gangsterismo ocupa las portadas de todos los periódicos norteamericanos, Dick Tracy se hace policía a causa del asesinato del padre de su eterna prometida, Tess Trueheart, y su rapto. Entonces, el inspector pone toda su convicción en la lucha contra el crimen, dispuesto a utilizar los medios más implacables y refinados.


Chester Gould realizó una serie desmarcándose de las propuestas de Harold Foster, el autor de Tarzán. Desarrolló un estilo detallista, pero no en función de un mayor naturalismo, sino a través de cierta abstracción icónica de los personajes, es decir, de una mayor simplificación. El ambiente de las historias se construye a base de fuertes contrastes de blanco y negro, una variedad de puntos de vista muy elevada y se respalda en los diálogos y en una línea argumentativa firme y segura. Dick Tracy continúa a manos de Chester Gould hasta su cierre el 1972. Actualmente sigue publicándose.


Aparte de los comics, tuvimos la suerte de ver a este personaje junto con sus amigos y enemigos, a través de dibujos animados, durante los sesentas. Después el mismo productor de Batman para TV, realizó una serie con estereotipo muy parecido a la serie del encapuchado, pero sin éxito. Y no es hasta 1990 que es llevada a la pantalla grande, con la interpretación del actor Warren Beatty acompañado de grandes actores, entre ellos Al Pacino.

Personajes como el del detective Dick Tracy nos recuerda la actividad de las personas al lado de la justicia. Un ejemplo es cuando Dick Tracy, descubre en uno de sus "comics", que el criminal asesinó a la víctima con "una bala de hielo", mientras la policía creía que la víctima había muerto de un ataque cardíaco. Aunque podemos decir que la intuición le sirvió al detective para desarrollar una visión sobre la investigación que trataba, esta escena de "la bala dehielo" no es real.






sábado, 17 de noviembre de 2007

La Pandilla Basura: La Asquerosidad en Stickers

La Pandilla o Familia Basura (The Garbaje Pail Kids) se creó por una compañía americana llamada The Topps Chewing Gum Company, desde 1987, eran unos stickers, mas de 600 en total que comenzaron a venderse como "pan caliente " en puestos de periódicos y librerías, esto hasta 1989. El albúm de figuritas fue por el año 1992, viendo el éxito obtenido en la venta de stickers, Editorial Navarrette edita el album con cromos bien logrados (208 figuritas) que eran autoadhesivos y a full color.

Las tarjetas eran pintadas en un tamaño de 5 pulgadas de ancho por 7 de largo, el doble del tamaño al que serían publicadas. Las técnicas más usadas eran la pintura de acrílico y aerógrafo y jamás podían ser firmadas, debido a una restricción de la compañía. Ésta, además, se quedó en su poder con casi todos los originales. De hecho, las únicas pinturas recuperadas fueron aquellas que debían ser corregidas y sólo así los autores pudieron mantener en sus manos algunos bocetos y pruebas de color. De cada tarjeta se publicaban dos con distintos nombres –así, por ejemplo, la tarjeta 164 de la serie 4 se llama Teddy Bear en la lista A, y en la B se le llamó Salvatore Dolly- estrategia que además de original le aseguró a la TOPPS una ganancia calculada de aproximadamente 64 millones de dólares (recuento hecho cuando la serie apenas iba como a la mitad así que saquen sus cuentas). Los artistas ocasionalmente proponían los nombres, pero era la compañía la que al final decidía cuáles se quedaban.

El reverso de las tarjetas incluía chistes y pasatiempos con los sucios personajes de las series, y piezas que daban forma a un rompecabezas de los personajes más populares.La serie se volvió un éxito inesperado para la TOPPS. La doble parodia –por un lado, la burla de los archifamosos CPK y por otro el juego con nombres propios; además del uso de un humor escatológico y gore pasaron la prueba del público gringo. Algunas dulcerías de la época reportaban ventas estratosféricas en la etapa de mayor éxito de las Garbage. Algunas llegaban a vender la friolera de 500 sobres por día. El precio era de 50 centavos de dólar y el paquetito contenía 5 tarjetas y un chicle rosa con sabor a polvo y cartón duro.

Me acuerdo que mis sobrinos juntaban esa basurita. El truco de la venta masiva era la prohibición. Hubo una gran requiza en colegios en todo el páís. Se decía que fomentaba la rebeldía y el tener apego a realizar actos que se alejaban de la moral, el civismo y las buenas costumbres. En los niños era divertido, no así en los mayores, padres y educadores. En realidad tenían razón. Ese album no llenaba nada, era una oda a la asquerosidad. Hago mención de eso porque desde ese tiempo que los chicos se divierten viendo o escuchando escenas groseras, tanto en películas como hasta en dibujos animados.

Está muy de moda oir pedos y eruptos en los comics o series de televisión. Si bien es cierto, son actos biológicos e inevitables, no deben ser puestos en vitrina para crear según sus creadores, risa o entretenimiento. Pienso que hay otros recursos.

Los cromos de The Garbage Pail Kids eran muy chocantes, fue la primera vez que se realizó este tipo de colecciones. Hasta me acuerdo que hicieron una película...que asco...!para rematar, hay tambien calcomanías y videojuegos.

Todavía existen en el mundo clubs de fans, admiradores y seguidores de estos mounstritos de la cochinada. Ahora ya mayor y con hijos, no permitiría ni siquiera por juego a mis hijos que tuvieran en sus manos tremenda basura impresa.

miércoles, 14 de noviembre de 2007

La Familia Ingalls: La Casita de la Pradera


Aunque ahora mas que nunca ya no se observa familias como los Ingalls, que siempre están juntos en las buenas y en las malas (todavía mas en EEUU) es grato ver como se desenvolvía la vida familar en el año de 1878 en el oeste norteamericano.

El gestor de esto es Michael Landon, el joven actor de la serie de TV Bonanza. La idea de Michael Landon de producir un programa donde toda la moral cristiana, los valores familiares, la solidaridad, el esfuerzo y la abnegación se concentraran en una pequeña casa en la pradera, le valió el éxito por diez años consecutivos en todo el Perú. Debemos sumar también los siguientes años en que la serie fue emitida en todos los países del mundo en lo que ya parece una éxito eterno. En nuestra patria se trasmitía desde 1977 por Panamericana Televisión . Fue estrenada en los Estados Unidos por la NBC en 1974 y duró hasta 1983, realmente una serie muy prolija en capítulos.

Basada en los libros autobiográficos de la escritora estadounidense Laura Ingalls Wilder, "la Casa de la pradera", nos contaba las penurias y alegrías de la familia "Ingalls",y los demás habitantes de un pequeño pueblo ficticio llamado "Walnut Grove". Narrada por la hija mediana del matrimonio, Laura, era una recreación de la forma de vida de los primeros pobladores fronterizos. La serie comenzaba, con el padre de familia, Charles, trasladando a su familia desde Wisconsin a las tierras de Minnesotta, donde se afincan en un pequeño pueblo.Una vez que los Ingalls se acomodan en su nueva casa, Charles, con su mujer Caroline, y las tres hijas, Mary, Laura y Carrie, comienzan ilusionados una nueva vida que suponen les resultará más ventajosa. Pero no pasará micho tiempo antes de que aprendan que la vida en la frontera es dura y complicada.
Con poco dinero, Charles se ve obligado a aceptar cualquier trabajo a cambio de consiguer materiales para mantener su pequeña granja. Poco a poco se van integrando a la vida del pueblo, tratando de llevarse bien con todo el mundo, incluso con los Oleson y su repelente hija Nelly.
La serie, producida, escrita, dirigida e interpetada por Michael Landon, era una exaltación de los valores cristianos familiares, abnegación y solidaridad. Ese aire almibarado y sensiblero, conquistó millones de seguidores en todo el mundo, y Melissa Gilbert fué nominada al Grammy por su interpretación de Laura.

La vida de los Ingalls estuvo plagada de sacrificios, pobreza, mudanzas forzadas, desastres naturales y desgracias personales, sobre todo gracias a la sufrida Mary, con su ceguera y la muerte de su hijo. Pero ante cada conflicto la familia se reponía con mayores fuerzas y no faltaron las alegrías, como las aportadas por los maridos de las chicas, Adam y Almanzo.

Atrapante y lacrimógena, inocente pero conservadora, es indiscutible el lugar que se ganó en el corazón de los televidentes de todo el mundo. Verla por primera vez es descubrir la serie de TV familiar por excelencia, revivirla es quedar atrapados una vez más por el encanto y la ingenuidad de un clásico eterno.

Reparto
Melissa Gilbert ....Laura Elizabeth Ingalls Wilder
Michael Landon ... Charles Philip Ingalls
Karen Grassle .... Caroline Quiner Holbrook Ingalls
Lindsay Greenbush ...Carrie Ingalls
Scottie MacGregor ....Harriet Oleson
Richard Bull .... Nelson "Nels" Oleson
Jonathan Gilbert .... Willie Oleson
Melissa Sue Anderson ....Mary Ingalls Kendall
Kevin Hagen ...Dr. Hiram Baker
Allison Amgrim.....Nelly Oleson


domingo, 11 de noviembre de 2007

Colorina: La historia de una Cabaretera

Me acuerdo que todo el Perú y América hispanohablante se preguntaba -¿Quién es el hijo de la Colorina? todos estabamos al tanto sobre la vida de una cabaretera que para proteger a su bebé, lo crió junto con otros dos niños. Lucía ha tenido muchos galanes en su carrera, pero la pareja que hizo con Enrique Alvarez Félix en "Colorina" era de antología. Ambos se acoplaron tan bien en pantalla que el fenómeno no ha vuelto a repetirse. Basta recordar los intercambios de miradas, de esas frases que compartían, cargadas de amor, reproche y deseo. Por algo la telenovela despertó el interés del país entero durante meses. América televisón la pasaba de lunes a viernes a las 9 de la noche, desde mediados de 1980. En muchos países como el mismo Mexico, la tuvieron que emitir casi a la media noche, por las escenas ha veces subidas de tono.
Es muy dificil resumir en unas líneas toda una novela, pero trataré. Gustavo Adolfo Almazan es un millonario reprimido. Está casado con la enfermiza Alba, y su vida es manejada por su autocrática madre, Ana Mana María. Una noche su infame cuñado Iván trae a dos cabareteras borrachas a la Mansión Almazán y comienzan una juerga. Ahí, Gustavo Adolfo conoce a Fernanda, alias La Colorina con la que sostendrá un apasionado romance. Ana María desea un nieto, y le paga a Colorina para que tenga un hijo con Gustavo Adolfo y se lo entregue a Alba. Aunque inicialmente, Fernanda acepta el plan, cambia de idea cuando nace su hijo. Fernanda y el bebé regresan a su antigua vecindad. Allí encuentra a un antiguo amigo, a quien su esposa acaba de abandonar dejándole dos niños pequeños.Colorina reúne a los niños y huye a Monterrey donde comienza una nueva vida. 20 años más tarde, Fernanda es una respetable matrona y la dueña de una prospera boutique. Sus trillizos son jóvenes sanos y buenos mozos que estudian carreras profesionales. Es ese el momento en que la ex Colorina escoge para regresar a México y presentar a sus hijos a los Almazán para ver si pueden reconocer al hijo de Gustavo Adolfo entre ellos.

El Tema de la telenovela me acuerdo que lo interpretaba Camilo Sesto y fue un buen plus que tuvo este culebrón mejicano. La actuación de Lucía Mendez y de Enrique Alvarez Feliz no me convenció del todo, pero no dejan mal parado al reparto completo.


Después de casi dos décadas Mexico realiza un cover de la misma con el nombre de "Salomé", mejor producción y adaptada a los tiempos actuales con una insuperable interpretación de la actriz Edith Gonzales.

Ficha Técnica

Telenovela: "Colorina"
Escritor: Arturo Moya Grau
Adaptación: Carlos Romero
Directores: Dimitrio Sarrás y Noé Alcántara
Productor: Valentín Pimstein (Televisa, México, 1980)
Elenco: Lucía Méndez, Enrique Alvarez Félix, Julissa, José Alonso, María Teresa Rivas, Luis Bayardo, María Rubio, Guillermo Capetillo, Juan Antonio Edwards, José Elías Moreno, Armando Calvo, María Sorté, Fernando Larrañaga, Salvador Pineda, Alberto Insua, Liliana Abud, Elizabeth Dupeyrón, Yuri, Alba Nydia Díaz, Beatriz Aguirre, Juan Luis Galiardo, Roxana Saucedo, Marina Dorell, Héctor Ortega, Alma Delfina, Arturo Lorca, Christian Bach, Enrique Gilabert, Elsa Cárdenas, Patricia Ancira, Roberto Ballesteros, Enrique Beraza, Alejandro Tommasi, Oscar Bonfiglio, Ricardo Cortés, Marichu de Labra y Debbie D'Green entre otros.
Tema musical: "Colorina" interpretado por Camilo Sesto

jueves, 8 de noviembre de 2007

La Música Disco (2º Parte)


La música Dance nace gracias a la evolución del sonido negro americano el Rhythm & Blues y el Soul. Uno de los artistas que contribuyó al desarrollo del dance fue sin duda James Brown. Películas como "Fiebre del Sábado noche" o "Por fin es Viernes" nos mostraron por primera vez una discoteca o una cabina de disc-jockey. A finales de los años 70 la Psicodelia y el Funky se adueñaron de las pistas de baile. Artistas como Earth, Wind & Fire, The Jacksons, Donna Summer y muchos otros llenaban las discotecas de todo el mundo con su música. Por otra parte, desde Alemania, cuatro universitarios llamados Kraftwerk creaban las bases de lo que sería el sonido Techno, llegando incluso a fabricarse sus propios instrumentos. A principios de los 80, gracias a la labor de gente como Sugarhill Gang y Afrika Bambaataa, el Rap se convirtió en estandarte de la juventud. El fenómeno del Breakdance fue sin duda lo que propició la fusión entre el Rap y los sintetizadores, creando así un sonido más comercial que se podía "pinchar" en cualquier sesión. Paralelamente a este hecho, productores como Bobby O' y Patrick Cowley transformaron el sonido Disco en High Energy, acelerando así el ritmo de la música de baile. Por su parte, los músicos que tomaron el camino de Kraftwerk crearon un sonido llamado Techno Pop. Este nuevo estilo combinaba las letras románticas con el sintetizador y el resultado fue muy positivo. Formaciones como Yazzo o Depeche Mode se convirtieron en ídolos para la juventud, gracias al buen hacer de uno de los mejores músicos de los 80, Vince Clarke.


En 1983 desde Italia se creo un nuevo estilo: el Italo-Disco, también conocido como Spaghetti. Las bases de esta nueva creación fueron el High Energy y el Techno Pop. Durante cuatro años el Spaghetti llenó las pistas de países como Alemania, Holanda o España. Dos de los artistas más importantes dentro del Italo-Disco son Ryan París, que con su "Dolce Vita" vendió en España 500.000 copias y Den Harrow, que se mantuvo durante varios años como máximo exponente de este estilo. En Estados Unidos, Madonna se convirtió en "Reina del Pop", haciendo extensivo su éxito al resto del planeta. Sus canciones eran una mezcla de música Disco y Pop. Precisamente esa fue la línea que siguieron muchos artistas en aquella época, aunque otros, como Michael Jackson, preferían mezclar el Funky con el Pop.


El nuevo sonido comercial europeo recibió el lógico nombre de Euro-Beat. El bombardeo de producciones era constante, Ice M.C. desde Italia, M.C. Sar & The Real Mc Coy desde Alemania, etc. Mientras estos artistas vendían miles de discos, grupos como Front 242 apostaban por el Sonido Industrial y se convertían en ídolos para el público que aborrecía la música comercial. El radicalismo y el culto al Techno Pop de Krafwerk crearon un nuevo estilo que en España se denominó Máquina. El resto del mundo continuó llamando Techno a esta fusión entre el New Beat, el Techno Pop y el Sonido Industrial.



martes, 6 de noviembre de 2007

La Hormiga Atómica (Atom Ant)

La Hormiga Atómica es minúscula de tamaño, pero su fuerza es extraordinaria. Con su grito de ¡Contraaaaaa el mal la Hormiga Atomicaaaaaa! Puede aplastar al más fuerte de los villanos y volar por los aires para conseguirlo. Si la Hormiga Atómica quisiera, podría ganarse el título de peso completo, pero nolo hace porque está muy ocupada usando su mente superior para capturar a sus enemigos. La hormiga Atómica afina sus superpoderes en el cuartel secreto quetiene debajo de una colina; y con sus increíbles antenas supersensibles puedecaptar todas las señales de angustia para llegar al instante y ayudar a quienmas lo necesita.


Este dibujo fue creado en 1965 por la dupla Hanna - Barbera. Pese a su pequeño tamaño su fuerza es impresionante. Con sus antenas puede captar cuando algún inocente tiene peligro y al grito de Contra el Mal! La hormigaaaa Atomicaaaaa lo va a rescatar. Su cuartel se encuentra debajo de un hormiguero y ahí es donde entrena(como si no fuera suficientemente fuerte sigue haciendo pesas). Realmente muy divertida esta serie que apareció a finales de los sesenta aquí en Perú y la veíamos en b&n por América televisión durante las tardes, despues de los deberes de colegio. Sólo existen 26 episodios durante 1965 y 1967. El estreno fue en la cadena NBC de EE.UU.

Originalmente la Hormiga Atómica presentó también en otros segmentos las aventuras de Lindo Pulgoso y Los Osos Montañeses. En 1967 se reestructuró bajo el título de The Atom Ant / Secret Squirrel Show agregándose a la troupe el interesante personaje de (El Inspector Ardilla), quien anteriormente había tenido su propia serie durante dos temporadas. Este pequeño dínamo puede enfrentarse con cualquiera, sin importar su tamaño.Obtiene su super fuerza de un Desintegrador de Atomos que se encuentra en su laboratorio, cual le permite volar, recoger llamados de ayuda en sus antenas,y levantar varias toneladas una y otra vez .






sábado, 3 de noviembre de 2007

El Tío Johnny: Un tío que se las trae.


El Tío Johnny debutó en la televisión con un programa en canal 4 llamado "Buenas Tardes Tío Johnny". Antes de que se estrenara su programa Johnny Salim incursionaba en el ambiente de negocios de la familia y nunca se imaginó estar algún día frente a una cámara de televisión en donde la teleaudiencia serían solo niños. Existía en la televisión peruana un programa infantil llamado "El Tío Juan" donde el carismático Juan Sedó era el animador y conductor del mismo. El Tío Johnny iba en el horario de las 6 de la tarde. El saludo que daba inicio al programa era un bullicioso "¡Buenas tardes, Tío Johnny!". En una hora de títeres, concursos y la presentación de series como Super Car, Tiro Loco, el Bonachón Noddy Magrou y la historia de Aladino y su Lámpara Maravillosa.

Después del primer año el programa cambió de nombre, "El Tío Johnny" de simple. Johnny Salim salía con una sarita como sombrero y un traje de color amarillo-negro a lo tío Sam. Su programa muy elegante y bien estructurado, nos conducía por alguna parte del camino hacia la casa de la señora vaca para tomarnos nuestro acostumbrado vaso de leche. Era la única forma de tomar leche, solo al estilo del Tío Johnny con músiquita incluída.

Me acuerdo que tenía cuando chico, el vaso y el azafate del Tío Johnny, también vendían por aquel tiempo la sarita y discos lps 33 rpm con canciones muy bien logradas como: la señora gallina, al perrito le duele la muela, los cochinitos, el cocinero, la señora vaca y el guarda bosque, los muñecos, etc.

Cuando los medios de comunicación se parametran con la unificación de los canales 4 y 5 (América y Panamericana Televisión Respectivamente) en Telecentro, ya Johnny Salim y su programa se había trasladado a la esquina de la televisión, osea al canal 5. Es cuando por orden del órgano regulador de comunicaciones, que ahora no recuerdo su nombre, hacen algunas observaciones al programa y entre algunas cosas le sugieren cambiar su vestimenta, porque según ellos era muy alienante, su manera de caminar y en la misma estructuración del programa. Por ejemplo existía una secuencia con el nombre de "El Tío Johnny a Go-go", tenía que ser removida por el contenido musical que no era nacional. La introducción de su programa en donde él llegaba al canal en una carcochita de estilo clásico convertible, sería cambiada por otra. Es decir le plantearon un cambio de 180 grados a su programa que tuvo practicamente que renunciar de la noche a la mañana porque no eran "sugerencias" sino que había tomado la dirección del programa sin su consentimiento.



Atrás quedarían los mejores momentos: cuando nos proyectaba los dibujos animados haciendo la simulación de utilizar un proyector casero de 8 mm., o hablando con la cámara haciendo creer que hablaba con la Sra. Vaca. Jugándose en cámaras con Chichi Salim, su sobrina, también por ahí se asomaba la pecosa María Kathia. A veces aparecía en alguna intervención la pequeña Inés "Chacha" Hormazabal., etc.

Johnny Salim, también pertenece a ese gran grupo de personalidades que hicieron de la televisión un baluarte con programas de calidad con recursos limitados. Gente que no se preparó para hacer lo que hizo en un centro superior de estudios, sino que con el grado socio-cultural al cual pertenecían además de un don de gente y buen sentido común hacían de lo mas simple, una obra de arte.

Después entrarían a reemplazarlo la jovencita Mirta Patiño e Ismael Contreras, un novato actor teatral. Ellos dieron forma al nuevo programa infantil "En esta parte del camino".