lunes, 31 de diciembre de 2007

Los Años Maravillosos

Existen series de televisión que se hacen parte tuya, que te identificas con ella, que te hacen sentir el protagonista o que te invitan a reflexionar. Una de esas series que marcó un precedente en la televisión mundial es The Wonder Years.

The Wonder Years, también conocida como Los años maravillosos, Aquellos maravillosos años en España o Kevin, creciendo con amor en Argentina , fue una serie de televisión creada por Carol Black y Neal Marlens. Estuvo seis temporadas en antena, en la cadena estadounidense de televisión ABC, de 1988 a 1993.

Los años maravillosos lidiaba con los problemas sociales y acontecimientos históricos de los años 1960s y principios de los 1970s, vistos a través del personaje principal, Kevin Arnold,quien también afrontaba conflictos sociales de adolescentes (principalmente con su mejor amigo Paul, y Winnie Cooper, en quien estaba interesado sentimentalmente) problemas familiares y otros temas.

La nostalgia es su principal virtud, ya que está narrada con voz en off del mismo Kevin cuando viejo (y que me recuerda la gran película Cuenta Conmigo). Todas esas cosas estúpidas por las que todos alguna vez pasamos están relatadas con acertivo humor. Y aunque suene cliché, es imposible no sentirse identificado con Kevin.

Siempre me pareció una serie genial, donde se ponía en vitrina, la vida e intimidades de una familia promedio de cualquier parte del mundo. Hoy que la vuelvo a ver, con muchos años, experiencias y conocimientos que no tenía la primera vez, descubro la enorme calidad de la serie, la producción es impecable, los diálogos, doblaje y actuaciones perfectas. pero quizá lo que estoy reedescubrindo con mas gusto es la excelente forma en que la serie está musicalizada.

Mientras las historias se desarrollaban, la historia era narrada por un Kevin más viejo y sabio (cuya voz es la de Daniel Stern) que describía lo que estaba pasando y lo que había aprendido de sus experiencias. En Argentina se televisó con un doblaje al español que aún hoy es recordado por quienes seguían la serie a comienzos de los '90. Dicho doblaje es sumamente buscado -esto puede chequearse muy fácilmente recorriendo un par de foros- para ser descargado de internet por quienes desean volver a ver aquella maravillosa serie.

El tema musical de la serie fue la versión de Joe Cocker de la canción de los Beatles "With a Little Help from My Friends". La canción fue incluida, junto con otras en la banda sonora del programa y que hiciera famoso a Cocker en el Festival de Woodstock.

Reparto

Kevin "Kev" Arnold (Fred Savage)- (nacido en 1976) Un adolescente norteamericano medio que asiste a una escuela secundaria (luego a la preparatoria) mientras está creciendo, a finales de los 1960s y principios de los 1970s. (115 episodios, 1988-1993)

Gwendolyne "Winnie" Cooper (Danica McKellar)- Principal interés amoroso de Kevin. Aunque Kevin en algunos capítulos al conocer a alguna otra se podía interesar. Vive en la misma calle que Kevin. El primer beso de ambos y la muerte del hermano mayor de Winnie en Vietnam fueron muy importantes en el episodio piloto. (80 episodios, 1988-1993)

Paul Pfeiffer (Josh Saviano)- El mejor amigo de toda la vida de Kevin. Es un excelente estudiante, extremadamente inteligente. En el episodio final se revela que irá a Harvard a estudiar la universidad. Es alérgico a todo. (91 episodios, 1988-1993) Se dijo equívocadamente que se convirtió en el cantante Marilyn Mason.

John "Jack" Arnold- (Dan Lauria) El padre de Kevin, un veterano de la Guerra de Corea. En el programa es un padre muy cerrado y serio. Originalmente trabajó en NORCOM, una enorme corporación, como Gerente de Distribución y luego como Gerente Regional, odiaba tener superiores, por lo que más tarde iniciaría su propio negocio construyendo y vendiendo muebles hechos a mano. (93 episodios, 1988-1993)

Norma Arnold (Alley Mills)- La madre de Kevin, pocas veces sale de casa. Es muy amigable y se podría decir la que tiene mas espiritu en la casa. Conoció a Jack en los primeros semestres de la universidad. Cuando él se graduó, ella se mudó al otro lado del país con él y no concluyó la universidad. (91 episodios, 1988-1993)

Karen Arnold (Olivia d'Abo)- La hippie hermana mayor de Kevin. Eventualmente se casa y se va a vivir a Alaska. Su única aparición en la temporada final es en el último episodio. (53 episodios, 1988-1993)

Wayne Arnold (Jason Hervey)- El hermano mayor de Kevin, quien disfruta torturando físicamente a Kevin y Paul. Es el hermano tarado que si alguien se levanta diría "¿Me Puedo Comer Eso? Se hace cargo del negocio de los muebles cuando Jack Arnold muere, durante el epílogo del futuro en el último episodio. (96 episodios, 1988-1993)


jueves, 27 de diciembre de 2007

Pixie y Dixie vs. Jinks

Pixie y Dixie son los personajes de la historieta de Hanna-Barbera, este par de ratones y su eterno enemigo el gato Jinks contribuyeron substancialmente a la popularidad de El Show Huckleberry Hound, a partir del 1958 hasta 1962. Pixie y Dixie son una encantadora variación del perpetuo tema de la persecución entre el gato y el ratón. Puede ser considerado como una parte importante de los dibujos animados, esto debido a que fue parte del primer show de animacion en tener exito en la television.

Los ratones con acento sureño presentan la continua lucha de intentar ser más hábiles que el gato Sr. Jinks (con acento andaluz... ¡¡¡MALDITOS ROEDORES!!!) , que en ingles original era ("I hate meices to pieces!!!"), quien, incidentalmente, odia a los ratones.

Canal 4 América Televisión en Perú pasaba esta serie de dibujos animados los sábados por la mañana a finales de la década de los sesenta. Felizmente la televisión por cable permite hasta ahora poder disfrutar de estos divertidos dibujos animados.

Se duración por capítulos era muy corta, bordeaba los 5 a 10 minutos por episodio. Era parte de otro dibujo animado: El Show de Huckleberry Hound (HH) que debutó el 2 de octubre de 1958 y estaba compuesto por tres segmentos, el propio HH, el Oso Yogi (que tiempo despues tendría su propia serie), y Pixie & Dixie, el cual contaba las historias de 2 ratones (cuyos nombres daban el titulo al segmento), y un gato llamado Mr. Jinks, que les hacia la vida imposible.

William Hanna y Joseph Barbera tomo la idea de Tom & Jerry, que habia sido un gran exito cuando ellos dirigian en MGM, con la diferencia de que en P&D eran 2 ratones, y el T&J era solo uno, y ocasionalmente aparecia un pequeño ratón acompañando a Jerry.

Muy entretenida, muy sana que a diferencia de la versión original en inglés, el doblaje realizado por mejicanos le agregaron un plus. El gato Jinks tiene acento español-andaluz, y los ratoncitos Pixie y Dixie "hablaban" con acento cubano y mejicano, que los hacían inconfundibles en la caricatura animada. El doblaje en castellano se hizo en México con las actrices Amparito Garrido* (Pixie), con acento mexicano y Carmita Arenas* (Dixie) con voz cubana. En tanto el gato Jinks fue doblado por el actor español Florencio Castelló (el mismo actor que interpretaba al personaje apodado "el curro" en la serie cubana"Trespatines") , quien le dio una especial personalidad al personaje (Odio a eto´s marditos roedores), convirtiéndose en el protagonista de la historia, donde siempre salía mal parado, pero se daba ciertas licencia, por ejemplo conversar con el televidente.


lunes, 24 de diciembre de 2007

Feliz Navidad para Todos!















Desde hace 2007 celebramos año tras año este gran acontecimiento que es el nacimiento de Jesucristo. Seamos creyentes o no, la Navidad encierra un lindo misterio y hace que los seres humanos enlacemos nuestros corazones y compartamos el amor de infinitas maneras. La Navidad es diferente para cada uno. Te dejamos con algunos temas que hablan de la Navidad, cada uno en su estilo, en su tiempo y en su espacio.
La Esquina de Pulpín te desea lo mejor en estas fechas llenas de unión y amor. Que el próximo año colme tus anhelos.....

viernes, 21 de diciembre de 2007

Las Canciones más vendidas de la Historia

Canciones que nos invitan a bailar, otras a recordar un bello momento. Todas estas canciones tienen algo en común. Fueron hechas para nunca ser olvidadas y tienen en su haber la distinción de ser las canciones más vendidas de la historia:




Macarena es una canción del dúo Los del Río, sobre una mujer del mismo nombre de vida desenfadada y con una moralidad peculiar.Tuvo mucho éxito entre 1995 y 1997, aunque fue editada sobre 1993 en su versión original. Posteriormente, fue reeditada por una multinacional discográfica y lanzada al mercado mundial, obteniendo tal éxito que se prolongó durante años.

Llegó a estar durante tiempos récord en las listas de éxitos como número 1. Se escuchó en la final de la Superbowl norteamericana y fue utilizada como música de campaña electoral por el Partido Demócrata, obteniendo Bill Clinton la reelección como Presidente de Estados Unidos.



"We Are the World" es una canción escrita por Michael Jackson y Lionel Richie en 1985, producida por Quincy Jones y grabada por un gran grupo de músicos famosos formado especialmente para la ocasión que se denominó USA for Africa (United Support of Artists for Africa). La grabación de la canción se realizó el 28 de enero de 1985 y publicada el 7 de marzo del mismo año por el sello Columbia Records. Los beneficios obtenidos por la canción fueron donados a una campaña humanitaria para intentar acabar con la tremenda hambruna en Etiopía.



Aserejé es la canción más conocida del grupo musical pop español Las Ketchup. Fue conocida en todo el mundo.El estribillo es la primera estrofa del “Rapper's Delight" grabado por Sugarhill Gang en 1979, “traducido” fonéticamente al español. De aquí nace la historia incierta de que era un tema satánico.

Toda esa invención de que era satánica surgió en un periódico en Chihuaha y por lo mismo hubo estaciones de radio que prohibieron la transmisión de la canción, explicando sus razones:
"A la redacción de un conocido periódico Mexicano llegaron inquietudes en el sentido de que al desarticular el título de la canción, "Aserejé", se desprende la letra "A" (cuyo significado es uno), continúa la palabra ser (de ser) y las últimas tres letras forman la palabra eje, (sin hache), es decir, "un ser hereje".El primer párrafo de la canción inicia de la siguiente manera; "Mira lo que se avecina, a la vuelta de la esquina viene Diego rumbeando..." Aquí, según los críticos, no aparece nada extraño, salvo el nombre Diego, que se interpreta como un mensajero, y la palabra "rumbeando", de rumbo o rondando. Y continúa:"Con la Luna en las pupilas y en su traje agua marina van restos de contrabando..."



Caribe, fue un tema que rompió todos los records de venta en 1985 y gran parte de 1986. Fue una canción compuesta por Willy Chirino e interpretado sesacionalmente por la Dama del Caribe Angela Carrasco. Este tema muy amplio en duración mostraba a manera de medley un sin numero de temas propios de iberoamérica.



La Lambada es tanto una canción como un estilo de baile erótico de algunas zonas del Norte de Brasil. Conocida como "La Lambada" en portugués ("latigazo"), en francés ("coup de fouet"). Es una mezcla de carimbó, reggae, salsa y merengue. Esta canción cantada en portugués, fue un éxito musical llevado a la cima de las mediciones internacionales, a fines de los años 80, por el grupo "Kaoma", quienes plagiarón la canción "Llorando se fue" del grupo boliviano Los Kjarkas. El video de la Lambada, que popularizó este baile en todo el mundo, se filmó en un chiringuito de la isla de Tagomago, en el noreste de la isla Ibiza.


Existe además una lista de temas que sonaron más y por lo consiguiente se vendieron más copias rompiendo todos los records de ventas en el mundo. Esto en la segunda mitad del pasado siglo XX:

1. YESTERDAY The Beatles
2. (I CAN'T GET NO) SATISFACTION The Rolling Stones
3. SMELLS LIKE TEEN SPIRIT Nirvana
4. LIKE A VIRGIN Madonna
5. BILLIE JEAN Michael Jackson
6. I WANT TO HOLD YOUR HAND The Beatles
7. RESPECT Aretha Franklin
8. ONE U2
9. I WANT YOU BACK Jackson Five
10. I WANT IT THAT WAY Backstreet Boys
NOTA: Para ver y escuchar los clips, tienes primero que anular el video de la página que se encuentra en la columna lateral del blog.

miércoles, 19 de diciembre de 2007

Infierno en la Torre: Cine Catástrofe



The Towering Inferno, en latinoamérica Infierno en la torre, es una película de 1974 basada en las novelas The Tower (La torre) de Richard Martin Stern y The Glass Inferno (El infierno de cristal) de Thomas N. Scortia y Frank M. Robinson. Probablemente la mejor de las películas de catástrofe. Ganó tres Oscar y fue nominada a cinco más.

El edificio más alto del mundo acaba de ser construido en San Francisco, y se organiza una fiesta con numerosos invitados en la sala de baile situada en la planta más alta del edificio. Antes de la celebración, el promotor del rascacielos (William Holden) se entera de que su yerno (Richard Chamberlain) ha introducido modificaciones en los detalles técnicos del edificio, con el propósito de emplear materiales de menor calidad. La fiesta ya ha comenzado, cuando saltan chispas en la instalación eléctrica de uno de los pisos, y se origina un incendio que se propaga rápidamente a los pisos sueriores. En un edificio tan alto los bomberos no pueden controlar un fuego de esa magnitud, por lo que intentan evacuar a los invitados de la fiesta de todas las maneras posibles. El jefe de bomberos (Steve McQueen) dirige las operaciones y está en contacto con el arquitecto del edificio (Paul Newman), quien le explica las características del rascacielos. Ante una situación cada vez más desesperada, el arquitecto tiene una idea que tal vez resulte.

Aparte de la espectacularidad de algunas escenas y el suspense que provoca en el espectador, el filme brindó la oportunidad de ver tras un largo paréntesis a viejas estrellas como Fred Astaire, famoso en los años 30 y 50 del siglo XX, o Jennifer Jones. William Holden hizo también en ésta película una de sus últimas apariciones cinematográficas.

Aquí en el Perú se estrenó en junio de 1975, fue un gran suceso, los cines de Lima se abarrotaron de gente. Eran tiempos que ese tipo de película llenaban salas enteras y la reventa ilegal de entradas era un gran negocio. Era la moda en realizar films de temas catastróficos, Tiburón y Terremoto eran también buenos ejemplos de este tipo de cine. Como género, el cine catástrofe es uno de los más despreciados. No es difícil comprender el por qué; se trata de un género que se basa en los efectos especiales y, mientras tarda en llegar la gran secuencia de FX hay un enorme y largo relleno de drama de stock protagonizado por estereotipos.

El director de esta película fue Irwin Allen. Él era un productor y director que había obtenido un modesto éxito con Viaje al Fondo del Mar (1961), la que luego terminaría por adaptarla como serie de TV, y comenzaría una larga trayectoria como productor televisivo. De esa epoca datan la series Viaje al Fondo del Mar (1964 - 1968), Perdidos en el Espacio (1965 - 1968), El Tunel del Tiempo (1966 - 1967) y Tierra de Gigantes (1967 - 1970). La series de Allen se basaban en ciencia ficción, y terminaban por ser flagrantes copias de otros clásicos (20.000 Leguas de Viaje Submarino, Robinson Crusoe, La Máquina del Tiempo o Los Viajes de Gulliver), con presupuestos mínimos, conceptos científicos atroces y guiones terribles. El éxito de Allen se basaba en la fascinación del público por la idea que él vendía, pero con el tiempo ni los ratings ni los ejecutivos de los canales terminaban por soportar los bajos niveles de calidad de sus productos. Decidido a dar el gran paso, Allen regresaría al cine; casualmente el éxito de Airport (1970) le daría la señal de que el público gustaba del cine catástrofe, y se lanzaría con La Aventura del Poseidón (1972) en el género.

Con Infierno en la Torre, es la segunda incursión de Allen en el género. Y posiblemente sea la mejor de las películas de desastres de los 70. La génesis del proyecto fue algo curiosa; con el cine catástrofe en boga, la Warner adquirió los derechos de la novela The Tower, para descubrir que 8 semanas después Allen había comprado para la Fox la opción sobre el libro The Glass Inferno. En The Tower, un terrorista suicida detona una bomba en la base de un edificio mientras una fiesta VIP se desarrolla en el penthouse del mismo y los invitados quedan atrapados. Mientras, en The Glass Inferno la baja calidad de los materiales de construcción es alertada por el arquitecto del edificio mientras un incendio comienza a devorar el rascacielos. Como las tramas eran parecidas, la Warner y la Fox se aliaron y pusieron a Allen a cargo del proyecto. Allen trajo al guionista Stirling Silliphant (premiado por la academia por el libreto de In The Heat of The Night), que se puso a mezclar historias y personajes de las dos novelas, amén de aportar ideas originales.

Infierno en la Torre es larga, excesiva y pretensiosa como todas las películas de cine catastrofe. Dura dos horas y media que, a pesar de un buen ritmo, terminan por sentirse. El film realiza unas cuantas cosas bien: no hay demasiadas historias - al contrario de las interminables parejas de viejitos enamorados, esposos engañados, ladrones, suicidas, etc. que suele ofrecer el cine de aeropuertos -; a los pocos minutos de iniciada la película ya estamos involucrados con el siniestro; la evolución del mismo tiene cierta tensión; hay algunas muertes sorpresivas y espectaculares; hay unas cuantas buenas actuaciones; y no satura demasiado al espectador con ridículeces. El problema es que en su fase intermedia, cae en todos los clisés y las fallas que se le atribuyen al cine catástrofe. Cuando la Sra. Mueller baja a rescatar a la madre sorda y sus hijos, uno se agarra la cabeza. Es una escena terriblemente mala, predecible, absurda, seguida de la clásica prueba muscular del género - donde una escalera o puente se desmorona y todos los actores pasan de un modo interminable por dicho obstáculo -. Pero después retoma bastante bien el ritmo y se deja ver.

Actores:
John Guillermin
William Holden
Faye Dunaway
Robert Wagner
Fred Astaire
Susan Blakely
Steve McQueen
Paul Newman
Richard Chamberlain
Jennifer Jones
Robert Vaughn






jueves, 13 de diciembre de 2007

Hechizada: La Brujita encantadora

Desde que apareció la televisón, ésta nos cambió la vida. Nos abrió nuevos mundos y nos hizo soñar. Los protagonistas de los programas se convirtieron en nuestros ídolos; a quien no le gustó parecerse a Lee Mayors o a Linda Evans. La mujeres se enamoraron de El Santo y los hombres de Hechizada. Los niños como nosotros gozamos de los Picapiedra y todos los dibujos de Hanna Barbera.


Hechizada, fue una de las series con mayor éxito en la segunda mitad de los años sesenta. La mayoría de chicos de la época se enamoraron de Samantha, una bellísima bruja que hacía las delicias de grandes y pequeños.Las mujeres envidiaban su vestidos, nuestra bruja siempre iba a la moda, y la facilidad que tenia para hacer las tareas domésticas con solo un movimiento de nariz.


La serie está basada en una película de los años 40, protagonizada por Veronica Lake y Frederic March y de la cual hubo una nueva versión en los cincuenta llamada "Me enamoré de una bruja", cuyos protagonistas eran James Stewart y Kim Novak.

Samantha, la bruja protagonista se casa con Darrin, un publicista de Nueva York. Ella se propone dejar para siempre sus habilidades mágicas para vivir una vida como los mortales con su marido. Sin embargo normalidad es lo que falta habitualmente en casa del matrimonio Stephens, ya que la madre de Samantha hace que la vida en esa casa sea de lo más agitada.Por otro lado la galeria de personajes se completaba con Endora, la madre de Samantha siempre enfrentada a Darrin. También recordamos con un especial cariño a Tabitha y su peculiar movimiento de nariz cuando queria hacer brujeria, la Tía Clara, Maurice el padre, el Dr. Bombay y sus espectaculares apariciones, a Larry el jefe de Darrin y muchos otros como la vecina metiche , la sra. Gladys Kravitz y su esposo.

Ustedes sabían que para la filmación de los capítulos de la serie en donde la hija de ambos, Tabitha o Tábatha, aparecía, se requirió la presencia de dos gemelas, las hermanas Murphy?. Erin y Diane fueron las encargadas de darle vida a la niña. Claro que al crecer estas dos gotas de agua, ya no se parecían tanto y la chicoca Diane se retiro, dejándole el papel a su hermana.Después del brillo ni una obtuvo un rol importante. Erin sólo logró una continuación de la serie, que se llamaba Tabitha, durante el año 1978, sin mayor resonancia. Actualmente aparece en algunos clubes realizando shows y encuentros de amantes de la serie.Una curiosidad, estas chiquitas compartían el día de cumpleaños con la hija real de Elizabeth Montgomery.

El 24 de junio del año 2005 se estrena en los cines “Bewitched”, con los actuación de Nicole Kidman (Isabel/Samantha), Will Ferrell, Shirley MacLaine, Michael Caine y Jason Schwartzman. Bajo la dirección de Nora Ephron, la película entrega una versión adaptada, actualizada y romántica de la clásica serie de televisión de los 60s.

Reparto:

Elizabeth Montgomery: Samantha Stephens
Agnes Moorehead: Endora
Dick York: Darrin Stephens (1964-1969)
Dick Sargent: Darrin Stephens (1969-1972)
David White: Larry Tate
Alice Pearce: Gladys Kravitz (1964-1966)
Sandra Gould: Gladys Kravitz (1966-1971)
George Tobias: Abner Kravitz (1964-1971)
Erin Murphy: Tabitha Stephens (1966-1972)
Diane Murphy: Tabitha Stephens (1966-1968)
Greg Lawrence y David Lawrence: Adam Stephens (1969-1972)
Marion Lorne: Tía Clara (1964-1968)
Irene Vernon: Louise Tate (1964-1966)
Kasey Rogers: Louise Tate (1966-1972)

lunes, 10 de diciembre de 2007

Dragon Ball: Las Esferas del Dragón



Nunca penso su creador Akira Toriyama, el éxito rotundo que daría a la postre su historieta. Dragon Ball (Doragon Bōru) , es un manga creado por el japonés Toriyama y fue publicado en la revista semanal Shōnen Jump entre 1984 y 1995 y se editó en 42 Tankōbon, fue adaptado en 3 series de anime (Dragon Ball, Dragon Ball Z y Dragon Ball GT) y varias películas.

Dragon Ball es un manga muy largo, con una historia que se trama en dos grandes bloques: El correspondiente a la niñez de Son Goku (tomos 1 al 14), y el que cuenta sus aventuras ya adulto (tomos 14 a 42), 85 tomos en la edición de México (32 correspondientes a Dragon Ball y 53 a Dragon Ball Z), 211 números de manga en España; 519 capítulos de manga y 508 capítulos de anime en total.


El manga fue adaptado en su totalidad al anime por Toei Animation. Los primeros 194 capítulos fueron adaptados usando el mismo nombre en 153 episodios, sumándole además 4 películas. A partir del capitulo 195 del manga su adaptación al anime fue llamada Dragon Ball Z y fueron adaptados 291 episodios, completando las historia del manga. También fueron creados dos especiales para televisión que ampliaban la historia más 13 películas y 1 OVA. Después del final de Dragon Ball Z, Toei creó con ayuda de Akira Toriyama una continuación llamada Dragon Ball GT que consiste en 64 episodios de televisión que no están basados en el manga y un especial de televisión.

Existen 4 películas basadas en la primera serie, las primeras son una trilogía que cuenta una historia alternativa a la original, la cuarta película fue creada para el décimo aniversario del anime. Aparte de estas cuatro películas animadas existe un live-action chino llamado Xīn qī lóngzhū Shénlóng de chuánshuō ( Nuevo Dragon Ball: La leyenda de Shenlong) Fue realizada con bajo costo y poasó desapercibida. Para algunos críticos sólo fue un bodrio más.

Aunque la serie animada fue hecha para un público joven y adulto -pero no así para niños- fueron censuradas algunas escenas en la versión doblada al castellano en México. Esto se hizo en razón al contenido erótico y violento de algunas de sus escenas. Aquí algunos ejemplos:

1) El maestro Roshi le pide a Bulma que le enseñe los calzones, y ésta se levanta el vestido sin saber que no las llevaba puestas. Se le ve el trasero. Sin embargo, esta escena no fue censurada de ninguna de las dos películas en las que se relata esta escena: La leyenda del Dragón Shenlong y El Camino hacia el Más fuerte.

2) El maestro Roshi le pide a Oolong (que se hace pasar por Bulma) que le deje verle los pechos y éste se ofrece a algo más. En la traducción sólo le pide "un beso". Tampoco se censuró en La Leyenda del Dragón Shenlong.

3) Krilin se tira una flatulencia.

La censura continuó en Dragon Ball Z. En España, la única cadena que censuró los capítulos más de lo que estaban fue Antena 3, llegando a casos en los que un capítulo pasaba a durar 13 minutos (por los casi 20 que duran normalmente). Este último caso se dio durante la emisión del capítulo 79, en el que Freezer atraviesa a Krilín.

La música de Dragon Ball es muy variada, aunque la cantidad de Openings y Endings no es numerosa como otras series, sin embargo ha logrado una gran popularidad entre los fans.
El fonema de la letra doblada en México de sus canciones está basada en la letra real en japonés. Muchas de sus primeras sílabas en las estrofas empiezan sonando igual a lo cantado en japonés. En el opening de la saga z la parte "cha la head cha la" es cantada igual en ambos idiomas y quiere decir "ven aquí dragon ven aquí".


Después de la finalización definitiva Dragon Ball, comenzaron a circular en Internet varios videos que supuestamente eran una continuación de Dragon Ball GT, llamado Dragon Ball AF. En realidad era un fanart dibujado con un estilo similar a los dibujos de Akira Toriyama . En el se mostraban cosas tan raras como Gokú Super Saiyajin 5, Broly Super Saiyajin 4, o la fusión de Piccolo con Vegeta: Picceta, también la fusión de Trunks y Vegeta: Vegetunks, e incluso también estaba Gohan Super Saiyajin 4, Pan Super Saiyajin y Vegeta Super Saiyajin 3. Vegeta podía transformase también en Super Saiyajin 4 de forma voluntaria.
Debe de estar claro el hecho de que no son dibujos hechos por Akira Toriyama, sólo un dibujo creado por un fan de la serie; y que la saga de Dragon Ball (solamente en el anime) terminó con DBGT de forma definitiva. Sin embargo las imágenes de películas y vídeos de Dragon Ball, modificados con programas especializados en edición de vídeo; logrando que la mayoría de los fanáticos se confundieran.


La Película Live-action 2008

Los estudios 20th Century Fox eligieron a los actores Justin Chatwin (Traffic, War of the worlds) y James Marsters (Smallville, Without a trace) para interpretar a Gokú y Piccolo respectivamente en la adaptación cinematográfica de Dragon Ball Z. Es más, Chatwin ya entrena para las escenas de acción con la compañía 87 Eleven. La historia está basada en el manga de Akira Toriyama y trata sobre un guerrero poderoso que protege a la Tierra de las fuerzas malignas. Stephen Chow producirá el filme y James Wong dirigirá y escribirá el guión. El rodaje comenzará a fines de este año y la película se estrenará a nivel mundial en abril del 2009.

Se afirma que ya ha habido una audición para el personaje de Bulma, y se rumorea que la actriz mexicana de 21 años Camila Sodi (poco conocida a nivel mundial, pero si en su país de origen) está relacionada con dicha audición. Por otro lado la actriz coreano-norteamericana Jamie Chung será la que interprete a la mujer de Gokú, Milk o Chichi.







miércoles, 5 de diciembre de 2007

La Nueva Trova: 35 años de Sensibilidad


Se conmemora el 35 aniversario del nacimiento del movimiento musical conocido como Nueva Trova, en Cuba y en el Mundo. Ya han pasado 35 años de los primeros acordes y letras que decían mucho y que sensibilizaban al escucha y que hasta ahora tiene vigencia.

Surgido en la década del 60, el movimiento de la Nueva Trova reunió a un grupo de jóvenes cantautores comprometidos con la revolución que impusieron una nueva estética en la música cubana. Ahora ya lejos de aquellos momentos y más reposados en su pensar, todavía estoa cantautores congregan a miles y miles en cada presentación que hacen.

La Nueva Trova Cubana puede relacionarse con los otros movimientos de Nueva Canción que aparecieron también en esa época. La Nueva Canción es un tipo específico de canción de autor en el que se parte del folclore popular del lugar de donde es natural el artista, para crear composiciones nuevas fusionándolo con otros géneros musicales. El término Nueva implica no sólo innovación en lo musical, sino también un compromiso social, que será lo que distinga la Nueva Canción de la Canción Moderna. La Nueva Canción estará muy relacionada con los movimientos políticos revolucionarios, izquierdistas y nacionalistas que estaban teniendo un gran auge en aquellos momentos.

Me acuerdo que en el tiempo en que era alcande de la ciudad de Lima, el Dr. Alfonso Barrantes Lingan, de inclinación socialista, se realizó en diferentes escenarios de la capital una serie de presentaciones de los famasos de la Trova, como Silvio Rodríguez, Pablo Milanés, León Gieco, Mercedes Sosa y demás. Fue la primera y única vez que se presentaron tantos exponentes del rico cantar en una sola temporada. Sucedió en los ochentas.

Rodríguez, Milanés, Noel Nicola, Vicente Feliú y Amaury Pérez, figuran entre los fundadores del movimiento que alcanzó mayor celebridad fuera de las fronteras cubanas. Es menester nuestro rendirle tributo a estos caballeros por su trayectoria y talento.




lunes, 3 de diciembre de 2007

El Show de Benny Hill

Se acuerdan de ese gordito picarón que salía siempre corriendo detrás de una hermosa chica rápidamente y al compás de una canción muy graciosa? Ese era Benny Hill en el clásico final de su programa.

Alfred Hawthorn Hill (n. Southampton, Inglaterra, 21 de enero de 1924 – m. Teddington, Inglaterra, 20 de abril de 1992), más conocido como Benny Hill, fue un prolífico cómico británico. Uno de los más universalmente reconocidos cómicos gracias a su programa de televisión El Show de Benny Hill.

Su abuelo fue quien lo introdujo en el mundo del espectáculo y el teatro. Inspirado por los cómicos del music hall, pensó en darle su toque al negocio del escenario. Cambió su nombre por Benny Hill, haciendo un pequeño homenaje a su cómico favorito Jack Benny.

En 1969 su show fue trasladado de la BBC a la Thames Television, donde permaneció hasta 1989. Ben Elton criticó al show de Benny Hill de sexista, al igual que otros famosos cómicos de los 80 . Según su biógrafo Mark Lewisohn, “en Gran Bretaña, Benny Hill es tabú.” Su show se repite raramente en televisión, por satélite o cable, si bien se ha emitido recientemente en el canal de cable de la BBC América. Aquí en Perú se transmitía por ATV Canal 9 todos los domingos por la noche, hacía finales de los ochenta. Yakety Sax, es la canción conocida como la canción del Show de Benny Hill, compuesta por Ronnie Aldrich. En estos tiempos es muy dificil volverlo a ver porque es considerado muy "machista" y denigrante de la mujer.


Amy Mulcair, directora de publicidad de la señal de la BBC, admitió que aunque el programa cómico sigue siendo muy popular en Estados Unidos, da una imagen diferente a la que la BBC quiere dar de Gran Bretaña. "Me temo que Benny Hill refleja a una Inglaterra anticuada y nuestro trabajo es mostrar a un país más moderno y de avanzada", explicó.

Benny Hill murió el 20 de abril de 1992, solo, en su casa de 7 Fairwater, camino de Twickenham, Teddington, a la edad de 68 años de una trombosis coronaria. El 24 de abril, los vecinos llamaron a la policía, que encontró, entonces, el cadáver sentado en su butaca delante de la televisión.

Ficha Técnica

Reparto
Benny Hill, Jack Wright, Bob Todd, Henry McGee
Título original
The Benny Hill Show
Nacionalidad
Reino Unido
Género
Comedia
Año
1969
Director
John Robins, David Bell, Keith Beckett
Guión
Benny Hill
Música
Ronnie Aldrich, Benny Hill
Producción
Thames Television


sábado, 1 de diciembre de 2007

El Pájaro Loco


Sorprendentemente esta serie tiene mas de 50 años y sin embargo aún sigue vigente apareciendo cada cierto tiempo en la TV. Se trata de uno de los cláiscos de la televisión. En ella nos narraban las aventuras de este simpático pájaro carpintero que se pasaba el día haciendo travesuras.

Le dicen Loquillo, pero su verdadero nombre es Woody Woodpecker o Pájaro Loco y posee, posiblemente, la risa más famosa en la historia de los dibujos animados: su inconfundible ¡ejejejeje!. Un pájaro que, como siempre, de pie es muy rápido, imprevisible, estrepitosamente divertido y extremadamente identificable.


Producido por Walter Lantz y distribuido por Universal Studios, Loquillo apareció a finales de la década de 1930 y apareció regularmente hasta 1972, cuando Lanz cerró su estudio. Las repeticiones continúan al día de hoy, y el personaje ha aparecido en varias producciones especiales, entre ellas ¿Quién engañó a Roger Rabbit?. Es una de las estrellas del cine de animación que tiene una estrella propia en el Hollywood Walk of Fame.

En cada episodio, los más pequeños podrán disfrutar con las nuevas y locas aventuras del alegre pájaro carpintero, creado por Lanz hace más de 60 años, a quien se le ocurrió este personaje durante su viaje de luna de miel. Un día mientras llovía, escuchó un insistente pájaro carpintero que no dejaba de taladrar su techo. Le pareció tan molesto que pensó que un dibujo así podría dar la lata a sus otros personajes. La serie comprendía episodios de media hora que presentaba cortos no solo de Woody Woodpecker El Pájaro Loco, sino también de Andy Panda, Chilly Willy, Inspector Willoughby (El Bigote que Investiga), Wally Walrus (Pepe Morsa) y muchos más.

Cabe señalar que este famoso personaje ha sido protagonistas de 197 cortos y 350 películas de dibujos animados. En 1978, La Academia otorgó a Walter Lanz un Oscar honorario por su contribución al cine animado y por el Pájaro Loco. Él después falleció en 1994.

El Pájaro Loco (era un pájaro carpintero) fue un personaje revoltoso y alocado. El carácter del Pájaro, fue considerado en EE.UU. como el más políticamente incorrecto y audaz de su tiempo. En una época cuando las historietas intentaban promover un mensaje positivo o educativo. El Pájaro Loco rompía tabúes; en sus historietas había insinuación sexual y un consumo desenfrenado de tabaco y alcohol.

miércoles, 28 de noviembre de 2007

Las Bandas Sonoras: Alma de las Películas


"La música es una herramienta necesaria en la ejecución de cualquier film y las películas no sólo se ven, también hay que escucharlas". Se ha comprobado que una película por mejor hecha que esté siempre deberá de tener su banda sonora, su soundtrack para estar completa. Se realizado una serie de estudios y ensayos en los que una escena de una pelicula de terror x se le ha reemplazado el tema musical o efecto sonoro por otro que llame a lo cómico. El resultado es sorprendente, una misma escena terrorífica puede resultar hasta cómica con solo el cambio de cortina musical.

Técnicamente banda sonora es toda la parte sonora y resultado de la edición de diferentes pistas de sonido, ya sea palabras, sonidos y música de una obra o que la acompaña en paralelo. Normalmente, en cambio, y con algunas raras excepciones, el término alude solamente a la música de un film o a la comercialización de los temas musicales de una obra como videojuegos, programas de televisión y radio. Desde un punto de vista musical, se entiende como banda sonora original aquella música tanto vocal como instrumental compuesta expresamente para una película, cumpliendo como función la de potenciar aquellas emociones que las imágenes por sí solas no son capaces de expresar. Compositores famosos de bandas sonoras son algunos nombres como Ennio Morricone (El bueno, el feo y el malo, La misión) o John Williams (Tiburón, La guerra de las galaxias o Indiana Jones).

La banda sonora de una película en su sentido más físico puede ser de dos tipos: magnética u óptica. En el primer caso, una o varias bandas de grabación magnética discurren por los bordes de la tira de película. Al ser leídas estas líneas por un aparato en sincronía con la proyección, se generan los sonidos de una manera parecida a como lo haría un lector de cassettes. En el caso de las bandas sonoras ópticas, se trata de zonas de oscuridad y luz en uno o dos lados de la cinta del film. Las distintas intensidades de luz, se convierten luego en impulsos eléctricos creando el conjunto de la banda sonora.
También se utilizan, aunque no tan frecuentemente aún, sistemas de sonido digital, basados en puntos sobre la película que se convierten por diversos métodos, algunos todavía experimentales, en sonido.

De esta manera, y con predominantes de la música y el sonido, las grandes compañías del cine se lanzarón a una producción desenfrenada de películas con canciones, musicales completamente e incluso con baile o sólo de baile. El público se volvía loco por la novedad. Era el music hall para todos, el teatro de variedades para el universo entero...

El hecho de que el cine, prácticamente desde sus comienzos, fuera acompañado por música (pianistas, orquesta o Wurlitzers), significó con la llegada del sonido en todo un problema y luego en uno de los aportes más completos a la estética del cine. Las primeras películas sonoras siempre tenían la música en forma de obertura, canciones y alguna que otra música saliendo de lugares verosímiles (radios, orquestas, etc.). La gran pregunta era: ¿De dónde sale la música, como se van a creer una película donde la música no sale de ninguna parte? Por esto, si una escena romántica necesitaba música de violín, se realizaba la escena en un parque, para que al principio apareciera el violinista en una toma. Este hecho, para algunos caprichoso, duró hasta entrados los años '40, cuando Hitchcock, dirigiendo Bote Salvavidas, decidió no utilizar música porque: ¿De dónde podría provenir ésta en medio del mar? A lo que David Raksin, el compositor, le respondió: ¿De dónde vienen las cámaras?


La música en el cine comienza realmente con la obra de aquellos europeos exiliados que llegan a Estados Unidos buscando trabajo, y lo consiguen en el naciente cine sonoro. Korngold, Steiner, Waxman, Tiomkin son nombres recordados por toda la historia del cine.

Aunque desde los años 60 la música del cine comenzó a funcionar como un fin comercial para vender discos (especialmente tras el éxito de los Beatles), la mayoría de los filmes no dejaron de tener bandas sonoras "incidentales" que fueran complemento a la acción dramática. Así lo hicieron compositores que habían alcanzado sus obras maestras en los años anteriores, ahora realizando aportes interesantes, pero quizás menos valorados. Este es el caso de Bernstein, Raksin y sobre todo Bernard Herrmann, probablemente el gran genio de la música cinematrográfica.

En los últimos 30 años algunos compositores de renombre le han dado nuevas valoraciones por parte del público a las bandas sonoras (como John Williams, Jerry Goldsmith, Hans Zimmer, James Newton Howard, Danny Elfman, James Horner o Ennio Morricone) y algunos discos aún siguen vendiéndose por millones (como El Rey escorpión y la canción de "I Stand Alone" de Godsmack).

La evolución constante de la ingeniería acústica hace que cada día los músicos se exijan más a sí mismos y a los productores. Ya no basta con la “música de pantalla”, ahora los realizadores cuentan con las posibilidades del estéreo para resolver la ubicación de un personaje en "off" (su voz o sus ruidos pueden sonar a la derecha, izquierda, o detrás de¡ espectador), sin necesidad de cambiar la posición de la cámara. Como ejemplo de las posibilidades del Dolby podemos citar la secuencia del ataque de los helicópteros sobre la aldea vietnamita de “Apocalypse now” (1977), de FF Coppola, la famosa "Cabalgata de Walkyrias", que sonaba como música diegética en el canal de sonido-on (pantalla), iba pasando paulatinamente a todos los canales de la sala conforme iban sucediéndose las explosiones. La excelente mezcla posibilitaba que los ruidos del "napalm", de los helicópteros y de los disparos, fueran justificando el “crescendo” dimensional hasta que se convertía en música "on" y "off" al mismo tiempo.



Existe una muy buena página para que explores este mundo fascinante de la música para péliculas , así también un listado detallado de los mejores soundtracks de todos los tiempos. El sitio se llama Cuando Calienta el Blog.

viernes, 23 de noviembre de 2007

Pasolini: El Cineasta olvidado

Pier Paolo Pasolini nació en Bolonia el 5 de marzo de 1922 , ciudad de tradición política izquierdista. Era hijo de un soldado que se hizo famoso por salvar la vida de Benito Mussolini. Pasolini empezó a escribir poemas a los siete años de edad y publicó por primera vez a los 19 mientras se encontraba estudiando en la Universidad de Bolonia. Fue reclutado durante la Segunda Guerra Mundial; capturado por alemanes, logró escapar. Luego de la guerra, se unió al Partido Comunista Italiano en Ferrara pero se fue dos años después .

Pasolini fue escritor, poeta y director de cine. En este artículo nos referiremos al Pasolini cineasta. Como director (se inició en 1961) ha creado una suerte de segundo Neorrealismo, explorando los aspectos de la vida cotidiana, en un tono cercano al de la commedia dell'arte, centrando su mirada en los personajes marginales, la delincuencia y la pobreza que arrastra Italia desde la posguerra, y estableciendo un estilo narrativo y visual en el que priman el patetismo y la ironia sobre el humor grueso y a veces sórdido de sus historias. Debuta en 1961 con una película en clave neorrelista pero que abarca mucho más y sorprende a la crítica: Accattone, en la que inicia su relación personal y profesional con uno de sus actores fetiche (Franco Citti). Despues hizo El Evangelio según San Mateo (muy criticada), Mamma Roma, Pajaritos y pajarracos , Edipo Rey, Teorema, Pocilga (una de sus obras mas crudas y controversial) , El Decamerón, Los Cuentos de Canterbury, Las mil y una noches, etc.

Me acuerdo ahora que su película "Decamerón" , la suspendió el ministerio del interior del Gobierno militar, por atrevida y atentar contra la moral y buenas costumbres. Dos camiones (los caimanes)repletos de policías llegaron al cine Roma de Lima, rodearon la manzana y sacaron de las orejas a los mañosos.


La carrera del cineasta se trunca cuando, en 1975, se estrena en los cines un film que convulsiona a toda la sociedad italiana y hace que el autor sea objeto de multitud de amenazas de muerte y presiones incluso políticas: Salò o los 120 días de Sodoma, en la que Pier Paolo adopta un tono autocrítico hacia algunos pasajes de su obra anterior y en la que adapta al Marqués de Sade con toda crudeza y con la mayor libertad con la que un creador se haya dotado a sí mismo nunca, desdibujando los límites convencionales y cinematográficos que encierran el erotismo, pornografía, expresión, sadismo, provocación y degradación humanas. No apta para todos los estómagos, la cinta hipnotiza a cualquier cinéfilo avezado y sin prejuicios, que entienda realmente el universo de Pasolini y los contornos (o aristas) de su lenguaje, y la película rebosa calidad artística.

A Pasolini -por si alguien tiene duda- lo mataron, como a Lorca, por homosexual y comunista. Su muerte fue un alivio para las altas esferas italianas, que "sin buscarlo" se quitaron de un plumazo el incómodo peso de un artista inconformista que nunca tuvo pelos en la lengua para hablar de la libertad sexual, para arremeter contra la iglesia o criticar el sistema político de su país y jamás ocultó su condición de homosexual, marxista y -a pesar de todo- católico.


Pasolini fue apaleado como un perro el 1 de noviembre de 1975. Esa tarde tenía una cita en la estación Termini con unas personas que tenían que devolverle parte de la película de su último filme Saló, robada en Cinecittá. Cuando al día siguiente se conoció la noticia del fallecimiento, pocos creyeron en la primera y única versión de los hechos. La justicia condenó al entonces menor de edad Pino Pelosi, a quien el cineasta supuestamente habría recogido para tener relaciones sexuales. Tres décadas después, el caso ha sido abierto y todo apunta a que el asesinato fue urdido por la extrema derecha.



Desconozco si alguien lloró su muerte -seguro que pocos-. Hoy, sin embargo, Italia se ve obligada a rendir tributo a este artista incomprendido y nada valorado. En el 30 aniversario de su desaparición, Gianni Borgna, asesor cultural del ayuntamiento de Roma, asegura que "fue una encerrona premeditada para eliminar una voz incómoda". Puede que su figura fuera incómoda, ahora lo que incomoda es reconocer que con el silencio a lo largo de treinta años, todos han sido culpables también de un asesinato cultural. Pocos ciclos de cine se han hecho en torno a la filmografía de Pasolini, en las facultades de Comunicación Audiovisual se estudian de pasada sus películas y los festivales de cine que han hecho retrospectiva de su obra, se pueden contar con los dedos de una mano.

martes, 20 de noviembre de 2007

Dick Tracy : Incorruptible


Dick Tracy es un personaje de cómic muy popular en la cultura pop americana. Apareció por primera vez el 4 de octubre de 1931 en forma de plancha dominical distribuida por el Chicago Tribune New York News Syndicate. Creado por Chester Gould, el personaje se tenía que decir, en un principio, como “Plainclothes Tracy” (Tracy, vestido de paisano). Una decisión del Syndicate le dio el nombre actual. A principios de los años treinta, cuando el gangsterismo ocupa las portadas de todos los periódicos norteamericanos, Dick Tracy se hace policía a causa del asesinato del padre de su eterna prometida, Tess Trueheart, y su rapto. Entonces, el inspector pone toda su convicción en la lucha contra el crimen, dispuesto a utilizar los medios más implacables y refinados.


Chester Gould realizó una serie desmarcándose de las propuestas de Harold Foster, el autor de Tarzán. Desarrolló un estilo detallista, pero no en función de un mayor naturalismo, sino a través de cierta abstracción icónica de los personajes, es decir, de una mayor simplificación. El ambiente de las historias se construye a base de fuertes contrastes de blanco y negro, una variedad de puntos de vista muy elevada y se respalda en los diálogos y en una línea argumentativa firme y segura. Dick Tracy continúa a manos de Chester Gould hasta su cierre el 1972. Actualmente sigue publicándose.


Aparte de los comics, tuvimos la suerte de ver a este personaje junto con sus amigos y enemigos, a través de dibujos animados, durante los sesentas. Después el mismo productor de Batman para TV, realizó una serie con estereotipo muy parecido a la serie del encapuchado, pero sin éxito. Y no es hasta 1990 que es llevada a la pantalla grande, con la interpretación del actor Warren Beatty acompañado de grandes actores, entre ellos Al Pacino.

Personajes como el del detective Dick Tracy nos recuerda la actividad de las personas al lado de la justicia. Un ejemplo es cuando Dick Tracy, descubre en uno de sus "comics", que el criminal asesinó a la víctima con "una bala de hielo", mientras la policía creía que la víctima había muerto de un ataque cardíaco. Aunque podemos decir que la intuición le sirvió al detective para desarrollar una visión sobre la investigación que trataba, esta escena de "la bala dehielo" no es real.






sábado, 17 de noviembre de 2007

La Pandilla Basura: La Asquerosidad en Stickers

La Pandilla o Familia Basura (The Garbaje Pail Kids) se creó por una compañía americana llamada The Topps Chewing Gum Company, desde 1987, eran unos stickers, mas de 600 en total que comenzaron a venderse como "pan caliente " en puestos de periódicos y librerías, esto hasta 1989. El albúm de figuritas fue por el año 1992, viendo el éxito obtenido en la venta de stickers, Editorial Navarrette edita el album con cromos bien logrados (208 figuritas) que eran autoadhesivos y a full color.

Las tarjetas eran pintadas en un tamaño de 5 pulgadas de ancho por 7 de largo, el doble del tamaño al que serían publicadas. Las técnicas más usadas eran la pintura de acrílico y aerógrafo y jamás podían ser firmadas, debido a una restricción de la compañía. Ésta, además, se quedó en su poder con casi todos los originales. De hecho, las únicas pinturas recuperadas fueron aquellas que debían ser corregidas y sólo así los autores pudieron mantener en sus manos algunos bocetos y pruebas de color. De cada tarjeta se publicaban dos con distintos nombres –así, por ejemplo, la tarjeta 164 de la serie 4 se llama Teddy Bear en la lista A, y en la B se le llamó Salvatore Dolly- estrategia que además de original le aseguró a la TOPPS una ganancia calculada de aproximadamente 64 millones de dólares (recuento hecho cuando la serie apenas iba como a la mitad así que saquen sus cuentas). Los artistas ocasionalmente proponían los nombres, pero era la compañía la que al final decidía cuáles se quedaban.

El reverso de las tarjetas incluía chistes y pasatiempos con los sucios personajes de las series, y piezas que daban forma a un rompecabezas de los personajes más populares.La serie se volvió un éxito inesperado para la TOPPS. La doble parodia –por un lado, la burla de los archifamosos CPK y por otro el juego con nombres propios; además del uso de un humor escatológico y gore pasaron la prueba del público gringo. Algunas dulcerías de la época reportaban ventas estratosféricas en la etapa de mayor éxito de las Garbage. Algunas llegaban a vender la friolera de 500 sobres por día. El precio era de 50 centavos de dólar y el paquetito contenía 5 tarjetas y un chicle rosa con sabor a polvo y cartón duro.

Me acuerdo que mis sobrinos juntaban esa basurita. El truco de la venta masiva era la prohibición. Hubo una gran requiza en colegios en todo el páís. Se decía que fomentaba la rebeldía y el tener apego a realizar actos que se alejaban de la moral, el civismo y las buenas costumbres. En los niños era divertido, no así en los mayores, padres y educadores. En realidad tenían razón. Ese album no llenaba nada, era una oda a la asquerosidad. Hago mención de eso porque desde ese tiempo que los chicos se divierten viendo o escuchando escenas groseras, tanto en películas como hasta en dibujos animados.

Está muy de moda oir pedos y eruptos en los comics o series de televisión. Si bien es cierto, son actos biológicos e inevitables, no deben ser puestos en vitrina para crear según sus creadores, risa o entretenimiento. Pienso que hay otros recursos.

Los cromos de The Garbage Pail Kids eran muy chocantes, fue la primera vez que se realizó este tipo de colecciones. Hasta me acuerdo que hicieron una película...que asco...!para rematar, hay tambien calcomanías y videojuegos.

Todavía existen en el mundo clubs de fans, admiradores y seguidores de estos mounstritos de la cochinada. Ahora ya mayor y con hijos, no permitiría ni siquiera por juego a mis hijos que tuvieran en sus manos tremenda basura impresa.

miércoles, 14 de noviembre de 2007

La Familia Ingalls: La Casita de la Pradera


Aunque ahora mas que nunca ya no se observa familias como los Ingalls, que siempre están juntos en las buenas y en las malas (todavía mas en EEUU) es grato ver como se desenvolvía la vida familar en el año de 1878 en el oeste norteamericano.

El gestor de esto es Michael Landon, el joven actor de la serie de TV Bonanza. La idea de Michael Landon de producir un programa donde toda la moral cristiana, los valores familiares, la solidaridad, el esfuerzo y la abnegación se concentraran en una pequeña casa en la pradera, le valió el éxito por diez años consecutivos en todo el Perú. Debemos sumar también los siguientes años en que la serie fue emitida en todos los países del mundo en lo que ya parece una éxito eterno. En nuestra patria se trasmitía desde 1977 por Panamericana Televisión . Fue estrenada en los Estados Unidos por la NBC en 1974 y duró hasta 1983, realmente una serie muy prolija en capítulos.

Basada en los libros autobiográficos de la escritora estadounidense Laura Ingalls Wilder, "la Casa de la pradera", nos contaba las penurias y alegrías de la familia "Ingalls",y los demás habitantes de un pequeño pueblo ficticio llamado "Walnut Grove". Narrada por la hija mediana del matrimonio, Laura, era una recreación de la forma de vida de los primeros pobladores fronterizos. La serie comenzaba, con el padre de familia, Charles, trasladando a su familia desde Wisconsin a las tierras de Minnesotta, donde se afincan en un pequeño pueblo.Una vez que los Ingalls se acomodan en su nueva casa, Charles, con su mujer Caroline, y las tres hijas, Mary, Laura y Carrie, comienzan ilusionados una nueva vida que suponen les resultará más ventajosa. Pero no pasará micho tiempo antes de que aprendan que la vida en la frontera es dura y complicada.
Con poco dinero, Charles se ve obligado a aceptar cualquier trabajo a cambio de consiguer materiales para mantener su pequeña granja. Poco a poco se van integrando a la vida del pueblo, tratando de llevarse bien con todo el mundo, incluso con los Oleson y su repelente hija Nelly.
La serie, producida, escrita, dirigida e interpetada por Michael Landon, era una exaltación de los valores cristianos familiares, abnegación y solidaridad. Ese aire almibarado y sensiblero, conquistó millones de seguidores en todo el mundo, y Melissa Gilbert fué nominada al Grammy por su interpretación de Laura.

La vida de los Ingalls estuvo plagada de sacrificios, pobreza, mudanzas forzadas, desastres naturales y desgracias personales, sobre todo gracias a la sufrida Mary, con su ceguera y la muerte de su hijo. Pero ante cada conflicto la familia se reponía con mayores fuerzas y no faltaron las alegrías, como las aportadas por los maridos de las chicas, Adam y Almanzo.

Atrapante y lacrimógena, inocente pero conservadora, es indiscutible el lugar que se ganó en el corazón de los televidentes de todo el mundo. Verla por primera vez es descubrir la serie de TV familiar por excelencia, revivirla es quedar atrapados una vez más por el encanto y la ingenuidad de un clásico eterno.

Reparto
Melissa Gilbert ....Laura Elizabeth Ingalls Wilder
Michael Landon ... Charles Philip Ingalls
Karen Grassle .... Caroline Quiner Holbrook Ingalls
Lindsay Greenbush ...Carrie Ingalls
Scottie MacGregor ....Harriet Oleson
Richard Bull .... Nelson "Nels" Oleson
Jonathan Gilbert .... Willie Oleson
Melissa Sue Anderson ....Mary Ingalls Kendall
Kevin Hagen ...Dr. Hiram Baker
Allison Amgrim.....Nelly Oleson


domingo, 11 de noviembre de 2007

Colorina: La historia de una Cabaretera

Me acuerdo que todo el Perú y América hispanohablante se preguntaba -¿Quién es el hijo de la Colorina? todos estabamos al tanto sobre la vida de una cabaretera que para proteger a su bebé, lo crió junto con otros dos niños. Lucía ha tenido muchos galanes en su carrera, pero la pareja que hizo con Enrique Alvarez Félix en "Colorina" era de antología. Ambos se acoplaron tan bien en pantalla que el fenómeno no ha vuelto a repetirse. Basta recordar los intercambios de miradas, de esas frases que compartían, cargadas de amor, reproche y deseo. Por algo la telenovela despertó el interés del país entero durante meses. América televisón la pasaba de lunes a viernes a las 9 de la noche, desde mediados de 1980. En muchos países como el mismo Mexico, la tuvieron que emitir casi a la media noche, por las escenas ha veces subidas de tono.
Es muy dificil resumir en unas líneas toda una novela, pero trataré. Gustavo Adolfo Almazan es un millonario reprimido. Está casado con la enfermiza Alba, y su vida es manejada por su autocrática madre, Ana Mana María. Una noche su infame cuñado Iván trae a dos cabareteras borrachas a la Mansión Almazán y comienzan una juerga. Ahí, Gustavo Adolfo conoce a Fernanda, alias La Colorina con la que sostendrá un apasionado romance. Ana María desea un nieto, y le paga a Colorina para que tenga un hijo con Gustavo Adolfo y se lo entregue a Alba. Aunque inicialmente, Fernanda acepta el plan, cambia de idea cuando nace su hijo. Fernanda y el bebé regresan a su antigua vecindad. Allí encuentra a un antiguo amigo, a quien su esposa acaba de abandonar dejándole dos niños pequeños.Colorina reúne a los niños y huye a Monterrey donde comienza una nueva vida. 20 años más tarde, Fernanda es una respetable matrona y la dueña de una prospera boutique. Sus trillizos son jóvenes sanos y buenos mozos que estudian carreras profesionales. Es ese el momento en que la ex Colorina escoge para regresar a México y presentar a sus hijos a los Almazán para ver si pueden reconocer al hijo de Gustavo Adolfo entre ellos.

El Tema de la telenovela me acuerdo que lo interpretaba Camilo Sesto y fue un buen plus que tuvo este culebrón mejicano. La actuación de Lucía Mendez y de Enrique Alvarez Feliz no me convenció del todo, pero no dejan mal parado al reparto completo.


Después de casi dos décadas Mexico realiza un cover de la misma con el nombre de "Salomé", mejor producción y adaptada a los tiempos actuales con una insuperable interpretación de la actriz Edith Gonzales.

Ficha Técnica

Telenovela: "Colorina"
Escritor: Arturo Moya Grau
Adaptación: Carlos Romero
Directores: Dimitrio Sarrás y Noé Alcántara
Productor: Valentín Pimstein (Televisa, México, 1980)
Elenco: Lucía Méndez, Enrique Alvarez Félix, Julissa, José Alonso, María Teresa Rivas, Luis Bayardo, María Rubio, Guillermo Capetillo, Juan Antonio Edwards, José Elías Moreno, Armando Calvo, María Sorté, Fernando Larrañaga, Salvador Pineda, Alberto Insua, Liliana Abud, Elizabeth Dupeyrón, Yuri, Alba Nydia Díaz, Beatriz Aguirre, Juan Luis Galiardo, Roxana Saucedo, Marina Dorell, Héctor Ortega, Alma Delfina, Arturo Lorca, Christian Bach, Enrique Gilabert, Elsa Cárdenas, Patricia Ancira, Roberto Ballesteros, Enrique Beraza, Alejandro Tommasi, Oscar Bonfiglio, Ricardo Cortés, Marichu de Labra y Debbie D'Green entre otros.
Tema musical: "Colorina" interpretado por Camilo Sesto

jueves, 8 de noviembre de 2007

La Música Disco (2º Parte)


La música Dance nace gracias a la evolución del sonido negro americano el Rhythm & Blues y el Soul. Uno de los artistas que contribuyó al desarrollo del dance fue sin duda James Brown. Películas como "Fiebre del Sábado noche" o "Por fin es Viernes" nos mostraron por primera vez una discoteca o una cabina de disc-jockey. A finales de los años 70 la Psicodelia y el Funky se adueñaron de las pistas de baile. Artistas como Earth, Wind & Fire, The Jacksons, Donna Summer y muchos otros llenaban las discotecas de todo el mundo con su música. Por otra parte, desde Alemania, cuatro universitarios llamados Kraftwerk creaban las bases de lo que sería el sonido Techno, llegando incluso a fabricarse sus propios instrumentos. A principios de los 80, gracias a la labor de gente como Sugarhill Gang y Afrika Bambaataa, el Rap se convirtió en estandarte de la juventud. El fenómeno del Breakdance fue sin duda lo que propició la fusión entre el Rap y los sintetizadores, creando así un sonido más comercial que se podía "pinchar" en cualquier sesión. Paralelamente a este hecho, productores como Bobby O' y Patrick Cowley transformaron el sonido Disco en High Energy, acelerando así el ritmo de la música de baile. Por su parte, los músicos que tomaron el camino de Kraftwerk crearon un sonido llamado Techno Pop. Este nuevo estilo combinaba las letras románticas con el sintetizador y el resultado fue muy positivo. Formaciones como Yazzo o Depeche Mode se convirtieron en ídolos para la juventud, gracias al buen hacer de uno de los mejores músicos de los 80, Vince Clarke.


En 1983 desde Italia se creo un nuevo estilo: el Italo-Disco, también conocido como Spaghetti. Las bases de esta nueva creación fueron el High Energy y el Techno Pop. Durante cuatro años el Spaghetti llenó las pistas de países como Alemania, Holanda o España. Dos de los artistas más importantes dentro del Italo-Disco son Ryan París, que con su "Dolce Vita" vendió en España 500.000 copias y Den Harrow, que se mantuvo durante varios años como máximo exponente de este estilo. En Estados Unidos, Madonna se convirtió en "Reina del Pop", haciendo extensivo su éxito al resto del planeta. Sus canciones eran una mezcla de música Disco y Pop. Precisamente esa fue la línea que siguieron muchos artistas en aquella época, aunque otros, como Michael Jackson, preferían mezclar el Funky con el Pop.


El nuevo sonido comercial europeo recibió el lógico nombre de Euro-Beat. El bombardeo de producciones era constante, Ice M.C. desde Italia, M.C. Sar & The Real Mc Coy desde Alemania, etc. Mientras estos artistas vendían miles de discos, grupos como Front 242 apostaban por el Sonido Industrial y se convertían en ídolos para el público que aborrecía la música comercial. El radicalismo y el culto al Techno Pop de Krafwerk crearon un nuevo estilo que en España se denominó Máquina. El resto del mundo continuó llamando Techno a esta fusión entre el New Beat, el Techno Pop y el Sonido Industrial.



martes, 6 de noviembre de 2007

La Hormiga Atómica (Atom Ant)

La Hormiga Atómica es minúscula de tamaño, pero su fuerza es extraordinaria. Con su grito de ¡Contraaaaaa el mal la Hormiga Atomicaaaaaa! Puede aplastar al más fuerte de los villanos y volar por los aires para conseguirlo. Si la Hormiga Atómica quisiera, podría ganarse el título de peso completo, pero nolo hace porque está muy ocupada usando su mente superior para capturar a sus enemigos. La hormiga Atómica afina sus superpoderes en el cuartel secreto quetiene debajo de una colina; y con sus increíbles antenas supersensibles puedecaptar todas las señales de angustia para llegar al instante y ayudar a quienmas lo necesita.


Este dibujo fue creado en 1965 por la dupla Hanna - Barbera. Pese a su pequeño tamaño su fuerza es impresionante. Con sus antenas puede captar cuando algún inocente tiene peligro y al grito de Contra el Mal! La hormigaaaa Atomicaaaaa lo va a rescatar. Su cuartel se encuentra debajo de un hormiguero y ahí es donde entrena(como si no fuera suficientemente fuerte sigue haciendo pesas). Realmente muy divertida esta serie que apareció a finales de los sesenta aquí en Perú y la veíamos en b&n por América televisión durante las tardes, despues de los deberes de colegio. Sólo existen 26 episodios durante 1965 y 1967. El estreno fue en la cadena NBC de EE.UU.

Originalmente la Hormiga Atómica presentó también en otros segmentos las aventuras de Lindo Pulgoso y Los Osos Montañeses. En 1967 se reestructuró bajo el título de The Atom Ant / Secret Squirrel Show agregándose a la troupe el interesante personaje de (El Inspector Ardilla), quien anteriormente había tenido su propia serie durante dos temporadas. Este pequeño dínamo puede enfrentarse con cualquiera, sin importar su tamaño.Obtiene su super fuerza de un Desintegrador de Atomos que se encuentra en su laboratorio, cual le permite volar, recoger llamados de ayuda en sus antenas,y levantar varias toneladas una y otra vez .






sábado, 3 de noviembre de 2007

El Tío Johnny: Un tío que se las trae.


El Tío Johnny debutó en la televisión con un programa en canal 4 llamado "Buenas Tardes Tío Johnny". Antes de que se estrenara su programa Johnny Salim incursionaba en el ambiente de negocios de la familia y nunca se imaginó estar algún día frente a una cámara de televisión en donde la teleaudiencia serían solo niños. Existía en la televisión peruana un programa infantil llamado "El Tío Juan" donde el carismático Juan Sedó era el animador y conductor del mismo. El Tío Johnny iba en el horario de las 6 de la tarde. El saludo que daba inicio al programa era un bullicioso "¡Buenas tardes, Tío Johnny!". En una hora de títeres, concursos y la presentación de series como Super Car, Tiro Loco, el Bonachón Noddy Magrou y la historia de Aladino y su Lámpara Maravillosa.

Después del primer año el programa cambió de nombre, "El Tío Johnny" de simple. Johnny Salim salía con una sarita como sombrero y un traje de color amarillo-negro a lo tío Sam. Su programa muy elegante y bien estructurado, nos conducía por alguna parte del camino hacia la casa de la señora vaca para tomarnos nuestro acostumbrado vaso de leche. Era la única forma de tomar leche, solo al estilo del Tío Johnny con músiquita incluída.

Me acuerdo que tenía cuando chico, el vaso y el azafate del Tío Johnny, también vendían por aquel tiempo la sarita y discos lps 33 rpm con canciones muy bien logradas como: la señora gallina, al perrito le duele la muela, los cochinitos, el cocinero, la señora vaca y el guarda bosque, los muñecos, etc.

Cuando los medios de comunicación se parametran con la unificación de los canales 4 y 5 (América y Panamericana Televisión Respectivamente) en Telecentro, ya Johnny Salim y su programa se había trasladado a la esquina de la televisión, osea al canal 5. Es cuando por orden del órgano regulador de comunicaciones, que ahora no recuerdo su nombre, hacen algunas observaciones al programa y entre algunas cosas le sugieren cambiar su vestimenta, porque según ellos era muy alienante, su manera de caminar y en la misma estructuración del programa. Por ejemplo existía una secuencia con el nombre de "El Tío Johnny a Go-go", tenía que ser removida por el contenido musical que no era nacional. La introducción de su programa en donde él llegaba al canal en una carcochita de estilo clásico convertible, sería cambiada por otra. Es decir le plantearon un cambio de 180 grados a su programa que tuvo practicamente que renunciar de la noche a la mañana porque no eran "sugerencias" sino que había tomado la dirección del programa sin su consentimiento.



Atrás quedarían los mejores momentos: cuando nos proyectaba los dibujos animados haciendo la simulación de utilizar un proyector casero de 8 mm., o hablando con la cámara haciendo creer que hablaba con la Sra. Vaca. Jugándose en cámaras con Chichi Salim, su sobrina, también por ahí se asomaba la pecosa María Kathia. A veces aparecía en alguna intervención la pequeña Inés "Chacha" Hormazabal., etc.

Johnny Salim, también pertenece a ese gran grupo de personalidades que hicieron de la televisión un baluarte con programas de calidad con recursos limitados. Gente que no se preparó para hacer lo que hizo en un centro superior de estudios, sino que con el grado socio-cultural al cual pertenecían además de un don de gente y buen sentido común hacían de lo mas simple, una obra de arte.

Después entrarían a reemplazarlo la jovencita Mirta Patiño e Ismael Contreras, un novato actor teatral. Ellos dieron forma al nuevo programa infantil "En esta parte del camino".